Choix du prix 0FFTA 2025

Dans MÆ – Motion Aftereffect, Freya Björg Olafson questionne et aborde avec humour les technologies émergentes associées à la réalité étendue. À travers différents tableaux inspirés de consommateur·ices de jeux vidéo, de pornographie et de psychédéliques en réalité virtuelle, nous entrons dans un monde où les outils numériques permettent d’élargir la perception individuelle de la réalité, du temps et de l’espace. À la fois stand-up, chorégraphie et modélisation 3D, MÆ – Motion Aftereffect est une performance unique qui nous promet autant de fous rires que de réflexions.

MÆ – Motion Aftereffect aborde les implications perceptuelles et incarnées des technologies grand public émergentes associées à la réalité étendue (XR). L’œuvre présente des données de capture de mouvement (trouvées en ligne et générées de manière unique), des modèles 3D prêts à l’emploi et personnalisés, ainsi que divers monologues provenant d’Internet. Les monologues présentent des récits à la première personne sur les jeux vidéo en réalité virtuelle, la pornographie en réalité virtuelle, les explorations psychédéliques, les expériences extracorporelles, ainsi que des tutoriels sur la projection astrale et la personnalisation d’avatars 3D. Ces monologues volontairement diversifiés placent les technologies virtuelles au même niveau que les méthodes analogiques telles que les psychédéliques et les explorations métaphysiques en tant qu’outils permettant d’élargir la perception individuelle de la réalité, du temps et de l’espace. L’œuvre fait référence à des approches historiques et contemporaines de la médiation du corps, des expériences scéniques du Bauhaus d’Oskar Schlemmer et du Lettuce Manifesto d’Al Hansen à l’époque Fluxus, aux premiers jeux vidéo artistiques de Brody Condon (Adam Killer, 1999) et aux provocations spéculatives du Manifesto for Augmented Reality Art de Manifest.AR en 2011. Ces manifestes, textes et œuvres d’art offrent un aperçu de la reproduction, du transfert et de la traduction numériques des mouvements humains à l’écran ou sur scène.

MÆ – Motion Aftereffect addresses the perceptual and embodied implications of emerging consumer technologies associated with XR – Extended Reality. The work features motion-capture data (both found online and uniquely generated), ready-made and custom 3D models, alongside varied internet-sourced monologues. The monologues feature first-person accounts of VR gameplay, VR pornography, psychedelic drug explorations, out-of-body experiences, alongside how-to tutorials for both astral projection customizing 3D avatars. These intentionally diverse monologues situate virtual technologies alongside analog methods like psychedelics and metaphysical explorations, as tools to expand individual perceptions of reality, time, and space. The work references historical and contemporary approaches to the mediation of the body, from Oskar Schlemmer’s Bauhaus stage experiments and Al Hansen’s Fluxus-era “Lettuce Manifesto” to Brody Condon’s early video game art (“Adam Killer”, 1999) and the speculative provocations of Manifest.AR’s 2011 “Manifesto for Augmented Reality Art”. These manifestos, texts, and artworks offer insight into the digital replication, transference, and translation of human movement to screen(s) and/or stage.

The Last Minutes Before Mars combine la réalité virtuelle, la performance en direct et met en scène un groupe de jeunes locaux qui se posent une question profonde : quelles sont les conditions nécessaires et suffisantes pour produire une belle journée parfaitement ordinaire?

Nous regardons avec nostalgie ce petit point rouge dans le ciel nocturne et rêvons bêtement de tout recommencer, comme si nos difficultés quotidiennes sur terre pouvaient être plus facilement résolues à -65 °C et à l’aide de fortes doses de rayonnement cosmique. The Last Minutes Before Mars vous invite dans l’univers d’un groupe de jeunes – peut-être la dernière génération – pour rencontrer leur famille, leurs ami·es et passer du temps dans les espaces précieux de leur vie. Cela plante le décor de votre rencontre avec les autres inconnu·es présent·es dans la salle, dans une expérience collective, explorant le fait que, quoi qu’il nous arrive, nous vivons nos vies différentes toutes sur le même chemin, vers la même destination ; aujourd’hui, il y a des centaines de milliers d’années, et au-delà, dans un avenir trop terrifiant et trop beau pour être imaginé.

