Gravitational Bodies

Expositions

Origine : Québec

Genre : Exposition rétrospective

Artiste

Sabrina Ratté

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC, G1K 3P9

Gratuit !

Dates

13 au 23 février

Vernissage 13 février 17h

Dimanche au mercredi
11h à 18h

Jeudi au samedi
12h à 20h

Description

L’exposition Éthéréalité établit des connexions entre les œuvres récentes de Sabrina Ratté qui explorent la convergence entre technologie et biologie, l’interaction entre matérialité, virtualité et spiritualité, et l’évolution spéculative de notre environnement. Dans ce contexte, Objets-monde (2022), Terraforma (2022), Inflorescences (2023), Plane of Incidence (2024) et Cyberdelia (2024) examinent les complexités du concept d’Anthropocène sous divers angles. Éthéréalité dépeint un monde où des vestiges oubliés continuent d’évoluer et de forger de nouvelles relations avec l’écosystème. À travers une fusion de perspectives esthétiques, poétiques et philosophiques, son œuvre met en avant l’intuition, la réflexion et la connexion sensible comme moyens d’aborder ces enjeux.

Œuvres exposées

Objets-Monde (2022)

Installation interactive

Objets-Monde explore l’impact de l’activité humaine sur l’environnement en intégrant des vestiges technologiques abandonnés dans des paysages virtuels. Grâce à la photogrammétrie, des carcasses de voitures et des écrans d’ordinateur sont transformés en répliques numériques, puis recontextualisés dans des vidéos où leur échelle démesurée évoque des architectures monumentales. Ces fragments, suspendus dans des paysages distants et lumineux, évoque une tension entre apocalyptique et nostalgique, valeur et déchet, nature idéalisée et empreinte humaine durable. Inspirée du concept d’« objets-monde » de Michel Serres, l’œuvre souligne le passage des impacts humains de l’échelle locale à globale, invitant le visiteur à interagir autour de ces vestiges d’un monde recomposé.

Inflorescences (2023)

Installation

Inflorescences imagine un futur hypothétique où plantes, champignons et créatures inconnues mutent pour coexister avec des déchets électroniques, transformant des rebuts inertes en sources de nouvelles relations écologiques. L’installation explore l’idée d’un monde sans humains, façonné par les vestiges de leur activité. Les vidéos présentent des organismes hybrides et imprévisibles, aux formes évoquant des mutations florales ou fongiques, émergeant des textures et matériaux des objets abandonnés. Ces visions dialoguent avec quatre sculptures réalisées à partir de déchets électroniques qui ont été scannés pour la vidéo, intégrant écrans et lumières qui évoquent les entités imaginées. Inflorescences propose une réflexion sur l’évolution des écosystèmes à l’ère de l’Anthropocène, où le vivant et le non-vivant s’hybrident pour redéfinir le futur.

Terraforma (2022)

Installation multimédia

Terraforma est une installation multimédia qui interroge diverses notions de temporalité et de spatialité, telles que l’ubiquité, la relativité, les continents imaginaires, ainsi que les interactions entre les réalités virtuelle et physique. Issue d’un projet immersif réunissant 12 vidéos interactives, la sculpture exposée prend la forme d’une topographie imprimée en 3D, conçue à partir de données satellites. Cette structure est enrichie par un mapping vidéo, créant une expérience où le numérique et le tangible se rencontrent.

Monades (2020)

Impressions

Monades s’inscrit dans la recherche de l’artiste autour de la photogrammétrie, technique qui permet de numériser des éléments du réel pour les intégrer au sein d’environnements virtuels. Cette série de 4 impressions, réalisées à partir de scans et d’animation 3D, intègre pour la première fois le corps de l’artiste dans une de ses œuvres. Ce corps modélisé devient la matière première à sculpter, déconstruire et recontextualiser. De nombreuses inspirations ont nourri ce projet, comme le concept du cyborg de Donna J. Haraway, les dessins de Hans Bellmer, la mythologie grecque ainsi que le concept de monadologie de Gottfried Wilhelm Leibniz. On y retrouve également une réflexion sous-jacente sur l’autoportrait et la place du corps dans le monde numérique. Captives dans les limites de leurs propres subjectivités, ces cyborgs/déesses incarnent le concept de monade, où chaque individu est un miroir fragmenté d’une réalité plus vaste.

Cyberdelia (2024)

Installation interactive

Cyberdelia a été conçu lors d’une résidence artistique au centre Sporobole pour explorer les potentialités créatives de l’intelligence artificielle. L’installation se compose de 22 vidéos accompagnées de paysages sonores co-composés avec une IA par Roger Tellier-Craig, ainsi que de 22 cartes inspirées des arcanes majeurs du tarot. Les visiteurs sont invités à consulter l’oracle en choisissant une carte qu’ils placent sur un lecteur, déclenchant la projection de la vidéo correspondante. Cette interaction offre une nouvelle perspective sur la question posée, mêlant hasard et intention dans un dialogue avec l’inconnu.

