15H – Micro-conférences avec Karoline Georges, Marc-Alexandre Reinhardt, Annabelle Moreau et Marie Lamarre de Pavillons*

volet pro

Programmation volet pro
jour 2

Micro-conférences

Avec Karoline Georges, Marc-Alexandre Reinhardt, Annabelle Moreau et Marie Lamarre de Pavillons
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

9 février 2023
15h à 16h20

S'inscrire
Karoline Georges

Intrications nécessaires 

À travers le survol de quelques-unes de ses œuvres alliant littérature, vidéo, art audio et/ou modélisation 3D, Karoline Georges mettra en lumière la manière dont un dispositif hybride s’impose pour donner corps à un projet. Que ce soit par l’utilisation d’une synthèse vocale basée sur l’IA pour l’interprétation d’un texte qui met justement en scène une conscience artificielle ou la fabrication d’archives fictives qui donnent à voir des installations poétiques monumentales, contenant et contenu composent un tout non seulement cohérent, mais également nécessaire à la complétude d’une œuvre. L’artiste abordera également l’incidence de sa pratique artistique interdisciplinaire dans l’idéation même d’un projet littéraire.

Karoline Georges est née à Montréal. Elle a étudié l’interdisciplinarité en art (UQAC) et l’histoire de l’art (UQAM), avant d’amorcer une démarche où se côtoient l’image, le son, la littérature, la modélisation 3D et l’IA. Sa démarche s’articule autour d’une exploration polymorphe du sublime; sublimation physique, spirituelle, esthétique. Inspirées par les théories évolutionnistes et transhumanistes, ses œuvres sont peuplées de créatures de la science, de consciences informatiques, d’avatars numériques en quête d’une expérience de transcendance. La suite vidéopoétique « REPÈRES », présentée dans une dizaine de pays, a été en Sélection Officielle au Lumen Prize au Royaume-Uni ainsi qu’à la 4th Ó Bhéal Poetry-Film Competition en Irlande. « Actualisation de profil » s’est mérité le FutureFest Art Prize au Royaume-Uni. Elle est l’auteure de huit livres, dont « Sous béton » (Alto, 2011), finaliste au Prix des libraires du Québec et premier roman québécois à paraître dans la prestigieuse collection Folio SF de Gallimard. Elle a reçu en 2012 le Prix à la création artistique du CALQ. Avec son dernier roman qui s’intéresse notamment au futur de l’art numérique, « De synthèse » (Alto, 2017), elle a remporté de multiples honneurs, dont le Prix littéraire du Gouverneur général en 2018. La traduction anglaise, « The Imago Stage » (Coach House, 2020) a été sélectionnée pour le Dublin Literary Award 2022. En 2021, Karoline Georges a été nommée Artiste de l’année en Montérégie par le CALQ.

Karoline Georges was born in Montreal. She studied interdisciplinarity in art (UQAC) and art history (UQAM), before starting an approach that combines image, sound, literature, 3D modeling and AI. His approach revolves around a polymorphic exploration of the sublime; physical, spiritual and aesthetic sublimation. Inspired by evolutionary and transhumanist theories, his works are populated with creatures of science, computer consciousnesses, digital avatars in search of an experience of transcendence. The video-poetic suite  » REPÈRES « , presented in a dozen countries, was in Official Selection at the Lumen Prize in the United Kingdom and at the 4th Ó Bhéal Poetry-Film Competition in Ireland. « Update Profile » won the FutureFest Art Prize in the UK. She is the author of eight books, including « Sous béton » (Alto, 2011), a finalist for the Prix des libraires du Québec and the first Quebec novel to appear in Gallimard’s prestigious Folio SF collection. In 2012, she received the CALQ’s Prix à la création artistique. With her latest novel, which focuses on the future of digital art, « De synthèse » (Alto, 2017), she has won multiple honors, including the Governor General’s Literary Award in 2018. The English translation, « The Imago Stage » (Coach House, 2020) was selected for the 2022 Dublin Literary Award. In 2021, Karoline Georges was named Artist of the Year in Montérégie by the CALQ.

Marc A. Reinhardt

Depuis quelques années, je m’intéresse aux possibilités de (re)composer du commun en travaillant la matérialité de voix humaines et autre qu’humaines. Mon intervention s’appuiera sur une série d’oeuvres récentes, entre la performance (Visa le noir tira le blanc), la poésie (courroux courroux), l’installation immersive (courroux courroux), la création audionumérique (Sutures parallèles) et l’objet vinyl (Ravine).

