Organism

Organism

Programmation 2024
Expositions

Origine: Montréal

Exposition

Artistes

Navid Navab

En collaboration avec Garnet Willis

Lieu

La Nef
160 Rue Saint-Joseph E, Québec, QC G1K 3A7

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er février au 11 février

Vernissage le 2 février

Performance le 10 février à 18h

Mardi au vendredi : 15h à 20h

Samedi et dimanche : 10h à 17h

Description

Centré autour d’un orgue à tuyaux centenaire modifié robotiquement, Organism est une plateforme d’investigation pour le co-modelage stochastique via l’indétermination sono-écologique des processus turbulents de formation.

Un orgue Casavant, construit en 1910, est ramené à la vie après avoir été soustrait à l’indifférence de la gentrification dans un site patrimonial du Sud-Ouest de Montréal. Organism démantèle les sonorités trop propres de l’orgue à tuyaux – ce triomphe simpliste de la civilisation occidentale sur l’effervescence de la nature – afin de raviver la matérialité turbulente naturelle cachée au cœur de son processus de production sonore.

Les tuyaux récupérés, et leur architecture pneumatique, ont été soigneusement modifiés pour supprimer les stabilisations qui visaient autrefois à éliminer le flux turbulent et son monde sonore incontrôlé. Des timbres, jamais entendus auparavant, sont libérés robotiquement après des siècles de répression sonore.

L’installation fait dialoguer le chaos cinétique avec les turbulences sonores. Elle retrace la dynamique expressive des algorithmes génératifs jusqu’à leur source cosmologique, en relation, en mouvement et dans le temps : au cœur même de la créativité incontrôlable de la nature.

Au centre, un triple pendule grandeur nature (une sculpture cinétique appelée Excitable Chaos) évolue de manière chaotique. Un triple pendule est un système physique qui présente un riche comportement chaotique non linéaire, dû à l’échange rapide d’énergie potentielle et réelle entre ses différents systèmes de mouvement couplés. En tant qu’expérience de base pour étudier les « transitions d’état chaotiques », un problème millénaire jamais résolu par la physique, les pendules chaotiques servent à la fois de symbole interculturel pour l’indétermination créative de la nature et de phénomène génératif à la créativité excitable.

À La Nef, le mouvement génératif d’Excitable Chaos module cinétiquement les seuils sonores turbulents d’Organism, orchestrant ainsi des accords avec le comportement étrange du pendule et l’excitabilité sonore d’Organism. Chaque ondulation ouvre un cycle indéterminé d’oscillations chaotiques. Au fil du temps, les attaches chaotiques vous ancrent dans leur sillon autosimilaire.

Nous vivons une époque turbulente, où les changements sont rapides et où chaque cause, aussi insignifiante soit-elle, peut avoir un effet personnel, politique ou écologique à grande échelle. Par conséquent, l’harmonisation des principes de la globalité chaotique, de l’unité et de leur créativité excitante inspire des moyens artistiques pour comprendre et coexister avec ces forces puissantes qui nous informent.

En tant que plateforme d’investigation artScience, l’œuvre explore les tendances de la nature à donner des formes. Par exemple, une surprenante découverte artScience révèle que la sensibilité du chaos est créée par les résonances internes qui naissent des corrélations entre les « parties » d’un ensemble en mouvement et le « tout », pour produire un flux qui donne une forme. Excitable Chaos met en évidence ces corrélations subtiles et essentielles grâce à des techniques de détection, d’analyse et de cartographie de pointe. Ces corrélations se transforment ensuite en paysages sonores organiques. On peut alors constater que le chaos EST l’excitabilité. Alors que de telles idées restent inaccessibles sur papier, il est possible de les ressentir et de réunir l’art et la science sous la forme d’un dialogue réfléchi avec la nature.

Excitable Chaos met en lumière l’une des façons les plus spectaculaires dont la nature démontre que même les plus petites échelles de grandeur sont des contributeurs clés à un comportement global dont l’état suivant est rendu inconnu. Il s’agit d’une méditation sur la manière dont un sentiment qui dépasse l’unicité peut spontanément se développer dans la vie et la nature : des gestes transindividuels, des temporalités en cascade et des bouleversements au bord du chaos qui font et défont des mondes excitables. Notre monde orienté vers un but ne peut produire que des futurs prévisibles et instrumentaux. À l’inverse, le principe sauvage, mais orientable, de multiplicité peut nous aider à rester dans la difficulté d’inventer des mondes encore inconnus.

Centered around a robotically prepared century-old pipe organ, Organism is an investigative platform for stochastic co-patterning via the sono-ecological indeterminacy of turbulent processes of formation.

A Casavant pipe organ built in 1910 is brought back to life after being removed from the indifference of gentrification at a heritage site in Sud-Ouest, Montreal. Organism dismantles the far-too-clean tones of the pipe organ—that reductive triumph of Western civilization over the turbulence of nature—in order to excite the natural turbulent materiality hidden within the heart of its sound-generating process.

The rescued pipes, along with their pneumatic architecture, have been carefully modified to remove stabilizations which historically aimed to eliminate turbulent flow and its uncontrolled sound world, robotically unleashing timbres unheard after centuries of sonic repression.

The installation puts kinetic chaos in conversation with sonic turbulence. It traces the expressive dynamics of generative algorithms to their cosmological source, in relation, in movement, and in time: at the very heart of nature’s uncontrollable creativity.

At the centre, a life-sized triple-pendulum (a kinetic sculpture named “Excitable Chaos) evolves chaotically. A triple-pendulum is a physical system that exhibits rich nonlinear chaotic behavior, due to the rapid exchange of potential and actual energy between its variously coupled movement systems. As a staple experiment for investigating “chaotic state transitions”, an unsolved Millennia Problem in Physics, chaotic pendulums serve both as an intercultural symbol for nature’s creative indeterminacy, as well as a generative phenomenon with excitable creativity.

At La Nef, the generative movement of Excitable Chaos will kinetically modulate the turbulent-sonic thresholds of Organism, thus orchestrating attunements to both the pendulum’s uncanny behavior and Organism’s sonic excitability. Each undulation opens an indeterminate cycle of chaotic oscillations. While, over time, chaotic-attractors ground you in their self-similar groove.

We live in turbulent times, where change happens quickly, and every cause, no matter how insignificant, can have a large-scale effect, from the personal, to the political, to the ecological. Therefore, developing an attunement to principles of chaotic wholeness, togetherness, and their excitable creativity inspires artful ways of understanding and co-existing with these powerful forces that inform us.