Le projet interroge notre relation à l’IA et sa capacité à refléter les projections psychologiques humaines. Son titre évoque un paysage mental façonné par l’interaction entre l’humain et la machine, tout en rendant hommage à la cyberculture des années 1980-1990, où la technologie était envisagée comme un moyen de transcender l’espace, le temps et la matérialité. En intégrant les transformations imprévisibles générées par l’IA tout en maintenant l’esthétique de l’artsite, l’œuvre révèle des visions à la fois sublimes et troublantes d’un avenir marqué par les enjeux de l’Anthropocène. Cyberdelia aspire à réenchanter le réel en tissant des liens entre technologie et nature, destin individuel et expérience collective.

Plane of Incidence (2024)

Vidéos

Plane of Incidence étudie les notions d’objet, du vivant et de l’évolution spéculative en s’inspirant librement des liens qui les relient tels que l’agentivité des objets, l’animisme et le concept d’ Interliving de Lynn Margulis. Des objets abandonnés, découverts au hasard des rues de Montréal et de Marseille, ont été numérisés et insérés dans des environnements virtuels, où ils fusionnent avec le vivant, évoluant en de nouvelles formes de vie. Le projet s’inspire également de la notion d’évolution spéculative, imaginant des tangentes imprévisibles de la vie qui peuvent à la fois éblouir et annihiler.

The exhibition Ethereality establishes connections between Sabrina Ratté’s recent works, which explore the convergence of technology and biology, the interplay between materiality, virtuality, and spirituality, and the speculative evolution of our environment. Within this context, Objets-Monde (2022), Terraforma (2022), Inflorescences (2023), Plane of Incidence (2024), and Cyberdelia (2024) examine the complexities of the Anthropocene from various perspectives. Ethereality portrays a world where forgotten remnants continue to evolve, forging new relationships with the ecosystem. Through a fusion of aesthetic, poetic, and philosophical perspectives, her work highlights intuition, reflection, and emotional connection as pathways to addressing these pressing issues.

Exhibited works

Objets-Monde (2022)

Interactive installation

Objets-Monde explores the impact of human activity on the environment by incorporating abandoned technological remnants into virtual landscapes. Using photogrammetry, car wrecks and computer screens are transformed into digital replicas, then recontextualized in videos where their oversized scale evokes monumental architecture. These fragments, suspended in distant and luminous landscapes, evoke a tension between the apocalyptic and the nostalgic, value and waste, idealized nature and enduring human traces. Inspired by Michel Serres’ concept of “objets-monde,” the work highlights the shift of human impact from a local to a global scale, inviting the viewer to interact with these remnants of a reimagined world.

Inflorescences (2023)

Installation

Inflorescences envisions a hypothetical future where plants, fungi, and unknown creatures mutate to coexist with electronic waste, transforming inert remnants into sources of new ecological relationships. The installation explores the idea of a world without humans, shaped by the traces of their activity. The videos depict hybrid, unpredictable organisms whose forms resemble floral or fungal mutations, emerging from the textures and materials of discarded objects. These visions are complemented by four sculptures made from electronic waste scanned for the video, incorporating screens and lights that echo the imagined entities. Inflorescences offers a reflection on the evolution of ecosystems in the Anthropocene, where the living and the non-living hybridize to redefine the future.

Terraforma (2022)

Multimedia installation

Terraforma is a multimedia installation that explores various concepts of temporality and spatiality, such as ubiquity, relativity, imaginary continents, and the interplay between virtual and physical realities. Created as part of an immersive project featuring 12 interactive videos, the exhibited sculpture is a 3D-printed topography generated from satellite data. This structure is enhanced with video mapping, creating an experience where the digital and the tangible converge.

Monades (2020)

Impressions

Monades is part of the artist’s exploration of photogrammetry, a technique that digitizes elements of reality for integration into virtual environments. This series of four prints, created using scans and 3D animation, marks the first time the artist incorporates her own body into her work. The digitized body becomes raw material to be sculpted, deconstructed, and recontextualized. The project draws on diverse inspirations, including Donna J. Haraway’s concept of the cyborg, Hans Bellmer’s drawings, Greek mythology, and Gottfried Wilhelm Leibniz’s monadology. It also reflects on self-portraiture and the role of the body in the digital age. Captive within the confines of their subjectivities, these cyborgs/goddesses embody the concept of the monad, where each individual is a fragmented mirror of a greater reality.

Cyberdelia (2024)

Interactive installation

Cyberdelia was conceived during an artist residency at the Sporobole center to explore the creative potential of artificial intelligence. The installation consists of 22 videos accompanied by soundscapes co-composed with AI by Roger Tellier-Craig, as well as 22 cards inspired by the major arcana of the tarot. Visitors are invited to consult the oracle by selecting a card and placing it on a reader, triggering the projection of the corresponding video. This interaction offers a new perspective on the posed question, blending chance and intention in a dialogue with the unknown.

The project examines our relationship with AI and its ability to reflect human psychological projections. Its title evokes a mental landscape shaped by the interaction between humans and machines while paying homage to the cyberculture of the 1980s-1990s, a period when technology was envisioned as a means to transcend space, time, and materiality. By integrating the unpredictable transformations generated by AI while preserving the artist’s aesthetic, the work reveals visions that are both sublime and unsettling, reflecting an Anthropocene-marked future. Cyberdelia seeks to re-enchant reality by weaving connections between technology and nature, individual destiny and collective experience.

Plane of Incidence (2024)

Videos

Plane of Incidence explores the convergence of objects and living beings, drawing inspiration from their conceptual, spiritual, and scientific connections. Informed by philosophical concepts such as object agency, animism, and Lynn Margulis’s Interliving, this video series seeks to re-enchant reality by exploring the interconnectedness of all forms of existence.