The Last Minutes Before Mars est directement lié à la détérioration bien documentée de la santé mentale des jeunes, attribuée à l’incertitude liée au changement climatique, aux réseaux sociaux, à la montée des tensions mondiales et aux défis économiques – exactement les conditions qui poussent les gens à fantasmer à propos d’un déménagement sur Mars.

Ce projet est rendu possible grâce au soutien de la Ville de Quévec et de la Caisse d’économie solidaire Desjardins.

THE LAST MINUTES BEFORE MARS combines 360° video and live performance, features a group of local young people, and asks the deep question: what are the necessary and sufficient conditions needed to produce a beautiful, perfectly ordinary day. We look longingly into the night sky at that small red dot and foolishly dream of beginning again, as if our daily struggles on Earth will be more easily resolved at -65° and with the help of high doses of cosmic radiation.

THE LAST MINUTES BEFORE MARS invites you into the world of a group of young people — the last generation, perhaps — to meet their family, their friends and spend time in the precious spaces of their lives. This sets the scene for your encounter with the other strangers in the room, in a collective experience, exploring the fact that, no matter what happens to us, we live our different lives all on the same journey, toward the same destination; now, hundreds of thousands of years ago, and beyond, in a future too terrifyingly lovely to imagine.

THE LAST MINUTES BEFORE MARS ties directly to the well-documented deterioration of young people’s mental health attributed to climate change uncertainty, social media, rising world tensions, and economic challenges – exactly the conditions that are pushing people to fantasize about moving to Mars. The Last Minutes Before Mars invites the youth and the audience to settle down and focus for just a few minutes on what exactly is at stake.

Étoile montante de la scène canadienne et rockstar littéraire, Xénia Gould nous dévoile ses nouvelles expériences poétiques sur scène. JUSTE VIDE TON CŒUR est une performance intime créée avec la complicité de la metteuse en scène Angela Konrad. De façon décomplexée et déjantée, Xénia, artiste associée à l’USINE C, examine la condition humaine, quelque part entre le slam, le théâtre, le journal intime, la drag et la confession. Devant nous, Xénia vide son cœur et nous invite à vivre ce voyage avec elle, sans détour.

Ancrée dans une absurdité complexe, Xénia nous accroche à sa mitraillette, sa langue. Elle déploie son dialecte acadien, le chiac, restant fidèle à ses racines. Toujours en mouvance, ses relations à son corps, à ses désirs et au concept de home tapissent son regard sur le monde. Elle est connue pour ses vives qualités de performeuse, et sa capacité de remettre en question la structure du monde est toujours doublée de moments de sensualité authentiques et de travail de personnages. Après la mort de sa tante et de sa grand-mère, Xénia Gould cherche à savoir si « ctes femmes là m’aimeraient still sans ma barbe. » C’est après son déménagement à Montréal, sa transition et en plongeant dans ses souvenirs que Xénia cherche à voir si ces femmes défuntes pourront l’aider à transcender sa propre peur de la mort et de l’abandon.

A rising star on the Canadian scene and literary rock star, Xénia Gould unveils her new poetic experiences on stage. JUSTE VIDE TON CŒUR is an intimate performance created in collaboration with director Angela Konrad. In an uninhibited and offbeat way, Xénia, an artist associated with USINE C, examines the human condition, somewhere between slam poetry, theater, diary, drag, and confession. Before us, Xénia pours out her heart and invites us to experience this journey with her, without detours.

Anchored in a complex absurdity, Xénia hooks us with her machine gun tongue. She deploys her Acadian dialect, Chiac, remaining faithful to her roots. Always in flux, her relationship with her body, her desires, and the concept of home shape her view of the world. She is known for her lively performance skills, and her ability to question the structure of the world is always coupled with moments of authentic sensuality and character work. After the death of her aunt and grandmother, Xénia Gould wonders if “those women would still love me without my beard.” It is after moving to Montreal, transitioning, and delving into her memories that Xénia seeks to see if these deceased women can help her transcend her own fear of death and abandonment.