As an investigative artScience platform, the work probes at nature’s form-giving tendencies. For example, one surprising artScience insight shows how the sensitivity of chaos is a byproduct of internal resonances that grow out of correlations between “parts” of a moving ensemble and the “whole » to produce a form-giving flow. Excitable Chaos highlights these subtle yet critical correlations via cutting-edge sensing/analysis/mapping techniques, transforming them into Organismic soundscapes. In the process, it reveals that chaos IS excitability. While such insights remain inaccessible on paper, sensorially they will be felt, bringing art and science together in the form of a reflective dialogue with nature.

Excitable Chaos highlights one of the more spectacular ways in which nature demonstrates how even the smallest scales of magnitude are key contributors to an overall behavior whose next state is rendered unknown. It is meditation on how a sense of more-than-oneness may spontaneously develop in life and nature: trans-individuating gestures, cascading temporalities, and upheavals at the edge-of-chaos making and unmaking excitable worlds. Our goal-oriented world can only produce predictably instrumental futures. Conversely this wild yet steerable principle of being more-than-one can help us to stay with the trouble of inventing worlds yet unknown.

Biographie

Navid Navab

Navid Navab, né à Téhéran (IR) et actuellement établi à Montréal, est reconnu comme alchimiste des médias, cosmologiste de table et compositeur antidisciplinaire. La pratique artistique investigatrice associée à Navab se caractérise par un engagement scrupuleux à l’égard des structures transductives de la vivacité. Ses créations récentes mettent méticuleusement en scène et exposent des formes d’ordre émergentes et inquiétantes, nées de la dynamique excitable de la matière. Ces compositions servent d’accord sensoriel avec la dynamique formative du chaos, tout en facilitant l’engagement participatif avec l’excitabilité de ses formations.

Intéressé par la poétique de la schizophonie, du geste et de la matérialité, Navab a consacré la dernière décennie à orchestrer des expériences multisensorielles qui entremêlent les corps, les machines et les matérialités à la fois in situ et en concert. Leurs diverses œuvres d’art, qui vont des performances sonores gestuelles aux plateformes d’artscience, en passant par les environnements d’investigation participatifs et les sculptures cinétiques, circulent dans le monde entier dans des festivals et des lieux tels que KIKK (BE), Ars Electronica (AT), NEMO (FR), Kapelica (SL), eArts (CH), device_art (HR), Sonica (BG), Contemporary Arts Museum Houston (US), ISEA (SP, CA), FIMAV (CA), et HKW (DE).

Au-delà des salles d’exposition et de concert, les plateformes artistiques itinérantes et les recherches-créations universitaires de Navab servent d’investigations médiatico-archéologiques dans la construction de nouvelles formes d’agence et de nouveaux modes de connaissance culturelle. Ces plateformes forgent une nouvelle éthique de collaboration, invitant à la création ludique de sens au milieu des indéterminations matérielles, sociales et écologiques. Le travail de Navab éclaire l’intersection des arts d’investigation, de la technoscience et de la biologie philosophique, invitant les spectateurs à inventer de nouvelles perspectives sur la convergence de la technologie, de la nature et de l’expression humaine.

Garnet Willis

Garnet Willis est un artiste interdisciplinaire canadien, ingénieur du son, compositeur et fabricant d’instruments. Il combine ses compétences disparates de designer, de travailleur du bois et du métal, d’ingénieur du son et de passionné d’électronique pour produire des œuvres d’art multivariées qui tendent à tourner autour du son. Les intérêts de Garnet l’ont amené à l’Université Concordia où sa recherche doctorale, financée par le FRQSC, porte sur les croisements entre la sensation, la forme dans le temps, la matière sensible et l’agence matérielle. Il s’inspire d’idées empruntées à la composition musicale stochastique dans sa quête pour développer des sculptures mouvantes qui utilisent des calculs de matériaux complexes, motivés par des contraintes internes, ce qui entraîne des changements imprévisibles et en temps réel de la forme physique.

Il a reçu de prestigieuses récompenses internationales pour ses œuvres d’art, ses compositions et ses enregistrements, dont le prix de Bourges, et ses œuvres ont été exposées et jouées aux États-Unis, au Royaume-Uni, en France, en Allemagne, en Italie, au Mexique, aux Pays-Bas et en Colombie. Il a écrit et construit de nombreuses œuvres sur commande, notamment sa série « flux » de sculptures sonores électromagnétiques à lecture automatique.

Navid Navab

Navid Navab, born in Tehran (IR) and currently based in Montreal, is recognized as a media alchemist, tabletop cosmologist, and antidisciplinary composer. The investigative artscience practice associated with Navab is characterized by scrupulous engagement with transductive structures of liveliness. Recent creations meticulously stage and exhibit emergent, uncanny forms of order, born from the excitable dynamics of matter. These compositions serve as sensory attunements to the formgiving dynamics of chaos, while facilitating participatory engagement with the excitability of its formations.

Interested in the poetics of schizophonia, gesture, and materiality, Navab has dedicated the past decade to orchestrating multi-sensory experiences that entwine bodies, machines, and materialities both in-situ and in concert. Their diverse artworks, spanning gestural sound performances to artscience platforms, participatory investigative environments, and kinetic sculptures circulate globally at festivals and venues such as KIKK (BE), Ars Electronica (AT), NEMO (FR), Kapelica (SL), eArts (CH), device_art (HR), Sonica (BG), Contemporary Arts Museum Houston (US), ISEA (SP, CA), FIMAV (CA), and HKW (DE).

Beyond the exhibition and concert halls, Navab’s touring artscience platforms and academic research-creations serve as media-archeological investigations into the construction of new forms agency, and fresh modes of cultural knowledge. These platforms forge a new collaborative ethos, inviting playful sense-making amidst material, social, and ecological indeterminacies. Navab’s work illuminates the intersection of investigative arts, technoscience, and philosophical biology, inviting viewers to invent novel perspectives on the convergence of technology, nature, and human expression.

Garnet Willis

Garnet Willis is a Canadian interdisciplinary artist, audio engineer, composer and instrument builder. He combines his disparate skills as, designer, wood and metal-worker, sound engineer and electronics geek to produce multivariate artworks that tend to revolve around sound. Garnet’s interests bring him to Concordia University where his FRQSC funded PhD research investigates the crossroads between sensation, form over time, sentient matter, and material agency. He draws upon ideas borrowed from stochastic music composition in his quest to develop shapeshifting sculptures that utilize complex material calculations driven by internal stresses resulting in unpredictable, real time changes in physical form.