Featuring portraits of abandoned intimate objects discovered randomly in the streets of Montreal and Marseille, the series places these objects in environments where they interact with the living, resulting in unexpected manifestations. Inspired by the notion of speculative evolution, the project imagines uncontrollable trajectories of life that can both mesmerize and annihilate.

Biographie

Sabrina Ratté est une artiste canadienne basée à Montréal. Elle crée des écosystèmes qui évoluent au sein d’installations interactives, de séries de vidéos, d’impressions numériques, de sculptures ou de réalité virtuelle. Influencées par la science-fiction, la philosophie et diverses textes théoriques, ses œuvres explorent la convergence de la technologie et de la biologie, l’interaction entre la matérialité et la virtualité, ainsi que l’évolution spéculative de notre environnement.

Son travail a été exposé dans des institutions telles que le musée Laforet à Tokyo, le Musée des beaux-arts de Montréal, le Centre Pompidou à Paris, le Centre PHI à Montréal, le Chronus Art Center à Shanghai, le musée Max Ernst à Brühl et le Museum of the Moving Image à New York. Elle a présenté des expositions personnelles à la Gaîté Lyrique à Paris, Fotografiska à Shanghai, et à l’Arsenal Contemporary Art à Montréal et à New York. Notamment, son travail fait partie de la collection du Musée d’art contemporain de Montréal. Ratté a été présélectionnée pour le prix Sobey Art Award au Canada en 2019 et a fait partie des finalistes en 2020.

Sabrina Ratté is a Canadian artist based in Montreal. Using tools, such as 3D scans, analog video synthesizers, and 3D animation, her formal approach serves as the foundation for the creation of ecosystems that manifest across various platforms, from interactive installations to series of videos, digital prints, sculptures, or virtual Reality. Exploring the convergence of technology and biology, the interplay between materiality and virtuality, and the speculative evolution of our environment, her work is influenced by the realms of science fiction, philosophy, and theoretical writings. Ratté portrays worlds devoid of humans, where forgotten remnants continue to evolve and forge new relationships with the ecosystem.

Her work has been exhibited in institutions such as Laforet Museum in Tokyo, the Montreal Museum of Fine Arts, Centre Pompidou in Paris, the PHI Center in Montreal, the Max Ernst Museum in Brühl, and the Museum of the Moving Image in New York. She has presented solo exhibitions at Gaîté Lyrique in Paris, Fotografiska in Shanghai, and Arsenal Contemporary Art in Montreal and New York. Notably, her work is part of the collection at the Montreal Contemporary Art Museum. Ratté was longlisted for the Sobey Art Award in Canada in 2019 and went on to receive the award in 2020.

Crédits

FR

Intégration multimédia et interactivité: Guillaume Arseneault
Composition des trames sonores: Roger Tellier-Craig
Cyberdelia: Créée dans le cadre de la résidence Chantier IA de Sporobole, Sherbrooke, Canada
Objets-monde: Une production Le FRESNOY – Studio national des arts contemporains, Tourcoing, France
Inflorescences: Une production du New Now Festival, Essen, Allemagne
Plane of Incidences: Soutien du Conseil des Arts du Canada
Terraforma: Une production de Hermès Horloger dans le cadre sur salon Watches & Wonders, Genève, Suisse

EN

Multimedia integration and interactivity: Guillaume Arseneault
Soundtrack composition: Roger Tellier-Craig
Cyberdelia: Created as part of Sporobole’s Chantier IA residency, Sherbrooke, Canada
Objets-monde: Produced by Le FRESNOY – Studio national des arts contemporains, Tourcoing, France
Inflorescences: A New Now Festival production, Essen, Germany
Plane of Incidences: Supported by the Canada Council for the Arts
Terraforma: Produced by Hermès Horloger as part of Watches & Wonders, Geneva, Switzerland

Photos : Sabrina Ratté

Libre – dire oui

Origine : Québec

Genre : Sortie de résidence

Artiste

Théâtre Rude Ingénierie

Lieu

La Charpente des fauves
206 Rue Christophe Colomb E
Québec, QC, G1K 3S7

Date

14 février 20h- gratuit

Description

Libre – Dire oui est la sixième production scénique de Théâtre Rude Ingénierie. Naviguant entre instruments, objets-musique, danse-performance et installations mécaniques, cinq performeurs se croisent dans un jeu de cohabitations. Ce cabaret d’occupations simultanées fait se rencontrer, entre chocs et alliances, sans règles préétablies, corps, machines et sons. Pour Libre – Dire oui, nous jouons sur le registre de l’intime : Dire oui à un patrimoine personnel comme acte de résistance à la fabrication d’autres «mémoires façades», s’offrir ce temps de contact à ce qui nous bâtit jusque dans les racines, valoriser et célébrer les territoires qui nous composent dans leurs plus petites, complexes et banales expressions, étudier ce qui les lie ou les fragmente, jouer à activer des zones d’expressions libérées où la cohabitation de ces langages diversifiés est priorisée, se battre contre un temps qui s’accélère en réfléchissant des espaces de ralentissement pour contrer un sentiment d’usure, d’éparpillement dans la production, d’épuisement, de perte de temps et d’essence.

