Club Efemeer est né en 2017 d’une collaboration entre les artistes visuels Maarten Vanermen et Arnaud De Wolf lors de leur résidence à Cas-co à Louvain (Belgique). Depuis, ils créent des scénographies pour et inspirées par la nuit et, par la suite, des installations. Le travail de Club Efemeer se situe à la croisée des chemins entre la haute et la basse technologie, l’analogique et le numérique ; il relie l’art visuel à la scénographie, nos sens à la science. 

Actuellement, le Club Efemeer mène des recherches sur les sculptures lumineuses éphémères. Il étudie les moyens de manipuler la lumière artificielle et la fumée afin de créer des formes et des volumes sculpturaux sans corps tangible. Ces sculptures touchent aux qualités physiques de la lumière et de la fumée, à la perception humaine, à la composition spatiale, à la spectabilité et à la performativité de la/des sculpture(s). 

Club Efemeer originated in 2017 as a collaboration between visual artists Maarten Vanermen and Arnaud De Wolf during their residency at Cas-co in Leuven (Belgium). Since then, they have been creating scenographies for and inspired by the night and have subsequently developed installation pieces. Club Efemeer’s work is at the crossroads of high tech and low tech, of analog and digital; it connects visual art with scenography, intertwines our senses with science.

Currently, Club Efemeer is conducting research on ephemeral light sculptures. They are investigating ways to manipulate artificial light and smoke in order to create sculptural shapes and volumes without a tangible body. These sculptures touch upon the physical qualities of light and smoke, but also reflect upon human perception, spatial composition, spectatorship and the work’s own performativity. 

In addition to their individual and collective practice, Maarten is curator of visual arts at Pilar House for Art & Science, of the Free University of Brussels and Arnaud conducts research into the scenographic and dramaturgical aspects of club culture.

Originaire de Montréal, Claudie Gagnon, artiste multidisciplinaire autodidacte active depuis plus d’une trentaine d’années, vit et travaille à Québec.  

Sa pratique se déploie sous plusieurs formes : installation, tableau vivant, sculpture, vidéo, photo, food art, création jeune public, collage et art intégré à l’architecture. Son travail est présenté autant dans les lieux voués à l’art – centres d’artistes, galeries, musées, théâtres – que dans des endroits choisis pour leur potentiel à stimuler la création d’œuvres in situ (grange, jardin, usine, église désaffectée, appartement voué à la démolition, etc.). Elle recycle tant des objets d’usage courant que des concepts, des œuvres plus ou moins notoires de l’histoire de l’art, en plus de s’intéresser aux empreintes visuelles et sonores qui forment notre culture savante et populaire. Ses créations sont empreintes de ludisme et de poésie : à la fois ravissantes et inquiétantes, elles provoquent l’enchantement et le malaise, hésitent entre l’ordinaire et l’extraordinaire. On y retrouve des éléments périssables, comme des aliments ou des végétaux, expression des cycles de la vie et du travail du temps sur toutes choses. 

Ses œuvres ont été présentées dans des centres d’artistes, des galeries, des musées et des festivals en Amérique du Nord, en Asie et en Europe. Elles font partie des collections du MNBAQ, du MACM, du MBAM, du Musée d’art de Joliette et de plusieurs collections privées. Elle a occupé les studios de Paris et de Mexico du Conseil des arts et des lettres du Québec pour des résidences de création.

Originally from Montreal, Claudie Gagnon is a self-taught multidisciplinary artist who has been active for over thirty years, and who now lives and works in Quebec City.

Her practice takes many forms: installation, living painting, sculpture, video, photography, food art, creations for young audiences, collage and art integrated into architecture. Her work is not only presented in art venues – artist-run centers, galleries, museums, theaters – but also in places chosen for their potential to stimulate the creation of in situ works (barns, gardens, factories, disused churches, apartments earmarked for demolition, etc.). 

She recycles everyday objects as well as concepts and more or less notorious works from the history of art, in addition to taking an interest in the visual and sonic markers that make up our high and popular cultures. Her creations are imbued with playfulness and poetry, at once enchanting and disquieting, provoking delight and unease, vacillating between the ordinary and the extraordinary. Perishable elements, such as food and plants, express the life cycles and the effects of time on all things.