« La poète et performeuse Catherine Lalonde ouvre grand la bouche et avale tout, du premier mot à la dernière phrase, de Jeux de brume (1991) à Trous (2024). Des microbulles de salive s’échappent, un écho s’ajoute au souffle, et la langue – expansible, extinguible – claque. À la fois banquet d’écriture, mise à nu et mise à feu, Relire relier délivre les heures de l’écriture en un acte de parole attablé. La voix et la bouche élastiques se font le témoin du papier: carnets de poèmes, contrats d’édition, dessins et tapuscrits, la somme gît pêle-mêle sur un plan de travail à l’ombre des pages tournées. L’autrice note les allers et venues des convives, elle leur verse le thé, puis retire peut-être ses souliers, ses chaussettes : le cœur bat librement. La gestuelle naturelle contamine les mains, les doigts, parfois les pieds. Le mot devient la seule unité de mesure; matière promise à un tel exploit ». Annie Lafleur

Relire relier a été créé en 2016, à la Galerie Leonard et Bina Ellen de l’université Concordia, à l’invitation de Sophie Bélair-Clément et de Marie Claire Forté et dans le cadre de leur exposition I’d rather something ambiguous. Mais précis à la fois.

 »Poet and performer Catherine Lalonde opens her mouth wide and swallows everything, from the first word to the last sentence, from Jeux de brume (1991) to Trous (2024). Microbubbles of saliva escape, an echo is added to the breath, and the tongue—expandable, extinguishable—clicks. At once a banquet of writing, laid bare and set ablaze, Relire relier delivers the hours of writing in an act of speech at the table. The elastic voice and mouth bear witness to the paper: notebooks of poems, publishing contracts, drawings, and typescripts, the sum lies jumbled on a work surface in the shadow of turned pages. The author notes the comings and goings of the guests, pours them tea, then perhaps removes her shoes and socks: her heart beats freely. Natural gestures infect her hands, fingers, and sometimes feet. Words become the only unit of measurement; material destined for such a feat. » Annie Lafleur

L’existence sans visage de la vie sur Internet trouve sa voix dans ce nouvel opéra passionnant des compositeur·rices primé·es Matilde Böcher et Asger Kudahl.

LOL – Laughing Out Lonely a été écrit pour le célèbre contre-ténor Morten Grove Frandsen, qui impressionne par son interprétation d’une multitude de marginaux dans un univers profondément dramatique, qui emmène le public dans les recoins les plus sombres d’Internet, où personnages misogynes, autodestructeurs, racistes et autres êtres marginaux ont trouvé une communauté absurde en ligne. Avec sa voix extraordinaire, Frandsen interprète la vie de la fille au « visage affreusement laid », qui se mutile pour oublier sa douleur, ou celle du garçon honteux, « l’agneau », qui rêve d’être abattu. Les paroles en anglais, basées sur des publications réelles de jeunes sur les réseaux sociaux, proposent un miroir à la fois sombre et stimulant de notre ère numérique. Le spectacle est mis en scène comme une chambre d’écho théâtrale, où le public fait partie du décor et se retrouve entouré de haut-parleurs et de selfie lights.

LOL est produit par la compagnie danoise novatrice OPE-N, qui combine les possibilités expressives de l’opéra avec le théâtre physique. Il en résulte des spectacles innovants, accessibles à un large public, qui apportent en même temps un renouveau significatif au genre opératique.

LOL – Laughing Out Lonely is written for the acclaimed countertenor Morten Grove Frandsen, who amazes with the embodiment of a myriad of outsiders in a thoroughly dramatic universe, that takes the audience into the darkest corners of the Internet, where misogynists, self-harmers, racists, and other marginalized existences have found an absurd community. With his extraordinary voice, Frandsen interprets the life of the girl with ‘The Fucking Ugly Face’, who cuts herself to forget her pain or the shameful boy ‘The Lamb’ who dreams of being slaughtered. The English lyrics are based on posts from young people on social media, and the performance is a gloomy and thought-provoking mirror of our digital age. It is staged as a theatrical echo chamber, where the audience is part of the setting and surrounded by loudspeakers and selfie lights.