Crédits

FR

Conception – Théâtre Rude Ingénierie Interprétation – Bruno Bouchard, Philippe Lessard Drolet, Pascal Robitaille, Josiane Bernier et autre.s interprète.s à confirmer

Photos : À venir

Soirée indomptée 2025

Soirée indomptée

En collaboration avec

Origine : Québec

Genre : Performances

Artistes

Nicolas Lachapelle et Eloïse Demers Pinard, Sabrina Ratté et Roger Tellier-Craig, Birrd et le duo Massecar · d’Orion

Lieu

591 Rue Saint-Vallier E Québec, QC, G1K 3P9

Dates

21 février 19h

billetterie inclusive

tickets

Description

Désinvolte et rythmée, la classique soirée indomptée du Mois Multi nous invite à un marathon de performances éclatées et expérimentales. Cette édition sera marquée par les artistes Nicolas Lachapelle et Eloïse Demers Pinard, Sabrina Ratté et Roger Tellier-Craig, Birrd et le duo Massecar · d’Orion. Une célébration hors-norme et rassembleuse de l’art multidisciplinaire et de l’art performance à ne pas manquer.

Attention, la soirée indomptée se déroule en deux parties! La première est gratuite et sans réservation. La deuxième nécessite absolument l’achat d’un billet sur notre billetterie inclusive!

TBA

Première partie (gratuite)

19h – Cinéma Beaumont

Documentaire Sonore – présenté en version originale en anglais sans sous-titres
That forgotten need to probe the sky – Nicolas Lachapelle et Eloïse Demers Pinard
Au cours de l’hiver 2023, deux amoureux et documentaristes franco-canadiens se rendent à Churchill, une communauté isolée du nord du Manitoba, dans le but d’enregistrer le son des aurores boréales. Voici le récit de leur tentative. Ce besoin oublié de sonder le ciel est un documentaire sonore qui suit leur voyage épique à travers le temps et l’espace aux confins du nord du Canada.

TBA

Deuxième partie à la salle Multi (billet obligatoire)

20h – salle Multi

Performance
Cyberdelia – Sabrina Ratté et Roger Tellier-Craig
Cyberdelia, initialement conçu comme une installation interactive, se réinvente sous la forme d’une performance live réunissant Roger Tellier-Craig à la composition sonore et Sabrina Ratté à la création visuelle. Le projet interroge notre relation à l’IA et sa capacité à refléter les projections psychologiques humaines. Son titre évoque un paysage mental façonné par l’interaction entre l’humain et la machine, tout en rendant hommage à la cyberculture des années 1980-1990, où la technologie était envisagée comme un moyen de transcender l’espace, le temps et la matérialité. En intégrant les transformations imprévisibles générées par l’IA tout en maintenant l’esthétique des artistes, la performance révèle des visions à la fois sublimes et troublantes d’un avenir marqué par les enjeux de l’Anthropocène.

21h – studio d’Essai

Performance musicale présentée en collaboration avec le Phoque Off
Birrd
Auteur d’une musique électronique qui peut autant se danser dans l’obscurité d’un club qu’être écoutée sur une plage ensoleillée, Birrd propose une musique aux harmonies cosmiques, où des enregistrements de sons de la vie de tous les jours sont triturés, décomposés et réassemblés autour d’amples et puissants synthétiseurs pour faire naître une version toute personnelle de la musique des machines : profondément mélodique.

22h – studio d’Essai

Performance musicale
Fragments de l’Apocalypse de Jean selon Pierre Henry – Duo Massecar · d’Orion
Performance multidisciplinaire son, parole et projection vidéographique de texte qui s’articule autour de l’œuvre fétiche du compositeur français Pierre Henry, L’Apocalypse de Jean. À l’origine, nous pouvons comprendre cette œuvre comme un manifeste, une défense des pouvoirs de la musique concrète et de l’art audio, capables de susciter chez l’auditeur des visions intérieures et des représentations imagées. Le duo propose une relecture personnelle et performative de certains passages de la pièce.

Actif en collectif depuis 2015, le duo formé par Catherine Lalonde Massecar et Érick d’Orion explore une approche créative valorisant l’intégration de l’audio, de la parole (fictive ou documentaire), de la vidéo amateure, de la manœuvre, de l’installation, de l’art vivant, de l’action furtive et/ou du spectaculaire. Le duo tente de définir l’opéra manœuvre comme pratique artistique à part entière.

La soirée se terminera avec un VJ set de Christian Lapointe et Jocelyn Pelletier!

TBA

Photos : À venir

Futur______Fatigue

Origine : Québec

Genre : Performances

Présenté par

La Charpente des fauves

Lieu

La Charpente des fauves
206 Rue Christophe Colomb E
Québec, QC, G1K 3S7

Gratuit !

Date

11 février 17h – gratuit

Description

Les soirées Futur________Fatigue à la Charpente des fauves vous plongent dans un univers immersif et analogique, où l’humain reprend sa place au centre, loin des technologies et du virtuel.

Dans une ambiance intimiste et chaleureuse, chaque rencontre devient un espace de partage direct, d’échanges sincères et de connexions authentiques.

Sans écran, sans distraction numérique, ces soirées invitent à ralentir, à être pleinement présent·e et à célébrer l’instant avec les autres.