He has garnered prestigious international awards for his artworks, compositions and recordings, including the Bourges Prize, and has had his work exhibited and performed in the USA, UK, France, Germany, Italy, Mexico, the Netherlands, and Colombia. He has written/built many commissioned works including his “’flux” series of self-playing electromagnetic sound sculptures.

Crédits

Concept, composition, sculpture, programmation, co-design, électronique, fabrication, performance : Navid Navab
Ingénierie, conception, sculpture, électronique, fabrication : Garnet Willis
–
Assistance et renforcement sonore en direct : Philippe Vandal
Consultants pour la programmation du cadre : Jean-Michaël Celerier et Evan Montpellier
Agent : Bureau d’art de Tallieu
Soutien : Conseil des Arts du Canada, Topological Media Lab, Matralab, Le Salon Richmond 1861, Fonds de Recherche du Québec, Recto-Verso, Société des arts technologiques.

Concept, composition, sculpture, programming, co-design, electronics, fabrication, performance : Navid Navab
Engineering, design, sculpture, electronics, fabrication : Garnet Willis
–
Live sound reinforcement and assistance: Philippe Vandal
Framework programming consultants: Jean-Michaël Celerier and Evan Montpellier
Agent: Tallieu Art Office
Support : Canada Council for the Art, Topological Media Lab, Matralab, Le Salon Richmond 1861, Fonds de Recherche du Québec, Recto-Verso, Société des arts technologiques.

Photos : Diego Bravo, Navid Navab, Garnet Mills et Elisa Sibert

Au-dessus de nos têtes

Au-dessus de nos têtes

Programmation 2024
Expositions

Origine: Québec

Exposition

Artistes

Josiane Roberge

une oeuvre présentée en collaboration avec la bibliothèque de québec

Lieu

Bibliothèque Aliette-Marchand 243 boulevard Pierre-Bertrand, Québec, G1M 2C7

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er février au 11 février

Vernissage le 2 février

Mardi et mercredi : 13h à 20h

Jeudi au dimanche : 10h à 17h

Description

Le projet Au-dessus de nos têtes a vu le jour lors d’une résidence en Finlande en 2022 où l’artiste s’intéressait à contempler sa capacité d’écoute. En captant ses collègues attentifs dans différents univers naturels et construits, sa recherche s’est naturellement transformée en désir d’explorer ces espaces mentaux qui nous habitent, mettant en valeur toute la richesse métaphorique de ce qui plane au-dessus de nos têtes, lieu suspendu où le vide, le plein, l’encombrement et le vaste cohabitent. En août 2023, Josiane Roberge poursuivait sa réflexion en tant qu’artiste invitée au Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul sous la thématique Qui est « Je » ? Qui est « Nous » ?. Durant ce mois, elle a créé une série de portraits vidéographiques et photographiques des visiteurs de l’événement. Elle les questionnait : À quoi ressemble votre espace mental, quels objets s’y retrouvent? Qu’est-ce qui l’encombre? Où sont les fenêtres, les portes de sorties? Quelles textures y trouve-t-on? Qu’est-ce qui caractérise ces espaces? L’exposition présentée au Mois Multi est le résultat de ce travail en atelier.

Au-dessus de nos têtes was created during a residency in Finland in 2022, where the artist was interested in contemplating her ability to listen. By capturing her attentive colleagues in different natural and constructed worlds, her research naturally evolved into a desire to explore these mental spaces that inhabit us, highlighting all the metaphorical richness of what hovers above our heads, a suspended place where emptiness, fullness, clutter and vastness cohabit. In August 2023, Josiane Roberge continued her reflection as guest artist at the Baie-Saint-Paul International Symposium of Contemporary Art, under the theme Who is « I »? Who is « We »? During this month, she created a series of video and photographic portraits of visitors to the event. She asked them: What does your mental space look like, what objects are in it? What clutters it? Where are the windows, the exit doors? What textures are there? What characterizes these spaces? The exhibition presented at Mois Multi is the result of this workshop.

Biographie

Josiane Roberge est une artiste visuelle de Québec, détentrice d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval (2013). Sa pratique se situe entre art action, art relationnel et images en mouvement. Son processus de création prend sa source dans la relation humaine et explore plus particulièrement l’impalpable de la rencontre de soi et de l’autre. Elle cherche à trouver des symboles forts au sein d’actions simples – marcher (Les Marcheurs), embrasser (La prière), ramer (Passagère) – desquelles elle peut faire surgir l’essentiel. Le médium temporel de la vidéo lui permet de traduire des états intérieurs en mettant l’accent sur la présence, la lenteur et le déploiement de vérités.

Elle a présenté son travail en Amérique, en Europe et en Afrique dans le cadre de divers événements et expositions tels que Manif d’art 7 (Québec), Art Souterrain et Phénomena (Montréal), Festival international d’art vidéo de Casablanca (Maroc), Vidéoformes (Clermont-Ferrand), Québec/Nantes, dialogue en arts visuels initié par la Manif d’art (Nantes), Les Rendez-vous Québec Cinéma. En 2014, elle est finaliste pour le prix Videre, Relève en arts visuels pour son exposition La Prière. En plus de sa pratique personnelle, elle collabore régulièrement avec d’autres artistes et compagnies avec lesquels elle a le plaisir de porter plusieurs chapeaux. C’est avec un plaisir toujours renouvelé qu’elle collabore avec le Mois Multi comme vidéaste depuis une dizaine d’années.

Josiane Roberge is a visual artist based in Quebec City, with a bachelor’s degree in visual and media arts from Université Laval (2013). Her practice lies somewhere between Action Art, relational art and moving image. Her creative process is rooted in human relationships, notably exploring the intangible nature of one’s encounter with themself and with others. She seeks to find strong symbols within simple actions – walking (Les Marcheurs), kissing (La prière), rowing (Passagère) – from which she can extract the essential value. The structured time-frame of the video medium enables her to translate internal states, emphasizing presence, slowness and the unfolding of truths.

She has presented her work in the Americas, Europe and Africa at various events and exhibitions, including Manif d’art 7 (Quebec City), Art Souterrain and Phénomena (Montreal), FIAV Casablanca (Morocco), Vidéoformes (Clermont-Ferrand), Québec/Nantes, dialogue en arts visuels initiated by Manif d’art (Nantes) and Les Rendez-vous Québec Cinéma. In 2014, she was a finalist for the Prix Videre, Relève en arts visuels for her exhibition titled La Prière. In addition to her individual practice, she regularly collaborates with other artists and companies, with whom she has the pleasure of wearing many hats. She has been collaborating with Mois Multi as a video artist for the past ten years.