Her work has been shown in artist-run centers, galleries, museums and festivals in North America, Asia and Europe. Her pieces are part of the collections of the MNBAQ, MACM, MBAM, Musée d’art de Joliette and several private collections. She has held creative residencies in the Paris and Mexico City studios of the Conseil des arts et des lettres du Québec.

La démarche multidisciplinaire de Vincent Fillion prend racine dans la musique pop et rock. Grâce à un baccalauréat en musiques numériques à l’Université de Montréal achevé en 2018, il se plonge dans l’art sonore, l’expérimental et l’audiovisuel. Il y développe une avidité pour la démocratisation des pratiques liées aux arts technologiques.

La notion de simplexité audiovisuelle est intimement liée à son corpus d’œuvres, qui comprend pièces acousmatiques, vidéomusique, performances audiovisuelles et installations. En découle un besoin d’inventer de nouveaux moyens d’expression expérimentaux dénués de la pression de performance qu’implique la pratique d’un instrument de musique traditionnel. À travers ce parcours, il développe une expertise en logiciels libres, en électronique et en programmation créative.

Son travail a été présenté dans plusieurs festivals internationaux (Allemagne, États-Unis, Royaume-Uni, Canada). Il travaille maintenant à poursuivre cette démarche en installation, performance et conception audiovisuelle.

Vincent Fillion’s multidisciplinary approach is rooted in pop and rock music. With a bachelor’s degree in digital music from the Université de Montréal completed in 2018, he immersed himself not only in sound art, but also experimental and audiovisual art. Through his experiences, he developed an avidity for the democratization of practices linked to technological arts.

The notion of audiovisual simplexity is intimately linked to his body of work, which includes acousmatic pieces, videomusic, audiovisual performance and installations. It stems from a need to invent new, experimental means of expression devoid of the performance pressure involved in playing a traditional musical instrument. Along the way, he developed expertise in open-source software, electronics and creative programming.

His work has been presented at several international festivals (Germany, USA, UK, Canada). He is now pursuing this approach through installation, performance and audiovisual design.

Catherine Bélanger vit et travaille à Québec. Elle est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels et d’une maîtrise interdisciplinaire en art de l’Université Laval. Ses recherches-créations portent sur la rencontre et le don, et approfondissent la réflexion sur le patrimoine immatériel lié aux rituels du quotidien et la volonté de les préserver. Son travail se concrétise principalement en animation, en vidéo et en installation numérique et interactive. Il a été présenté entre autres dans le métavers par la plateforme Ellipse en 2023, à La Centrale galerie Powerhouse à Montréal en 2019, au Mois Multi, festival international d’arts multidisciplinaires et électroniques de Québec en 2017, au Musée de la civilisation de Québec en 2016 ainsi qu’au Bangkok Art and Culture Center (BACC) à Bangkok en 2015. De plus, elle participe à divers événements individuels et collectifs, depuis 1997, en France, à Montréal, à Québec et en région. Elle collabore actuellement à des recherches transdisciplinaires sur le geste culinaire et le mouvement avec l’Université de technologie de Belfort-Montbéliard en France ainsi qu’avec le Centre de développement et de recherche en intelligence numérique de Matane et différents partenaires techniques et centres d’artistes de Québec. Ses recherches ont été soutenues par le Conseil des arts du Canada, la Fédération des cégeps du Québec et Première Ovation. Depuis 2004, elle enseigne également les arts visuels au Cégep Limoilou. 

Catherine Bélanger lives and works in Quebec City. She holds a bachelor’s degree in visual arts and an interdisciplinary master’s degree in arts from Université Laval. Her creative research revolves around our various encounters and around the act of giving; she explores the intangible heritage associated with everyday rituals, and our desire to preserve them. Her practice focuses primarily on animation, videography as well as digital and interactive installations. Her work has been presented in the metaverse by the Ellipse platform in 2023; at the Centrale Powerhouse in Montreal in 2019; at Mois Multi, the international multidisciplinary and electronic arts festival in Quebec City in 2017; at the Musée de la Civilisation in Quebec City in 2016; and at the Bangkok art and culture center (BACC) in 2015. In addition, she has participated in various individual and collective events since 1997, including in France, Montreal, Quebec City and different rural areas. She is currently collaborating on transdisciplinary research on the culinary movement with the Université des technologies de Belfort-Montbéliard in France, as well as with the Centre de recherche en intelligence numérique de Matane and various technical partners and artist-run centers in Quebec. Her research has been supported by the Canada Council for the Arts, the Fédération des Cégep du Québec and Première Ovation. Since 2004, she has also taught visual arts at Cégep Limoilou.