Au programme : performances impromptues, discussions inattendues et moments de contemplation. L’espace se transforme en un refuge où la créativité brute et l’interaction humaine prennent tout leur sens.

Une expérience collective à vivre, ressentir, et célébrer.

Biographie

La Charpente des fauves est un espace de recherche, création et diffusion pour les arts vivants et visuels à Québec.

La Charpente est un lieu d’accueil pour les créateur·trice·s émergent·e·s ou établi·e·s, elle porte à ébullition des processus de recherche, d’exploration ou de dépassement des frontières disciplinaires. Environnement aux fonctions hybrides sur environ 14 000 pc, la Charpente est composée d’une boîte noire à géométrie variable, une galerie, une facade numérique, des espaces de répétition et de co-travail, un studio de son, un atelier de construction, un atelier de fabrication, sans compter un inventaire technique en lumière, son, vidéo et divers outils informatique qui sont mis à la dispositions de sa communauté. En plus de sa programmation, la charpente héberge des activités de formation, des événements, des festivals ainsi que des services ponctuels. Décidée à mettre en valeur une pluralité et une diversité de voix, La Charpente des fauves est un point de rencontre pour les artistes de tout horizon et leurs publics.

Photos : À venir

5@tard

Origine : Québec

Genre : Performances

Présenté par

La Charpente des fauves

Lieu

La Charpente des fauves
206 Rue Christophe Colomb E
Québec, QC, G1K 3S7

Gratuit !

Date

4 février 17h

Description

Les 5@tard offrent une plongée dans l’intimité des créations artistiques en devenir. Performances, installations, conférences, films, ateliers… chaque recoin de la Charpente des fauves s’anime pour accueillir des propositions audacieuses et expérimentales. Les spectateur·trice·s deviennent complices, explorant des idées en gestation dans un cadre décontracté et convivial.

Venez rencontrer les artistes, découvrir leurs univers en pleine ébullition et célébrer cette lumière collective qu’est la créativité.

Artistes, vous avez un projet ou une œuvre à tester? Qu’il s’agisse d’une performance, d’une œuvre vidéo, d’un prototype d’installation ou autre, il y a une place pour vous. L’équipe de la Charpente vous accompagne techniquement et trouve le meilleur coin de cette grande maison dédiée à la création multidisciplinaire pour donner vie à vos idées – même dans les endroits les plus inattendus (oui, ça inclut l’atelier de menuiserie).

Les 5@tard sont gratuits et ouverts à tous.tes!

Biographie

La Charpente des fauves est un espace de recherche, création et diffusion pour les arts vivants et visuels à Québec.

Le gardien des enfants

Origine : Montréal

Genre : Spectacle

Artiste

Le Théâtre indépendant

Lieu

studio d’Essai
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC, G1K 3P9

Détails

Durée : 55 minutes

Dates

8 février 20h30

9 février 14h

tickets

forfait plein la tête

forfait programme double

Description

Le gardien des enfants est une performance théâtrale se questionnant sur les traces laissées par la violence sur les corps et les esprits de celleux qui la subissent. Seul en scène, Charles Voyer nous raconte des souvenirs souvent embrouillés et douloureux. Des fragments déterminants de son passé qui marquent les diverses transformations survenues au cours de sa vie. En traversant des épisodes traumatiques – les attouchements répétés qu’il a subi en service de garde; sa violente rencontre avec un site web présentant des snuff movies lors de son adolescence – il essaie de comprendre ces moments qui ont bouleversé son développement et qui l’habitent toujours. Tel un rituel énigmatique dans ce lieu vaporeux, il navigue dans les méandres de sa mémoire et nous invite dans sa quête à la recherche d’une certaine quiétude, d’un apaisement. À l’instar du procédé de développement de photos argentiques en chambre noire, l’image apparaît peu à peu, baignée d’une lumière rougeâtre et étrange. Elle s’impose à notre rétine et s’y incruste, comme les traces laissées par la violence sur les corps et les esprits de celles et ceux qui en sont victimes.

“The Children’s Keeper” is a theatrical performance questioning the traces left by violence on the bodies and minds of those who suffered from it. Alone on stage, Charles Voyer recounts memories that are often confused and painful: determining moments from his past that shape the diverse transformations that have occurred in his life. By going through traumatic episodes – the repeated sexual molestation he endured in daycare and his violent encounter with a snuff films website during his teenage years – he tries to understand these moments that have disrupted his life and that are still part of him.

Like an enigmatic ritual in a vaporous place, he navigates the maze of his memory and invites us into his pursuit of a sense of peace and relief. As in the process of developing photographs in a darkroom, the image appears little by little, bathed in a strange reddish light. It imposes itself on our retina and becomes imprinted, like the traces left by violence on the bodies and minds of its victims.

La pièce s’adresse à un public averti en raison des thèmes abordés. Veuillez noter que le spectacle contient un acte performatif incluant une aiguille.