Crédits

Conception : Josiane Roberge

L’artiste aimerait remercier chaleureusement le Conseil des arts du Canada, le Musée d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, les visiteur·euses et artistes de la 41e édition du Symposium international d’art contemporain de Baie-Saint-Paul, SPIRA, La Bande Vidéo, Avatar, Nicolas Boudreau, Martin Laroche, Claude Mathieu, Valérie Bissonnette, Elias Djemil et Estelle Rochefort.

TBA

Photo : Baron-Lanteigne

Surfaces fuyantes

Surfaces fuyantes

Programmation 2024
Expositions

Origine: Montréal

Exposition

Artiste

François Quévillon

Lieu

Sous-sol du Musée de la civilisation
85 Rue Dalhousie
Québec, QC G1K 8R2

Gratuit / sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er au 25 février
Mardi au dimanche : 10h à 17h

Vernissage le 2 février

Description

Cette œuvre monumentale et poétique nous transporte dans des milieux nébuleux où se révèlent et se dissipent des fragments de paysages. Des silhouettes évanescentes émergent du flou, du bruit et d’artefacts qui composent l’horizon visuel et sonore.  

 La large projection de Surfaces fuyantes présente des espaces numérisés avec précision qui sont rendus avec une très courte profondeur de champ et une mise au point qui se déplace continuellement au loin. Ce balayage optique met en lumière certaines zones de littoraux, de montagnes et de forêts tandis que d’autres disparaissent. Cette visibilité restreinte amplifie la dimension onirique de l’œuvre tout en examinant les phénomènes de la perception visuelle. Le dense environnement sonore, spatialisé sur plusieurs enceintes acoustiques, vient soutenir cette vision panoramique brouillée d’un monde naturel en transformation. 

This monumental, poetic work transports us into nebulous environments where fragments of landscapes are revealed and dissipated. Evanescent silhouettes emerge from the blur, noise and artifacts that make up the visual and sonic horizon.

The large projection of Fleeting Surfaces presents precisely digitized spaces that are rendered with a very shallow depth of field and a focus that moves continuously into the distance. This optical scanning highlights certain areas of coastline, mountains and forests, while others disappear. This restricted visibility amplifies the dreamlike dimension of the work, while at the same time examining the phenomena of visual perception. The dense sound environment, spatialized on several loudspeakers, supports this scrambled panoramic vision of a natural world in transformation.

Biographie

François Quévillon développe une pratique interdisciplinaire qui s’articule à travers les arts visuels, médiatiques et numériques. Établi à Montréal, il travaille régulièrement dans le cadre de résidences au cours desquelles il rencontre les communautés et effectue des études sur le terrain. Ses œuvres ont été présentées à travers le monde lors d’expositions et d’événements dans les milieux de l’art actuel, du cinéma et de la création numérique. 

 Le travail de François Quévillon aborde les bouleversements planétaires et ceux des représentations contemporaines en explorant les interactions de problématiques environnementales, d’enjeux de société et de développements technologiques. Ses dispositifs sondent les phénomènes du monde et de la perception par la mise en œuvre de processus sensibles aux conditions variables de l’environnement et à l’interférence humaine.

François Quévillon develops an interdisciplinary practice that is articulated through visual, media and digital arts. Based in Montreal, he mainly participates in creative residencies during which he meets communities and carries out field studies. He has been featured around the world in exhibitions and events connected to contemporary art, cinema and digital creation.

His artistic practice addresses planetary disruptions as well as those affecting contemporary media, by exploring the interactions between environmental changes, societal issues and technological developments. Through the implementation of processes that are sensitive to environmental fluctuations and human interference, his work sheds a light on world phenomena and is deeply rooted in perception.

Crédits

Conception et réalisation : François Quévillon

La première itération de Surfaces fuyantes a été réalisée dans le cadre d’un partenariat entre le Conseil des arts et des lettres du Québec et la Place des Arts. L’artiste les remercie pour leur soutien.

Concept, visuals and sound : François Quévillon  

The first version of Fleeting Surfaces was made in the context of a partnership between Place des Arts and the Conseil des arts et des lettres du Québec. The artist thanks them for their support.

 

Photos : François Quévillon

Cinoche

Cinoche

Programmation 2024
Expositions

Origine: Divers

À partir de 5 ans

présenté en collaboration avec le festival de cinéma en famille de québec la bibliothèque de québec

Lieux

Sous-sol – Musée de la civilisation
+ Bibliothèques de Québec*

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture – Musée de la civilisation

Du 1er février au 11 février

Mardi au dimanche : 10h à 17h

CINOCHE célèbre la joie sous toutes ses formes, offrant un refuge pour les esprits jeunes et les âmes averties, à partir de 5 ans. Chacun des huit courts métrages d’animation de cette collection unique raconte une histoire captivante, mettant de l’avant la capacité de la joie à illuminer même les jours les plus sombres. Trois-quart d’heure de bonheur qui provient d’Allemagne, France, Belgique, Suisse, République tchèque et Québec. 

*Horaire des représentations dans les bibliothèques participantes :

Bibliothèque Félix-Leclerc
3 février – 10h30 et 14h
4 février 10h30 et 14h

Bibliothèque Paul-Aimé-Paiement
4 février 13 h 30
10 février 10 h 30

Bibliothèque Étienne-Parent
10 février 10 h 30

Bibliothèque Monique-Corriveau
3 février 14 h 00
4 février 14 h 00
10 février 10 h30 et 14h

Courts-métrages présentés
ANT – Julia Ocker (Allemagne, 2017)

Les fourmis travaillent ensemble en parfaite harmonie. Mais l’une d’elle n’en fait qu’à sa tête et ne fait rien comme les autres.

Va-t’en, Alfred ! – Célia Tisserant, Arnaud Demuynck (France-Belgique, 2023)

Alfred a dû fuir son pays à cause de la guerre. Sans logement, il erre, de refus en refus. Un jour il rencontre Sonia, qui lui propose un café…

Étourdis étourneaux – Mélody BOULISSIERE (France, 2023)

Les étourneaux ne sont que des têtes de linotte… mais dans le ciel, tout est différent !

L’Oie du plus fort – Jan Míka (République tchèque, 2023)

Un jeune garçon rêve de devenir joueur de soccer professionnel et de jouer dans les plus grands stades, mais pour cela, il doit d’abord gagner un match dans une petite cour, contre une oie.

Cat – Julia Ocker (Allemagne, 2022)

Le chat prépare une recette particulièrement délicieuse : la soupe de souris !