Navid Navab

Navid Navab, né à Téhéran (IR) et actuellement établi à Montréal, est reconnu comme alchimiste des médias, cosmologiste de table et compositeur antidisciplinaire. La pratique artistique investigatrice associée à Navab se caractérise par un engagement scrupuleux à l’égard des structures transductives de la vivacité. Ses créations récentes mettent méticuleusement en scène et exposent des formes d’ordre émergentes et inquiétantes, nées de la dynamique excitable de la matière. Ces compositions servent d’accord sensoriel avec la dynamique formative du chaos, tout en facilitant l’engagement participatif avec l’excitabilité de ses formations.

Intéressé par la poétique de la schizophonie, du geste et de la matérialité, Navab a consacré la dernière décennie à orchestrer des expériences multisensorielles qui entremêlent les corps, les machines et les matérialités à la fois in situ et en concert. Leurs diverses œuvres d’art, qui vont des performances sonores gestuelles aux plateformes d’artscience, en passant par les environnements d’investigation participatifs et les sculptures cinétiques, circulent dans le monde entier dans des festivals et des lieux tels que KIKK (BE), Ars Electronica (AT), NEMO (FR), Kapelica (SL), eArts (CH), device_art (HR), Sonica (BG), Contemporary Arts Museum Houston (US), ISEA (SP, CA), FIMAV (CA), et HKW (DE).

Au-delà des salles d’exposition et de concert, les plateformes artistiques itinérantes et les recherches-créations universitaires de Navab servent d’investigations médiatico-archéologiques dans la construction de nouvelles formes d’agence et de nouveaux modes de connaissance culturelle. Ces plateformes forgent une nouvelle éthique de collaboration, invitant à la création ludique de sens au milieu des indéterminations matérielles, sociales et écologiques. Le travail de Navab éclaire l’intersection des arts d’investigation, de la technoscience et de la biologie philosophique, invitant les spectateurs à inventer de nouvelles perspectives sur la convergence de la technologie, de la nature et de l’expression humaine.

Garnet Willis

Garnet Willis est un artiste interdisciplinaire canadien, ingénieur du son, compositeur et fabricant d’instruments. Il combine ses compétences disparates de designer, de travailleur du bois et du métal, d’ingénieur du son et de passionné d’électronique pour produire des œuvres d’art multivariées qui tendent à tourner autour du son. Les intérêts de Garnet l’ont amené à l’Université Concordia où sa recherche doctorale, financée par le FRQSC, porte sur les croisements entre la sensation, la forme dans le temps, la matière sensible et l’agence matérielle. Il s’inspire d’idées empruntées à la composition musicale stochastique dans sa quête pour développer des sculptures mouvantes qui utilisent des calculs de matériaux complexes, motivés par des contraintes internes, ce qui entraîne des changements imprévisibles et en temps réel de la forme physique.

Il a reçu de prestigieuses récompenses internationales pour ses œuvres d’art, ses compositions et ses enregistrements, dont le prix de Bourges, et ses œuvres ont été exposées et jouées aux États-Unis, au Royaume-Uni, en France, en Allemagne, en Italie, au Mexique, aux Pays-Bas et en Colombie. Il a écrit et construit de nombreuses œuvres sur commande, notamment sa série “flux” de sculptures sonores électromagnétiques à lecture automatique.

Navid Navab

Navid Navab, born in Tehran (IR) and currently based in Montreal, is recognized as a media alchemist, tabletop cosmologist, and antidisciplinary composer. The investigative artscience practice associated with Navab is characterized by scrupulous engagement with transductive structures of liveliness. Recent creations meticulously stage and exhibit emergent, uncanny forms of order, born from the excitable dynamics of matter. These compositions serve as sensory attunements to the formgiving dynamics of chaos, while facilitating participatory engagement with the excitability of its formations.

Interested in the poetics of schizophonia, gesture, and materiality, Navab has dedicated the past decade to orchestrating multi-sensory experiences that entwine bodies, machines, and materialities both in-situ and in concert. Their diverse artworks, spanning gestural sound performances to artscience platforms, participatory investigative environments, and kinetic sculptures circulate globally at festivals and venues such as KIKK (BE), Ars Electronica (AT), NEMO (FR), Kapelica (SL), eArts (CH), device_art (HR), Sonica (BG), Contemporary Arts Museum Houston (US), ISEA (SP, CA), FIMAV (CA), and HKW (DE).