Biographie

Constitué en 2018, le Théâtre indépendant est un collectif interdisciplinaire à géométrie variable dont le noyau est formé d’artistes queers œuvrant dans le domaine des arts vivants. Notre collectif est composé de JJ Houle (Mise en scène, École nationale de théâtre du Canada, 2020), Charles Voyer (Conservatoire d’art dramatique de Montréal, 2018), Léo Gaudreault (Baccalauréat en arts visuels et médiatiques, Université du Québec à Montréal, 2019), Flavie Lemée (Production, École nationale de théâtre du Canada, 2019) et Antoine Racine (M.F.A. Concordia University, 2022). Le collectif a réalisé à ce jour deux créations : Quartett solo, présenté à ZH Festival et au théâtre Prospero et Le gardien des enfants, présenté au OFFTA et au théâtre Prospero. En plus de prévoir la tournée canadienne et européenne de cette dernière pièce, le collectif travaille sur la création d’Extérieur / Nuit prévu pour 2025. Depuis 2023, le Théâtre indépendant bénéficie également de l’appui de LA SERRE – arts vivants pour la production déléguée de leurs créations.

Formed in 2018, the Independent Theater is an interdisciplinary collective whose core is made up of queer artists working in the performing arts : JJ Houle (Direction, National Theatre School of Canada, 2020), Charles Voyer (Acting, Conservatoire d’art dramatique de Montréal, 2018), Léo Gaudreault (B.A. in Visual and Media Arts, Université du Québec à Montréal, 2019), Flavie Lemée (Production, National Theatre School of Canada, 2019) and Antoine Racine (M.F.A. Concordia University, 2022). So far, the collective has produced two new works: ‘‘Quartett solo’’, presented at ZH Festival and Théâtre Prospero, and ‘‘Le gardien des enfants’’ (‘‘The Children’s Keeper’’), presented at OFFTA and Théâtre Prospero. In addition to planning the Canadian and European tour of the latter piece, the collective is working on the creation of Extérieur / nuit», scheduled for 2025. Since 2023, Théâtre indépendant has also benefited from the support of LA SERRE – arts vivants for the delegated production of their creations.

Crédits

FR

Une création Théâtre indépendant
Texte : Charles Voyer
Mise en scène : JJ Houle
Scénographie : Léo Gaudreault
Lumière : Flavie Lemée
Son : Antoine Racine
Avec : Charles Voyer
Traduction : Alégria Gobeil, Phoebe Fregoli
Images : Nicolas Biaux, Flavie Lemée
Montage : vidéo Léo Gaudreault
Sous Titrage : vidéo Jules Leloup-Mayrand
Date de création : 2022
Production : déléguée LA SERRE – arts vivants
Avec le soutien de Conseil des arts de Montréal et le Conseil des arts et des lettres du Québec

EN

A Théâtre indépendant creation
Text: Charles Voyer
Director: JJ Houle
Set design: Léo Gaudreault
Lighting: Flavie Lemée
Sound: Antoine Racine
With : Charles Voyer
Translation: Alégria Gobeil, Phoebe Fregoli
Photography: Nicolas Biaux, Flavie Lemée
Editing: video Léo Gaudreault
Subtitling : video Jules Leloup-Mayrand
Creation date: 2022
Production : déléguée LA SERRE – arts vivants
With the support of Conseil des arts de Montréal and Conseil des arts et des lettres du Québec

Photos : Nicolas Biaux

Les Avalanches

Origine : Montréal

Genre : Spectacle

Artiste

Julie Artacho

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC, G1K 3P9

Détails

Durée : 75 minutes
Sujets sensibles : 16 ans et +

Dates

7 février 19h

8 février 19h

tickets

forfait plein la tête

forfait programme double

Description

Dans nos sociétés capitalistes érigées sur la normalisation de la culture du viol, faut-il être soi-même victime ou être dans une proximité troublante avec cet état de fait pour qu’il ne soit plus possible de garder ses œillères sur un problème si grave, entier et omniprésent ? À travers une performance, tel un acte d’empouvoirement, mêlant danse, musique, théâtre et militantisme, Les Avalanches aborde de manière frontale cette question des gestes qui peuvent alterner entre amour, possession et violence : comment des agressions peuvent être insidieuses et les réactions confuses, comment le nécessaire rétablissement est une expérience singulière à chacun.e.

In our capitalist societies built on the normalization of rape culture, do you have to be a victim yourself, or be in disturbingly close proximity to this state of affairs, for it to no longer be possible to keep one’s blinders on to such a serious, all-encompassing and omnipresent problem? Through a performance that combines dance, music, theater and activism, Les Avalanches tackles head-on this question of gestures that can alternate between love, possession and violence: how aggression can be insidious and reactions confused, and how the necessary recovery is a singular experience for each person.

Biographie

Julie Artacho

Après des études en théâtre au collégial, c’est vers la photographie que Julie Artacho se tourne. Depuis maintenant 18 ans, elle travaille comme photographe à Montréal. Féministe, elle développe ses projets personnels autour de la place des femmes en arts, de la culture du viol, de la diversité corporelle et de la grossophobie. Ses portraits d’artistes ont été publiés dans les revues québécoises ELLE Québec, JEU, magazine VÉRO, Clin d’œil et Châtelaine ainsi que dans des magazines internationaux comme ELLE France et Le Vif (Belgique). Son travail photographique a retenu l’attention des médias en 2015 alors qu’elle a diffusé une série d’autoportraits nus qui la mettaient en scène avec un amoureux, offrant une réflexion sensible sur la perception de la sexualité et des corps des personnes grosses.