Sur mesure – Léa Cousty, Chloé Astier, Raphaël Guez, Mélanie Fourgeaud, Hugo Bourriez, Victoire Le Dourner (France, 2018)

Seul humain d’un monde d’animaux, un simple couturier va travailler pour la première fois dans un célèbre atelier de Haute-Couture. Au lieu de faire ce qu’on lui a demandé, il se coud un costume patchwork de plusieurs parties animales pour imiter ses collègues et cacher sa différence.

Kiko et les animaux – Yawen Zheng (France-Suisse, 2020)

Un petit garçon vit entouré d’animaux qu’il tyrannise tout le temps. Un jour, les animaux se rebellent et lui pose la question suivante : pourquoi nous fais-tu mal ? Nous sommes pareils. Mais le garçon veut prouver qu’il est différent.

Bette – Geneviève Tremblay et Laurence Mongrain (Québec, 2022)

La jeune Bette cultive des fleurs rares qui lui permettent vraiment de voir la vie d’un nouvel œil.

Arrière-salles

Arrière-salles

Programmation 2024
Expositions

Origine: Montréal

Installation numérique et performative

Artistes

Baron Lanteigne

une oeuvre présentée en collaboration avec le lieu

Lieu

Le Lieu, centre en art actuel
345 Rue du Pont
Québec, QC G1K 6M4

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er février au 11 février
jeudi au lundi 12h-17h

Performance le 2 février à 20h

Description
Arrière-salles est un laboratoire de création collaboratif et évolutif réunissant 5 artistes en arts vivants et numériques s’intéressant aux langages esthétiques des flux en ligne. Pendant l’exposition, les artistes seront réuni.e.s pour créer des performances en dialogue avec une installation écranique.
 
Au théâtre, les coulisses sont des espaces cachés aux spectateurs qui rendent possible l’enchaînement des tableaux d’un spectacle. Dans la culture Internet, les arrière-salles (backrooms) représentent l’équivalent numérique des coulisses. Ces espaces liminaux sont considérés comme des dimensions parallèles et interconnectées, dont découle un langage décrivant notre monde grâce à des références obscures (memes), trahissant une déconnexion du réel.
 
Pour Baron Lanteigne, ce laboratoire de création est né d’un désir de s’initier à la performance et de rapprocher cette nouvelle discipline à sa pratique virtuelle pour rendre plus ludique et vivante une démarche numérique qui lui apparaît trop rigide. En ce sens, le travail in situ permet une inter-influence entre son travail et celui des collaborateur.rice.s invité.e.s.
Arrière-salles is a collaborative, evolving creative laboratory bringing together 5 living arts and digital arts artists interested in the aesthetic languages of online streams. During the exhibition, the artists will come together to create performances in dialogue with a screen installation.
 
In theatre, backstage areas are spaces hidden from the audience that make it possible for the scenes in a show to follow one another. In Internet culture, backrooms are the digital equivalent of those backstage areas. These liminal spaces are seen as parallel interconnected dimensions, from which derives a language that describes our world through obscure references (memes), betraying a disconnection from reality.
 
For Baron Lanteigne, this creative laboratory is the occasion to familiarize himself with performance art and to adapt this discipline to his virtual practice. This opportunity emerged out of a desire to inject gesture and spontaneity in the digital medium that otherwise seemed too stiff to him. In this sense, working in situ enables an inter-influence between his work and that of guest collaborators. 
Biographie

Baron Lanteigne détourne les technologies numériques afin de révéler leur matérialité et leur potentiel. Les traces qui découlent de cette recherche prennent la forme de portails d’écrans sculpturaux s’ouvrant en unisson sur des mondes virtuels interconnectés. L’essence même de son travail est une émergence significative de ses nombreuses collaborations et imprégnations au sein de multiples communautés issues d’Internet.

Sa démarche fait partie intégrante de collections et d’événements émanant en ligne tels que The Wrong Biennale, Real-fake.org, Electrofringe, SPAMM, Glitch Artist Collective, FeltZine, MoCDA et plusieurs autres. Une pratique créative connectée, présentée à travers le monde, dans des lieux renommés, comme le Ludwig Museum de Budapest (HU), le Centre Culturel Canadien à Paris (FR), le Centre des Arts d’Enghien-les-Bains (FR), le Gwangju Media Platform (KR), le Kunsmuseum de Bonn (BE), et biens d’autres. Le travail de Baron Lanteigne a été diffusé lors de plusieurs évènements d’arts numérique tels que ISEA 2023, Mapping Festival (CH), Mirage Festival (FR), MUTEK (CA; JP), Dutch Design Week (NL), Sónar+D (ES), CPH:DOX (DK), et la 6ème Biennale internationale d’art numérique par ELEKTRA (CA).

Baron Lanteigne hijacks digital technologies to reveal their materiality and potential. The traces resulting from this research take the form of sculptural screen portals opening in unison onto interconnected virtual worlds. The very essence of his work is a significant emergence from his many collaborations and impregnations within multiple Internet communities.

His work is an integral part of online collections and events such as The Wrong Biennale, Real-fake.org, Electrofringe, SPAMM, Glitch Artist Collective, FeltZine, MoCDA and many others. A connected practice, presented around the world in renowned venues such as the Ludwig Museum in Budapest (HU), the Centre Culturel Canadien in Paris (FR), the Centre des Arts d’Enghien-les-Bains (FR), the Gwangju Media Platform (KR), the Kunsmuseum in Bonn (BE), and many others. Baron Lanteigne’s work has been shown at many digital art events, including ISEA 2023, Mapping Festival (CH), Mirage Festival (FR), MUTEK (CA; JP), Dutch Design Week (NL), Sónar+D (ES), CPH:DOX (DK), and the 6th International Digital Art Biennial by ELEKTRA (CA).

Crédits

Conception : Baron Lanteigne
Laurence Gravel
Jules Leloup Mayrand
Laurence Petitpas
Vincent Thériault

TBA

Photo : Baron-Lanteigne

L’Espace suspendu

L’espace suspendu

Programmation 2024
Expositions

Parcours extérieur

Artistes participant.es :

Carol-Ann Belzil-Normand, Ludovic Boney, Cooke Sasseville, Fanny Mesnard et les hiérarchies horizontales 

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Dates

Du 1er février au 25 février

Vernissage le 2 février

Description

DÉCOUVREZ L’INVISIBLE !

L’Espace suspendu est un parcours d’œuvres flottantes en milieu urbain qui se révèlent à travers la réalité augmentée. Les œuvres invisibles à l’œil nu sont de véritables surprises à découvrir à travers votre appareil intelligent le temps d’une balade dans les environs du quartier St-Roch. Le parcours est pensé et créé dans le but de se réapproprier des espaces qui se sont transformés ces dernières années. Les Productions Recto-Verso vous proposent d’aller à la découverte d’œuvres originales qui forment en quelque sorte un écosystème artistique parallèle au cœur de la basse-ville.