Le cycle d’oeuvres convoquées expérimente avec la porosité de la voix en la faisant participer à un processus de création collaboratif et interdisciplinaire. Chaque « itération » puise dans le langage de différents médiums pour composer des ritournelles étrangement familières. Ces choralités prennent acte d’une vulnérabilité partagée, tentent de répondre à nos écologies abîmées, d’apprendre à « vivre avec le trouble » (Donna Haraway).

Voici un court texte écrit sur les arts littéraires, un point d’appui possible pour discuter du corpus présenté : https://nuitblanche.com/article/2022/07/de-la-porosite-des-mots-modes-dexistence-des-arts-litteraires-2

Marc A. Reinhardt développe une pratique au croisement de l’écriture, l’installation et la performance. Il a évolué au sein de plusieurs collectifs, dont ACTION INDIRECTE et Kabane77, et dirige à présent Le Clinique, une petite structure d’édition expérimentale. Il vit et travaille entre Gatineau et Montréal

https://marcareinhardt.com/

Mathieu Renaud is a poet and playwright who graduated from the National Theatre School in 2020. Before entering the school, he published two collections of poetry (Ver Blanc d’Amérique, éditions de l’Écrou, Décembre brûle and Natasquan attend, éditions DelBusso). The author co-produced a sound poetry album (On a pas mangé de framboise depuis 1266 jours) presented at Actoral 2020 and at the Mois de la poésie de Québec 2021, of which a staging (co-produced by the Maison des Arts Littéraire de l’Outaouais and the Théâtre du Trillium) was created in the fall of 2022. His play, Avant que les bêtes nous dévorent, deserves a mention for the Gratien-Gélinas Award 2021. He dramaturgically accompanied the poet Virginie Beauregard in the adaptation of her collection of youth poetry Perruche (produced by Théâtre de l’Oeil). The artist has just finished writing an audio tale for young people (produced by VOX theater) which was released this winter. He is currently writing his next play, La volière (grant from the Conseil des Arts et Lettre du Québec). Mathieu continues to work tirelessly on the fragile task of bringing the poem into a theatrical space.

Annabelle Moreau et Marie Lamarre de Pavillons

Pavillons est une plateforme de littérature qui permet à des artistes de se dédier à des projets sous forme de feuilletons, qui sont diffusés à un public d’abonné.es. L’initiative, unique au Québec, est née d’une réflexion de fond quant à l’appropriation des outils numériques pour le développement de la littérature et d’autres disciplines artistiques, sous une forme rassembleuse et engageante. Les actions menées jusqu’à présent visent à imaginer de nouvelles manières de faire circuler les arts, dans un esprit d’indépendance et de libre création. Ainsi dégagé des contraintes matérielles de l’édition de livres ou de revues, Pavillons diffuse des projets en constante évolution.

Les cofondatrices Marie Lamarre et Annabelle Moreau, reviennent sur la première année d’activités de la plateforme pour mieux comprendre les forces et les écueils des modèles d’abonnement et de micro-mécénat, et les particularités et possibles inhérents à une pratique qui repose sur l’instantanéité et la constance, mais aussi sur la rencontre et le croisement des formes. Elles se penchent également sur l’avenir dans une perspective de pérennité et de développement.

Annabelle Moreau is an editor and writer. She is writing a doctoral thesis at McGill University where she is working on the notion of radio literary interviews. She was the editor-in-chief of « Lettres québécoises » between 2017 and 2021 and the president of the Société de développement des périodiques culturels québécois (SODEP) from 2019 to 2022. She lives in Montreal.

Originally from the Beauce region of Quebec, Marie Lamarre is a freelance editor in both literature and social sciences, and teaches in the publishing programs at the Université de Sherbrooke. In 2013, she helped found Productions Somme toute. As an editor, she has produced more than twenty projects, in addition to directing the Tête première house for literary fiction.

16H30 – Fenêtre sur l’international – Conseil des arts et des lettres du Québec – programmes – Studios et ateliers-résidences / Biennale des Imaginaires Numériques, Aix-en-Provence, Marseille – seconde nature*

volet pro

Programmation volet pro
jour 2

Fenêtre sur l’international

Conseil des arts et des lettres du Québec – programmes – Studios et ateliers-résidences

Chroniques – Biennale des Imaginaires Numériques, Aix-en-Provence, Marseille – seconde nature

Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

9 février 2023
16h30 à 17h30

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Les blocs nommés « Fenêtre sur l’international » permettent au public du volet professionnel de faire connaissance avec un organisme artistiquement proche des Productions Recto-Verso et du Mois Multi et qui se situe à l’international.