Elle est fréquemment invitée dans les médias pour prendre position sur différents sujets; on a pu l’entendre, la voir et la lire à Radio-Canada, TVA, Télé-Québec, Rouge FM, Urbania, Vice, Métro et La Presse+. Elle a participé aux webséries Les patronnes et Les Brutes, aux séries À Huis Clos (de la youtubeuse Camille Ingels-Fortier), Sans filtre et Courrier recommandé (de Urbania) et aux podcasts Entre filles, Tout le monde s’haït et Sexe oral. Elle est aussi invitée à des panels et à des conférences organisées par ANEB – Anorexie et boulimie Québec, Les Sommets Jack, Journée UNIS, le Festival Mode + Design. Elle a écrit des textes pour les livres Sous la ceinture : unis pour vaincre la culture du viol publié aux Éditions Québec Amérique (2016) et Libérer la culotte publié aux Éditions du remue-ménage (2018).

En 2018, elle participe comme créatrice à l’événement NICE TRY, tandis qu’en 2019 elle présente son premier spectacle au festival ZH, lui faisant réaliser qu’elle ne veut plus se limiter à certains médiums pour prendre la parole. Après des années à photographier des artistes de la scène, elle a envie, elle aussi, d’y être. C’est alors qu’elle commence également à s’exprimer sur scène, une première fois dans le cadre du Cabaret des sorcières, un projet de Judith Lussier (2021), au Cabaret féministe pas gentil du tout du Festival Phénomena (2022) et au cabaret F*ck ta grossophobie du festival Zoofest (2023).

Julie Artacho

After studying theater in college, Julie Artacho turned to photography. For the past 18 years, she has been working as a photographer in Montreal. A feminist, her personal projects revolve around the place of women in the arts, rape culture, body diversity and fatphobia. Her portraits of artists have been published in ELLE Québec, JEU, VÉRO magazine, Clin d’œil and Châtelaine, as well as in international magazines such as ELLE France and Le Vif (Belgium). Her photographic work attracted media attention in 2015 when she released a series of nude self-portraits featuring her with a lover, offering a sensitive reflection on the perception of sexuality and fat bodies.

She is frequently invited by the media to take a stand on various subjects; she has been heard, seen and read on Radio-Canada, TVA, Télé-Québec, Rouge FM, Urbania, Vice, Métro and La Presse+. She has taken part in the web series Les patronnes and Les Brutes, the series À Huis Clos (by youtuber Camille Ingels-Fortier), Sans filtre and Courrier recommandé (by Urbania) and the podcasts Entre filles, Tout le monde s’haït and Sexe oral. She is also a guest on panels and at conferences organized by ANEB – Anorexia et boulimie Québec, Les Sommets Jack, Journée UNIS and the Festival Mode + Design. She wrote texts for the books Sous la ceinture : unis pour vaincre la culture du viol published by Éditions Québec Amérique (2016) and Libérer la culotte published by Éditions du remue-ménage (2018).

In 2018, she took part as a creator in the NICE TRY event, while in 2019 she presented her first show at the ZH festival, making her realize that she no longer wanted to limit herself to certain mediums in order to speak out. After years of photographing performing artists, she wanted to be part of it too. She also began to express herself on stage, first as part of Judith Lussier’s Cabaret des sorcières (2021), at Festival Phénomena’s Cabaret féministe pas gentil du tout (2022) and at Zoofest’s F*ck ta grossophobie (2023).

Crédits

FR

Écriture, mise en scène et chorégraphie : Julie Artacho
Interprètes : Marilyn Daoust, Claudia Chan Tak, Natacha Filiatrault et Mya T. Métellus
Conception sonore : Karolane Carbonneau
Musique : Raphaëlle Chouinard
Éclairage : Joëlle Leblanc
Scénographie : Anne-Sara Gendron
Direction de production : Olivier Rousseau
Direction technique : Justin Houde
Conception costumes : Chloé Barshee
Conseillère à la recherche : Natacha Filiatrault
Répétitrice : Alexia Martel
Soutien : Conseil des arts du Canada, Conseil des arts et des lettres du Québec et Conseil des arts de Montréal

EN

Written, directed and choreographed by Julie Artacho
Performers: Marilyn Daoust, Claudia Chan Tak, Natacha Filiatrault Marilyn Daoust, Claudia Chan Tak, Natacha Filiatrault and Mya T. Métellus
Sound design: Karolane Carbonneau
Music: Raphaëlle Chouinard
Lighting: Joëlle Leblanc
Set design: Anne-Sara Gendron
Production manager: Olivier Rousseau
Technical Director: Justin Houde
Costume design: Chloé Barshee
Research advisor: Natacha Filiatrault
Rehearsal director: Alexia Martel
Support: Canada Council for the Arts, Conseil des arts et des lettres du Québec and Conseil des arts de Montréal

Photos : Julie Artacho

asses.masses

Origine : Vancouver

Genre : Performance interactive

Artiste

Patrick Blenkarn et Milton Lim

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC, G1K 3P9

Détails

Durée : 7h30
14 ans et plus

Date

2 février 13h

Tickets

FORFAIT PLEIN LA TÊTE

Description

Sans aucune forme de mode d’emploi, les artistes canadiens Patrick Blenkarn et Milton Lim nous convient à une exaltante et délirante journée complète de gaming où les boissons et collations seront fournies . Les aventures épiques d’un troupeau d’ânes se déploient dans un jeu en 10 épisodes où les esthétiques, les genres de jeu et les narratifs se multiplient, les mots d’esprit côtoyant les scènes de copulation, de réincarnation et de révolution.