Comment accéder au parcours? Téléchargez l’application et aventurez-vous dans les rues du centre-ville!

Dans le cadre du Mois Multi 2024, une nouvelle oeuvre du parcours sera dévoilée, il s’agit de S’envisager par les hiérarchies horizontales.

L’Espace suspendu is a journey of floating works in the urban environment, revealed through augmented reality. The works, invisible to the naked eye, are real surprises to be discovered through your smart device during a stroll around the St-Roch district. The itinerary is designed and created with the aim of reappropriating spaces that have been transformed in recent years. Productions Recto-Verso invite you to discover original works that form a kind of parallel artistic ecosystem in the heart of the downtown area.

DISCOVER THE INVISIBLE!

How to get there? Download the app and venture into the streets!

Crédits

Production : Les Productions Recto-Verso et ALTKEY
Idéation et direction artistique : Emile Beauchemin et Mélanie Bédard
Graphisme de l’application : Catherine Lemieux
Conception sonore : Millimetrik

TBA

Présentation du Festival International d’Art Vidéo de Casablanca (FIAV), la structure Marocco Numerica, le Festival des Arts Numériques de Rabat et le nouveau Festival des Arts Numériques de Khouribga.

Volet pro

Volet pro 2024
Jour 2
Présentation
9 février 17h à 17h20

Présentation du Festival International d’Art Vidéo de Casablanca (FIAV), la structure Marocco Numerica, le Festival des Arts Numériques de Rabat et le nouveau Festival des Arts Numériques de Khouribga.

TBA

Participant.es
  • Majid Seddati
Remerciements 

Bureau du Québec à Rabat

Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Français avec traduction simultanée en anglais
French with simultaneous translation into English

Description

Le FIAV est un événement pluridisciplinaire de grande envergure devenu un rendez-vous incontournable et une référence nationale et internationale dans le domaine des arts vidéo et numériques. Il rassemble chaque année les fanatiques du renouveau, d’inspiration et surtout du métissage art et nouvelles technologies.

Majid Seddati, directeur artistique et membre fondateur du FIAV viendra présenter le festival en plus de ses nouvelles initiatives : Marocco Numerica, Festival des Arts Numériques de Rabat et le Festival des Arts Numériques de Khouribga.

TBA

Majid Seddati

Majid Seddati est un enseignant, acteur culturel, scénariste et critique de cinéma qui vit et travaille à Casablanca. Il est enseignant d’art vidéo et de cinéma aux Facultés des Lettres de Ben M’sik et d’Ain chok ainsi que directeur artistique et membre fondateur du Festival International d’art vidéo de Casablanca. Il a également été directeur du Festival International des Arts Numériques (Casablanca). Il est membre fondateur de Irisson (Centre des Arts Visuels et nouveaux Médias de Casablanca). Il est membre fondateur du Festival International du Film de l’Etudiant (FIFE). Par ailleurs, il a été conseiller artistique du cycle de formation et de production « Interactions » initié par Attijariwafa bank. Majid a été commissaire de plusieurs expositions d’art vidéo, a encadré plusieurs workshop et séminaires d’art vidéo et de cinéma dans plusieurs universités, écoles, festivals et associations au Maroc et à l’étranger et a participé à différentes manifestations culturelles et artistiques nationales et internationales (France, Espagne, Italie, Egypte, Canada, Suisse, Pays-Bas, Mali, Tunisie, Arabie Saoudite et bien plus). Parallèlement, il a réalisé plusieurs vidéos d’art et a signé plusieurs articles sur l’art et le cinéma.

TBA

La prise de risque comme moteur de création de nouveaux festivals

Volet pro

Volet pro 2024
Jour 1
Table-ronde
8 février 10h à 10h45

La prise de risque comme moteur de création de nouveaux festivals

Risk-taking as a driving force in the creation of new festivals

Participant.es
  • Lé Boucher Trudel, Charlotte Larouche – Festival Genèse (Québec, Canada)
  • Jade Gagnon, Noémie Percy – Festival Casse-Gueule (Québec, Canada)
  • Thomas Tremblay, Delphy Boudreau – Festival L’Écoute (Québec, Canada)
Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Français avec traduction simultanée en anglais
French with simultaneous translation into English

Description

Dans des contextes de resserrement économique et de difficultés à imaginer un futur collectif, qu’est-ce qui pousse à la création de nouveaux festivals? C’est à cette question que tenteront de répondre les représentant.es de trois festivals émergents de la Ville de Québec. Sous l’éclairage de leurs initiatives respectives, nous nous pencherons sur la nécessité d’inventer de nouveaux modèles événementiels égalitaires et inclusifs, sur l’importance qu’occupe l’espace de risque pour ces créateur.trices de festivals et sur la nécessité d’inviter le public à vivre des expériences d’imprévisibilité.

Against a backdrop of economic restraint and the difficulty of envisioning a collective future, what drives the creation of new festivals? This is the question that the representatives of three emerging Quebec City festivals will attempt to answer. Through their respective initiatives, we’ll look at the need to invent new egalitarian and inclusive event models, the importance of risk-taking for these festival creators, and the need to invite audiences to experience unpredictability.

Génèse

Génèse est un festival en art actuel qui a eu lieu pour la première fois en août 2023 à la Charpente des fauves. Plus d’une trentaine d’étudiant.e.s y ont participé. Organisé par les étudiant.e.s en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval, l’événement s’est déroulé sur 3 jours et avait pour but d’offrir un espace de rencontre entre étudiant.e.s, sans imposer d’attentes ou de contraintes au niveau de ce que celleux-ci souhaitaient présenter. Fonctionnant sans comité de sélection, tous celleux qui souhaitaient y participer ont pu s’y inscrire et participer à cette première édition du festival.

Génèse is a contemporary art festival that took place for the first time in August 2023 at the Charpente des fauves. Over thirty students took part in the event. Organized by Université Laval’s visual and media arts students, the event took place over 3 days and was designed to provide a space for students to meet, without imposing any expectations or restrictions in terms of what they wished to present. Operating without a selection committee, all those who wished to take part were able to enter and take part in this first edition of the festival.

L’Écoute

L’Écoute est un événement qui souhaite provoquer des rencontres entre toutes les pratiques sonores. C’est un festival qui vise la présentation et la recherche d’œuvres et d’expérimentations auditives. L’événement a pour but d’offrir un espace d’exploration et de mettre en vitrine la relève et les pratiques émergentes.