Beyond the exhibition and concert halls, Navab’s touring artscience platforms and academic research-creations serve as media-archeological investigations into the construction of new forms agency, and fresh modes of cultural knowledge. These platforms forge a new collaborative ethos, inviting playful sense-making amidst material, social, and ecological indeterminacies. Navab’s work illuminates the intersection of investigative arts, technoscience, and philosophical biology, inviting viewers to invent novel perspectives on the convergence of technology, nature, and human expression.

Garnet Willis

Garnet Willis is a Canadian interdisciplinary artist, audio engineer, composer and instrument builder. He combines his disparate skills as, designer, wood and metal-worker, sound engineer and electronics geek to produce multivariate artworks that tend to revolve around sound. Garnet’s interests bring him to Concordia University where his FRQSC funded PhD research investigates the crossroads between sensation, form over time, sentient matter, and material agency. He draws upon ideas borrowed from stochastic music composition in his quest to develop shapeshifting sculptures that utilize complex material calculations driven by internal stresses resulting in unpredictable, real time changes in physical form.

He has garnered prestigious international awards for his artworks, compositions and recordings, including the Bourges Prize, and has had his work exhibited and performed in the USA, UK, France, Germany, Italy, Mexico, the Netherlands, and Colombia. He has written/built many commissioned works including his “’flux” series of self-playing electromagnetic sound sculptures.

Josiane Roberge est une artiste visuelle de Québec, détentrice d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval (2013). Sa pratique se situe entre art action, art relationnel et images en mouvement. Son processus de création prend sa source dans la relation humaine et explore plus particulièrement l’impalpable de la rencontre de soi et de l’autre. Elle cherche à trouver des symboles forts au sein d’actions simples – marcher (Les Marcheurs), embrasser (La prière), ramer (Passagère) – desquelles elle peut faire surgir l’essentiel. Le médium temporel de la vidéo lui permet de traduire des états intérieurs en mettant l’accent sur la présence, la lenteur et le déploiement de vérités.

Elle a présenté son travail en Amérique, en Europe et en Afrique dans le cadre de divers événements et expositions tels que Manif d’art 7 (Québec), Art Souterrain et Phénomena (Montréal), Festival international d’art vidéo de Casablanca (Maroc), Vidéoformes (Clermont-Ferrand), Québec/Nantes, dialogue en arts visuels initié par la Manif d’art (Nantes), Les Rendez-vous Québec Cinéma. En 2014, elle est finaliste pour le prix Videre, Relève en arts visuels pour son exposition La Prière. En plus de sa pratique personnelle, elle collabore régulièrement avec d’autres artistes et compagnies avec lesquels elle a le plaisir de porter plusieurs chapeaux. C’est avec un plaisir toujours renouvelé qu’elle collabore avec le Mois Multi comme vidéaste depuis une dizaine d’années.

Josiane Roberge is a visual artist based in Quebec City, with a bachelor’s degree in visual and media arts from Université Laval (2013). Her practice lies somewhere between Action Art, relational art and moving image. Her creative process is rooted in human relationships, notably exploring the intangible nature of one’s encounter with themself and with others. She seeks to find strong symbols within simple actions – walking (Les Marcheurs), kissing (La prière), rowing (Passagère) – from which she can extract the essential value. The structured time-frame of the video medium enables her to translate internal states, emphasizing presence, slowness and the unfolding of truths.

She has presented her work in the Americas, Europe and Africa at various events and exhibitions, including Manif d’art 7 (Quebec City), Art Souterrain and Phénomena (Montreal), FIAV Casablanca (Morocco), Vidéoformes (Clermont-Ferrand), Québec/Nantes, dialogue en arts visuels initiated by Manif d’art (Nantes) and Les Rendez-vous Québec Cinéma. In 2014, she was a finalist for the Prix Videre, Relève en arts visuels for her exhibition titled La Prière. In addition to her individual practice, she regularly collaborates with other artists and companies, with whom she has the pleasure of wearing many hats. She has been collaborating with Mois Multi as a video artist for the past ten years.