LOL is a universal and global portrait of loneliness with a worldwide relevance. The objective of the piece is to address a young and new audience, with a direct and unpretentious approach, which is unusual for the opera genre.

LOL is produced by the ground-breaking Danish company OPE-N, which combines the expressive possibilities of opera with physical theatre. The results of this are innovative performances that are accessible to a wide audience and at the same time brings a significant renewal to the operatic genre.

…singing from hell through heaven… est une exploration expérimentale et performative de la voix en tant qu’instrument vivant de transformation.

Ici, la voix devient une force génératrice – viscérale, étendue et imprévisible – entremêlée à des sons électroniques pour révéler de nouveaux terrains d’expression.

Grâce à une approche minimaliste du traitement numérique, elle se dévoile comme un matériau flexible, capable de passer d’une tonalité à l’autre, d’une langue à l’autre et d’un paysage émotionnel à l’autre.

Adelaida tisse un monde électro-acoustique où la voix oscille entre intimité et immensité, matière et mythe, présence et écho, traçant les contours de ce que signifie chanter au-delà du corps.

…singing from hell through heaven… is an experimental and performative exploration of the voice as a living instrument of transformation. Here, the voice becomes a generative force—visceral, expansive, and unpredictable—entwined with electronic sound to reveal new terrains of expression. Through a minimalist approach to digital processing, it unfolds as a flexible material, capable of shifting across tonalities, languages, and emotional landscapes. Adelaida weaves an electroacoustic world where the voice moves between intimacy and vastness, matter and myth, presence and echo—tracing the contours of what it means to sing beyond the body.

Autour d’une grande table, un groupe d’artistes s’applique à réécrire Le Procès. Iels se réapproprient ses mots, en déplient les possibilités, altérant la substance du texte en s’y projetant. Chaque fragment est lu, partagé, exhibé. Par ce labeur commun, incessant, les performeuses et les performeurs produisent une nouvelle œuvre, collective et plus près de nous.

Plongé dans le silence des écritures, le tracé des mots et l’écho des voix qui s’enchevêtrent, le public mêle sa propre expérience du monde, de l’art et du désir à celui de l’écrivain Kafka, transformée et décuplée sous la plume des artistes rassemblé·es. Cette installation-performance présentée en continu pendant 5 jours est une vibrante et malicieuse déclaration d’amour à la littérature. En s’emparant de son potentiel de réactivation perpétuelle, le groupe interdisciplinaire PME-ART ainsi que le Bureau de l’APA célèbre le pouvoir créateur de la lecture.

Seated around a large table, a group of artists are busy rewriting The Trial. They reclaim its words, unfold its possibilities, altering the substance of the text by projecting themselves into it. Each fragment is read, shared, exhibited. Through this relentless collective effort, the performers produce a new work, one that is collective and closer to us.

Immersed in the silence of the writing, the flow of words and the echo of intertwining voices, the audience blends its own experience of the world, art, and desire with that of the writer Kafka, transformed and amplified by the pens of the assembled artists. This installation-performance, presented continuously for five days, is a vibrant and mischievous declaration of love for literature. By harnessing its potential for perpetual reactivation, the interdisciplinary group PME-ART and the APA Office celebrate the creative power of reading.

Comment faire la marguerite? Pour répondre à cette question, la famille de L’eau du bain, vêtue d’imperméables colorés, pilote une étrange cérémonie sous un ciel inquiétant. De rendre hommage à une arrière-grande tante décédée? D’humidifier des pots, pour y faire prospérer des semis? Invité à prendre part à la réflexion, le public se retrouve au cœur d’un événement qui, bien que planifié, ne se déroule pas tout à fait comme prévu. Cette performance laboratoire est une invitation franche à ralentir et à prêter oreille à l’intime mélodie des choses.

How to create the daisy? To answer this question, the family of L’eau du bain, dressed in colorful raincoats, leads a strange ceremony under an ominous sky. To pay tribute to a deceased great-great-aunt? To moisten pots, to make seedlings thrive? Invited to take part in the reflection, the audience finds itself at the heart of an event that, although planned, does not quite unfold as expected. This laboratory performance is a frank invitation to slow down and listen to the intimate melody of things.