L’Écoute is an event that seeks to provoke encounters between all sound practices. The festival focuses on the presentation and research of audio works and experiments. The event’s goal is to provide a space for the exploration and showcasing of emerging practices.

Casse-Gueule

Le festival Casse-Gueule souhaite diffuser des projets mettant de l’avant la prise de risque artistique.

Il a pour but de créer un espace où l’échec était une option. Là est le principal risque: se casser la gueule, vu la nature naissante ou énergumène du projet. Sans renier le fait que la préparation et le peaufinage puissent être porteurs d’une grande créativité, le festival souhaite défendre une démarche spontanée, une créativité qui émerge grâce à l’élan du moment présent, celle dont le plus grand potentiel réside dans l’impulsion, et pas nécessairement dans le rodage.

La préparation n’est pas toujours un gage de qualité: sa réduction n’en est donc pas un de médiocrité.

The Casse-Gueule festival wishes to showcase projects that promote artistic risk-taking.

Its goal is to create a space where failure is an option. That’s where the main risk lies: in failing, given the project’s incipient or energetic nature. Without denying the fact that preparation and fine-tuning can lead to great creativity, the festival wishes to defend a spontaneous approach, a creativity that emerges through the momentum of the present moment, one whose greatest potential lies in the impulse, and not necessarily in running-in.

Preparation is not always a guarantee of quality: reducing it is not a guarantee of mediocrity.

Conditions variables : François Quévillon, entre les dispositifs et les phénomènes

Volet pro

Volet pro 2024
Jour 1
Conférence
8 février 11h à 12h

Conditions variables : François Quévillon, entre les dispositifs et les phénomènes

Variable conditions : François Quévillon, between devices and phenomena. 

Participant.e

François Quévillon (Montréal, Canada)

Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Français avec traduction simultanée en anglais
French with simultaneous translation into English

Description

L’œuvre de François Quévillon se manifeste à travers des expériences sensibles qui traduisent les   « glitches » de notre époque. Minutieusement construites, ses œuvres sont le fruit de recherches pluridisciplinaires étendues. La conférence se veut une occasion d’explorer l’envers du décor de la pratique de l’artiste, une occasion de découvrir son contexte de création, les questions fondatrices et les mécanismes techniques/technologiques qui la définissent. François Quévillon nous guidera à travers plusieurs de ses œuvres iconiques qui, par l’insaisissable puissance de l’image, dialoguent avec le paysage dans sa tradition romantique du sublime et la question critique de la géographie des ressources. Le public est invité à participer activement à la conférence afin que celle-ci deviennent une conversation.

François Quévillon’s work manifests itself through sensitive experiences that reflect the « glitches » of our times. Meticulously constructed, his works are the fruit of extensive pluridisciplinary research. The conference is an opportunity to explore the other side of the artist’s practice, to discover his creative context, the founding questions and the technical/technological mechanisms that define it. François Quévillon will guide us through several of his iconic works which, through the elusive power of image, engage in a dialogue with landscape in its Romantic tradition of the sublime and the critical question of the geography of resources. The audience is invited to take an active part in the lecture, so that it becomes a conversation.

François Quévillon

François Quévillon développe une pratique interdisciplinaire qui s’articule à travers les arts visuels, médiatiques et numériques. Établi à Montréal, il travaille régulièrement dans le cadre de résidences au cours desquelles il rencontre les communautés et effectue des études sur le terrain. Ses œuvres ont été présentées à travers le monde lors d’expositions et d’événements dans les milieux de l’art actuel, du cinéma et de la création numérique.

Le travail de François Quévillon aborde les bouleversements planétaires et ceux des représentations contemporaines en explorant les interactions de problématiques environnementales, d’enjeux de société et des développements technologiques. Ses dispositifs sondent les phénomènes du monde et de la perception par la mise en œuvre de processus sensibles aux conditions variables de l’environnement et à l’interférence humaine.

François Quévillon develops an interdisciplinary practice that is articulated through visual, media and digital arts. Based in Montreal, he mainly works in residencies during which he meets communities and carries out field studies. He has been featured around the world at exhibitions and events connected to contemporary art, cinema and digital creation. His artistic practice addresses planetary disruptions as well as those affecting contemporary media by exploring the interactions of environmental changes, societal issues and technological developments. His works probes the phenomena of the world and perception through the implementation of processes that are sensitive to environmental fluctuations and human interference.

Inventer l’exposition en réalité virtuelle : de l’idéation à la diffusion

Volet pro

Volet pro 2024
Jour 1
Table-ronde
8 février 13h à 14h

Inventer l’exposition en réalité virtuelle : de l’idéation à la diffusion

Inventing the virtual reality exhibition: from ideation to diffusion

Participant.es
  • Aurélie Besson – Molior (Montréal, Canada)
  • Éric Desmarais – Sporobole (Sherbrooke, Canada)
  • Mathieu Troussel – Achiv VR (Montréal, Canada)
Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Français avec traduction simultanée en anglais
French with simultaneous translation into English

Description

La numérisation de nos rapports au monde provoque des mutations profondes dans la manière dont nous faisons l’expérience de l’art. Parmi les outils disponibles pour inventer de nouvelles approches, la réalité virtuelle offre une opportunité extraordinaire d’explorer l’imagination et aussi une nouvelle manière d’envisager l’expérience de l’exposition. Toutefois l’outil n’est pas aussi accessible qu’envisagé et les savoirs faire numériques représentent un obstacle pour le milieu de la culture.

De l’idéation à la création, des licences à la conceptualisation des espaces à investir (espace virtuel mais aussi espace physique) pour l’expérience, la table-ronde se penchera sur les défis d’inventer une exposition en réalité virtuelle et sera l’occasion d’ouvrir des réflexions sur les enjeux de financements, les modes de fonctionnements des équipes de programmeurs et ceux des productions artistiques, tout en cherchant à trouver des solutions pour intégrer ces expertises numériques aux écosystèmes culturels.

The digitization of our relationship with the world is bringing profound changes in the way we experience art. Among the tools available to invent new approaches, virtual reality offers an extraordinary opportunity to explore the imagination and provides a new way of looking at the exhibition experience. However, the technology is not as accessible as we might have hoped, and the digital expertise represents an obstacle in the cultural world. From ideation to creation, from licensing to the conceptualization of the spaces to be invested (virtual space but also physical space) for the experience, the round-table discussion will look at the challenges of inventing a virtual reality exhibition, and will provide an opportunity to reflect on the issues of funding, the operating methods of programming teams and those of artistic productions, while seeking to find solutions for integrating this digital expertise into cultural ecosystems.