Réduits au chômage dans un monde post-industriel, les bourriques s’engagent dans une quête pour récupérer leurs emplois. Les humains consentiront-ils à se débarrasser des machines pour leur restituer leurs fonctions ? Dans cette expérience interactive ingénieusement politique, le triomphe des bêtes repose entre les mains de la collectivité que forme dorénavant le public, devenu les seul·e·s performeur·euse·s du spectacle. Peu à peu, l’ardeur révolutionnaire gagne la salle, où le pouvoir se négocie et la solidarité se répand.

Without any form of instruction manual, Canadian artists Patrick Blenkarn and Milton Lim invite us to an exhilarating, delirious day of gaming, with drinks and snacks provided. The epic adventures of a herd of donkeys unfold in a 10-episode game where aesthetics, game genres and narratives multiply, as witticisms rub shoulders with scenes of copulation, reincarnation and revolution.

Reduced to unemployment in a post-industrial world, the bourriques embark on a quest to get their jobs back. Will humans agree to get rid of the machines and restore their functions? In this ingeniously political interactive experiment, the triumph of the beasts rests in the hands of the collective now formed by the audience, who have become the only performers in the show. Little by little, revolutionary fervor takes hold of the audience, where power is negotiated and solidarity spreads.

Avertissement : asses.masses contient des lumières clignotantes, la participation du public, de la violence, un langage cru, des simulations de sexe avec des ânes, des simulations de sexe avec des humains, et des références à la consommation de drogues, au suicide et à la brutalité policière. Nous le recommandons aux spectateurs âgés de 14 ans et plus. Ce spectacle ne convient pas à un jeune public.

Biographie

Patrick Blenkarn et Milton Lim

Tous deux établis à Vancouver et rayonnants à l’international, Patrick Blenkarn et Milton Lim sont des artistes interdisciplinaires dont la pratique est axée sur la recherche et la création d’expériences conceptuelles et ludiques. Leurs projets communs et individuels explorent la notion d’art participatif, immersif et interactif, et s’intéressent à la valeur sociale de l’art, à la place du travail dans un monde numérique, aux différentes formes de discours ainsi qu’au potentiel politique et artistique du jeu. Ils sont les cocréateurs de culturecapital (culturecapital.cards), un jeu de cartes à collectionner et un projet de performance sur l’économie des arts de la scène au Canada, et de videocan (videocan.ca), une plateforme en ligne d’archives vidéo de performances canadiennes.

Patrick Blenkarn et Milton Lim

Both Vancouver-based and internationally renowned, Patrick Blenkarn and Milton Lim are interdisciplinary artists whose practice focuses on research and the creation of conceptual and playful experiences. Their joint and individual projects explore the notion of participatory, immersive and interactive art, and are concerned with the social value of art, the place of work in a digital world, different forms of discourse, and the political and artistic potential of play. They are the co-creators of culturecapital (culturecapital.cards), a trading card game and performance project about the economy of the performing arts in Canada, and videocan (videocan.ca), an online platform for Canadian performance video archives.

Crédits

FR

Une production de Patrick Blenkarn + Milton Lim
Mise en scène, texte, programmation, pixel art, animation 2D : Patrick Blenkarn
Mise en scène, texte, conception sonore, vidéo, shaders, effets visuels 3D : Milton Lim
Dramaturgie, texte, production en tournée : Laurel Green
Musique originale, conception sonore, implémentation audio : David Mesiha
Pixel art, animation 2D : Clarissa Picolo + William Roth
Environnement 3D : Ariadne Sage
Programmation complémentaire : Samuel Reinhart
Traduction en français : Gilles Poulin-Denis
Création avec le soutien de Shadbolt Centre for the Arts (Burnaby) + The Theatre Centre (Toronto) + VIVO Media Arts (Vancouver)
Développement avec le soutien financier de Creative BC (Vancouver) + British Columbia Arts Council + Ambassade du Canada en Argentine et au Paraguay
Production en collaboration avec Fonds national de création du Centre national des Arts (Ottawa)

EN

Produced by Patrick Blenkarn + Milton Lim
Director, text, programming, pixel art, 2D animation: Patrick Blenkarn
Direction, text, sound design, video, shaders, 3D visual effects: Milton Lim
Dramaturgy, text, touring production: Laurel Green
Original music, sound design, audio implementation: David Mesiha
Pixel art, 2D animation: Clarissa Picolo + William Roth
3D environment: Ariadne Sage
Additional programming: Samuel Reinhart
French translation: Gilles Poulin-Denis
Created with the support of Shadbolt Centre for the Arts (Burnaby) + The Theatre Centre (Toronto) + VIVO Media Arts (Vancouver)
Development with the financial support of Creative BC (Vancouver) + British Columbia Arts Council + Canadian Embassy in Argentina and Paraguay
Production in collaboration with National Arts Centre National Creation Fund (Ottawa)

Photos : Francisco Castro Pizzo

Confession Publique

Origine : Montréal

Genre : Spectacle

Artiste

MAYDAY

Lieu

studio d’Essai
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC, G1K 3P9

Détails

Durée : 70 minutes
Public averti

Dates

31 janvier 20h30

1er février 19h