Vous rêvez de voyager dans des contextes d’immersions, de réseautage tout en prenant le temps pour vos recherches ? Prenez connaissance des programmes internationaux du Calq et venez poser vos questions sans détours ! Des environnements stimulants et des équipes d’accueils bienveillantes vous attendent partout sur la planète !

Conseil des arts et des lettres du Québec – programmes – Studios et ateliers-résidences

Avec : Laurent Rozencwajg, Chargé de programmes – Studios et ateliers-résidences – Direction du soutien à la diffusion et au rayonnement international

Conseil des arts et des lettres du Québec

 Présentation des programmes des résidences internationales du CALQ et annonce d’une nouvelle entente Québec – France !

Calq secteur Studios et résidences internationales : https://www.calq.gouv.qc.ca

TBA

Chroniques – Biennale des Imaginaires Numériques, Aix-en-Provence Marseille – seconde nature

Rencontre avec – Mathieu Fabre, Co-directeur, Directeur artistique  pour Seconde Nature + Zinc, producteurs de la biennale Chroniques incubateurs des imaginaires numériques – Aix en Provence + Marseille.

Incubateurs des Imaginaires Numériques, SECONDE NATURE et ZINC travaillent depuis de nombreuses années à promouvoir et faire émerger la création contemporaine, comprendre le monde en régime numérique et aider les publics à s’approprier les technologies pour développer la créativité et favoriser l’émancipation. Les deux associations, réunies sous l’appellation CHRONIQUES, organisent la Biennale des Imaginaires Numériques, dont la troisième édition se tient du 10 novembre 2022 au 22 janvier 2023. Après la Lévitation en 2018, et l’Eternité en 2020, la Biennale s’intéresse cette année à la thématique de la Nuit.

TBA

Volet pro

Volet pro

8-9-10 février
Présenté à l’Espace 400e
Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Volet pro

8-9-10 février
Présenté à l’Espace 400e – 3e étage
Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Rendez-vous incontournable pour les artistes, les chercheur.euses et les travailleur.euses culturel.les du Québec et de l’international, le Volet Pro du Mois Multi est de retour en plein cœur du festival. Il s’agit de trois jours de discussions, tables-rondes et conférences sur les enjeux actuels du milieu artistique en compagnie de professionnel.les informé.es et passionné.es. Disponible en présentiel ou en ligne, c’est un moment privilégié à ne définitivement pas manquer durant le festival. Découvrez la programmation et réservez votre place :

Le volet pro a lieu de 9H à 17H sur place ou en ligne. Une pause dîner a lieu de midi à 13H. Il est possible de vous inscrire aux trois jours comme il est possible de vous inscrire à seulement une journée. Il n’est pas possible de s’inscrire à une discussion seulement.

*les discussions suivies d’un * sont disponibles en anglais.

A must-attend event for artists, researchers and cultural workers from Quebec and around the world, Mois Multi’s Volet Pro (Pro Component) is back at the heart of the festival. Three days of discussions, roundtables and conferences on current issues in the arts with informed and passionate professionals. Available either in person or online, it is a privileged moment not to be missed during the festival. Discover the program and book your place :

The Volet pro takes place from 9am to 5pm on site or online. There is a lunch break from noon to 1pm. It is possible to register for all three days as well as for one day only.

*discussions followed by an * are available in english.

Billetterie

jour 1

Accessibilités: Approches relationnelles et l’éthique du care dans la création et la diffusion

Une journée créée afin de questionner tout ce qui est atypique dans le domaine artistique et dans la gestion culturelle : les démarches horizontales, l’influence des bouleversements sociaux, les approches innovantes dans la création et la gestion. Cette journée cherche à être une entrée en matière philosophique et concrète pour toute personne qui oeuvre de près ou de loin dans la recherche, la production et la diffusion artistique

A day created to question everything that is unconventional in the artistic field and in cultural management: horizontal approaches, the influence of social upheavals, innovative approaches in creation and management. This day seeks to be a philosophical and concrete entry point for anyone who works in any way in artistic research, production and distribution.