Biographies

Aurélie Besson

Aurélie Besson est directrice générale et artistique de Molior depuis 2016. Elle y a développé des projets collaboratifs en Chine, au Brésil, au Mexique, en France, en Slovaquie, en République tchèque, en Hongrie, en Pologne, en Suisse et au Canada. Depuis plus de 15 ans, elle dirige et élabore des projets interdisciplinaires en art, sciences et technologies, tour à tour en tant que chercheure, commissaire, directrice artistique ou gestionnaire. En 2023, elle a obtenu un doctorat en Études et pratiques des arts à l’Université du Québec à Montréal, codirigée par Louise Poissant et Victor Frak. Sa recherche s’est développée selon une approche transdisciplinaire en explorant les concepts d’énaction et des sens du mouvement dans l’expérience d’œuvres praticables. Elle a organisé une dizaine de conférences et a été impliquée dans plusieurs groupes de recherche avec des universités montréalaises. Elle a également coordonné la réalisation de l’ouvrage Lumières de la ville (PUQ), dirigé par Louise Poissant, et a publié plusieurs articles sur les arts numériques dans des livres, des blogues et des magazines. Aurélie est régulièrement invitée à des conférences et siège à de nombreux comités et jurys qui reconnaissent son expertise. Entre 2007 et 2010, elle a dirigé des projets et événements européens collaboratifs en art et technologies à Prague. Elle est titulaire d’une Maîtrise en communication (Université Lyon 2 ; Universiteit Utrecht) et d’un Master en développement culturel et direction de projet (Université Lyon 2). Elle enseigne le cours Arts et technologies: fondements et enjeux à l’Université de Sherbrooke.   

Aurélie Besson has been general and artistic director of Molior since 2016. She has developed collaborative projects in China, Brazil, Mexico, France, Slovakia, Czech Republic, Hungary, Poland, Switzerland and Canada. For over 15 years, she has directed and developed interdisciplinary projects in art, science and technology, in turn as researcher, curator, artistic director or manager. In 2023, she completed a PhD in Arts Studies and Practices at the Université du Québec à Montréal, co-directed by Louise Poissant and Victor Frak. Her research took a transdisciplinary approach, exploring the concepts of enaction and the senses of movement in the experience of practicable works. She has organized a dozen conferences and been involved in several research groups with Montreal universities. She also coordinated the production of Lumières de la ville (PUQ), edited by Louise Poissant, and has published several articles on digital arts in books, blogs and magazines. Aurélie is a regular guest speaker at conferences and sits on numerous committees and juries that recognize her expertise.

Éric Desmarais

Depuis 2010, Éric Desmarais est directeur général de Sporobole, un centre d’artistes situé à Sherbrooke au Québec. Fondé en 1973, le centre est aujourd’hui spécialisé en création technologique et accompagne les artistes à toutes les étapes de leurs processus de création grâce à plusieurs programmes de résidences de recherche, de production et de diffusion. Sporobole lance en 2014 le programme Interface : art science qui réunit des artistes et des chercheurs pour des résidences de recherche et de cocréation de longue durée. Le programme a ainsi permis des collaborations intersectorielles entre arts et intelligence artificielle, génie mécanique, biotechnologie, astrophysique, géomatique et physique quantique. Sporobole se dote en 2018 d’une nouvelle division (0/1, un hub numérique) qui offre des services de développement numérique pour les artistes et les organismes culturels du Québec. Éric Desmarais a été président du Conseil québécois des arts médiatiques (CQAM), où il a siégé de 2010 à 2021. Il est l’un des artisans de la fondation du REPAIRE (Regroupement de pairs des arts indépendants, de recherche et d’expérimentation), né en 2021 de la fusion du CQAM et du RAIQ, qui rassemble des artistes, des organismes, des travailleurs culturels et des chercheurs de toutes les disciplines, et travaille à mettre en lumière l’importance de l’indépendance et de l’expérimentation artistique dans la vitalité des écosystèmes créatifs. 

Since 2010, Éric Desmarais has been General Manager of Sporobole, an artist-run center located in Sherbrooke, Quebec. Founded in 1973, the center now specializes in technological creation, supporting artists at every stage of their creative process through several research, production and distribution residency programs. In 2014, Sporobole launched the Interface: art science program, which brings together artists and researchers for long-term research and co-creation residencies. The program has enabled cross-sector collaborations between the arts and artificial intelligence, mechanical engineering, biotechnology, astrophysics, geomatics and quantum physics. In 2018, Sporobole added a new division (0/1, a digital hub) offering digital development services for Quebec artists and cultural organizations. Éric Desmarais is a former president of the Conseil québécois des arts médiatiques (CQAM), where he served from 2010 to 2021. He was one of the founders of REPAIRE (Regroupement de pairs des arts indépendants, de recherche et d’expérimentation), created in 2021 from the merger of CQAM and RAIQ, which brings together artists, organizations, cultural workers and researchers from all disciplines, and works to highlight the importance of independence and artistic experimentation in the vitality of creative ecosystems.

Mathieu Troussel

Mathieu Troussel est un créateur qui brille par son expertise variée. Son parcours académique, de l’estimation en génie civil au design et la scénographie, a établi les bases d’une carrière polyvalente. Fort d’une expérience en tant que designer scénographe, il a perfectionné ses compétences en gestion de projets et planification financière pour des projets culturels variés. En tant que cofondateur de l’entreprise Archiv VR, il a fusionné sa passion pour le design avec une vision moderne pour la préservation du patrimoine via la réalité virtuelle. Mathieu possède une grande compétence dans la création et la gestion de projets numériques immersifs, notamment dans les domaines culturels, touristiques, patrimoniaux et muséaux. 

Ses points forts résident dans sa capacité à analyser les problèmes, à accueillir de nouvelles idées et à collaborer efficacement. Son attention aux détails et son empathie naturelle guident son approche dans la gestion d’équipes et de projets. Mathieu s’engage à explorer des solutions innovantes tout en maintenant une approche pragmatique avec son milieu.

Mathieu Troussel is a creator whose expertise shines through. His academic background, from civil engineering estimating to design and scenography, has laid the foundations for a versatile career. With experience as a scenographic designer, he has honed his skills in project management and financial planning for a variety of cultural projects. As co-founder of Archiv VR, he fused his passion for design with a modern vision for heritage preservation through virtual reality. Mathieu is highly skilled in the creation and management of immersive digital projects, particularly in the fields of culture, tourism, heritage and museums.

His strengths lie in his ability to analyze problems, embrace new ideas and collaborate effectively. His attention to detail and natural empathy guide his approach to managing teams and projects. Mathieu is committed to exploring innovative solutions while maintaining a pragmatic approach to his environment.