9H – Café rencontre avec Laurence Brunelle-Côté, Les hiérarchies horizontales et Ève Rousseau-Cyr
8 février
10H – Micro-conférences avec Darren O’Donell et Suspended Culture*
8 février
11H05 – Tête-à-tête avec Olivier Arteau
8 février
13H – Chantier de réflexion : Le collectif multidisciplinaire – L’approche horizontale dans la création
8 février
15H30 – Micro-Conférence : Claudel Doucet et Amélie Aumont de La Serre
8 février
16H – Fenêtre sur l’international Avec Paula Perissinotto de FILE festival et Eduard Solaz de Iklektik*
8 février

jour 2

Hybridation: écosystèmes et éclatements disciplinaires

Une deuxième journée programmée en collaboration avec CONTOURS, un collectif en art littéraire qui brouille toujours davantage les frontières entre leurs pratiques d’origines et d’autres disciplines. Cette journée se veut une plongée dans des pratiques artistiques d’exceptions, multidisciplinaires et libres de définition.

A second day programmed in collaboration with CONTOURS, a literary art collective that blurs the lines between their original practices and other disciplines. This day is a dive into exceptional artistic practices, multidisciplinary and free of definition.

9H – Café rencontre avec Vanessa Bell, Juliette Bernatchez et Carol-Ann Belzil-Normand
9 février
10H – Micro-conférences avec Carol-Ann Belzil-Normand et Navid Navab*
9 février
11H05 – Tête-à-tête avec Béchard Hudon
9 février

Après-midi avec nos programmatrices invitées : Juliette Bernatchez et Vanessa Bell de CONTOURS  

Contours

CONTOURS est un osbl basé dans la ville de Québec qui contribue à la production et à la diffusion d’initiatives artistiques dans une approche intersectionnelle, intergénérationnelle et représentative des multiples identités langagières qui façonnent la poésie actuelle.

Juliette Bernatchez

Diplômée d’une maîtrise en études littéraires, Juliette Bernatchez est travailleuse culturelle et autrice. Depuis 2018, elle accumule les contrats dans divers organismes culturels. En février 2021, elle cofonde CONTOURS, un organisme de production et de diffusion en arts littéraires. En tant qu’autrice, on a pu la voir et l’entendre performer à plusieurs reprises, et on peut la lire dans les revues Zinc, Le Sabord et Françoise Stéréo. À l’été 2022, elle se voit attribuer une bourse de création du Conseil des arts et lettres du Québec pour l’écriture de son premier recueil de poésie, et obtient une première résidence de création avec les villes littéraires UNESCO de Québec et de Norwich.

Vanessa Bell

Poète, performeuse, artiste et activiste littéraire, Vanessa Bell est codirectrice de l’organisme CONTOURS et directrice de la collection poésie aux Éditions du Quartz. Sa pratique en arts littéraires lui a permis de performer en Amériques et en Europe. Elle est l’autrice des recueils De rivières (2019, La Peuplade), MONUMENTS (2022, Le Noroît) et codirectrice de l’Anthologie de la poésie actuelle des femmes au Québec 2000 | 2020 (2021, Remue-ménage). Son écriture est vive et tranchante, un tourbillon d’audace dont les thèmes centraux sont la sororité, la filiation, les territoires réels et fantasmés. Elle a remporté plusieurs bourses et distinctions dont le prix Félix-Antoine-Savard (2021, FIPTR). Vanessa Bell est, sous le mentorat de Nicole Brossard, la première canadienne francophone à être soutenue par le programme Rising Stars de la Writers’ Trust of Canada (2022).

13H – Table ronde animée par Vanessa Bell*
9 février
15H – Micro-conférences avec Karoline Georges, Marc-Alexandre Reinhardt, Annabelle Moreau et Marie Lamarre de Pavillons*
9 février
16H30 – Fenêtre sur l’international – Conseil des arts et des lettres du Québec – programmes – Studios et ateliers-résidences / Biennale des Imaginaires Numériques, Aix-en-Provence, Marseille – seconde nature*
9 février

jour 3

Futurs : nouvelles technologies et pratiques numériques

La dernière journée de ce triptyque professionnel regarde résolument vers l’avenir. Programmée en collaboration avec Alicia Turgeon, directrice chez Eastern Bloc, l’entièreté de la journée est axée sur des pratiques innovantes et numériques, s’imprégnant d’exemples concrets qui transforment l’industrie créative et la création indépendante d’aujourd’hui.

The last day of this professional triptych looks resolutely towards the future. Programmed in collaboration with Alicia Turgeon, Director at Eastern Bloc, the entire day is focused on innovative and digital practices, infused with concrete examples that are transforming the creative industry and independent creation today.

9H – Café rencontre avec Alicia Turgeon, Dany Robitaille (ALTKEY) et Myriam Bleau
10 février
10H – Micro-conférences avec le Collectif Tôle et Myriam Bleau
10 février
11H05 – Tête-à-tête avec Samuel Matteau
10 février

Après midi de notre programmatrices invitée, Alicia Turgeon de Eastern Bloc

EASTERN BLOC

Depuis 2007, Eastern Bloc se situe à l’avant-garde en matière de diffusion, de production et de promotion de l’art numérique au Québec. Le centre soutient particulièrement l’expérimentation créatrice dans les domaines croisés de l’art, de la technologie et de la science ainsi que toute pratique émergente numérique. Hybridité et nouveaux modes de production lui tiennent à cœur, autant que de soutenir la communauté artistique de la relève en permettant des échanges créatifs entre artistes émergents et artistes établis au sein d’initiatives de diffusion à échelles locale et internationale. Eastern Bloc facilite la participation du public, la démocratisation technologique et la mise en valeur de l’espace urbain au sein de projets d’intervention publique. Tout en soutenant l’innovation via les pratiques artistiques et technologiques émergentes, l’organisme s’efforce de défendre un point de vue critique au sujet de toutes ces évolutions.

Bio Alicia Turgeon (FR)

Alicia Turgeon est une artiste et travailleuse culturelle neurodivergente basée à Tio’tia:ke/Mooniyang/Montréal. Active dans le champ des arts médiatiques et tridimensionnels, ses recherches s’intéressent à la notion d’écologie culturelle à travers les concepts d’accessibilité́, de maillage, de radical care et de design pour l’appropriation. Elle reconnaît le rôle essentiel que jouent les approches alternatives et collaboratives en recherche-création et pose un regard critique sur les chevauchements entre le milieu de l’art, de l’industrie et du savoir. Titulaire d’un baccalauréat ès beaux-arts et d’une majeure en sculpture de l’Université Concordia, elle a reçu diverses distinctions lors de ses études, dont un Sustainability Research Award (2020) et un Experimental Learning Grant (2020-2021). Elle a également complété des études collégiales en Arts visuels et médiatiques et en Histoire et Civilisation au Cégep de Sherbrooke, et plusieurs crédits universitaires dans le cadre d’un curriculum en Design de l’environnement (UQAM). Depuis 2021, elle occupe le poste de directrice générale de Eastern Bloc, où elle a travaillé pendant plusieurs années en tant que coordinatrice artistique. Elle fut également coordinatrice aux expositions, puis présidente du conseil d’administration pour le festival Art Matters, en plus d’assister à la recherche artistique et au développement de projets pour le laboratoire d’art public Kinawìnd, sous la direction de Nadia Myre (titulaire de la Chaire de recherche du Canada en pratique d’art autochtones). Elle siège actuellement à titre de secrétaire sur le conseil d’administration du Regroupement de pairs des arts indépendants de recherche et d’expérimentation (REPAIRE).

13H – Table ronde: concepts et pratiques en art sonores*
10 février
15H – Discussion: La réciprocité en arts technologiques*
10 février
16H – Micro-conférences: Ontologie de l’objet digital*
10 février

9H – Café rencontre avec Laurence Brunelle-Côté, Les hiérarchies horizontales et Ève Rousseau-Cyr

volet pro

Programmation volet pro
jour 1

Café rencontre

Animé par Emile Beauchemin avec Laurence Brunelle-Côté, Les hiérarchies horizontales avec Ève Rousseau-Cyr
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

8 février 2023
9h à 9h50

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Laurence Brunelle-Côté

Laurence Brunelle-Côté est une poète et performeure de Québec. Elle cherche à réinventer (un peu) le langage des arts vivants. Heureusement, son handicap l’a amené à développer de nouveaux vocabulaires et lui permet d’emprunter d’autres chemins. Elle est co-directice artistique du Bureau de l’APA.

tba

Les hiérarchies horizontales

Le projet Les hiérarchies horizontales (LHH) est une plateforme d’échange d’idées et d’imaginaires sensoriels organisée en structure de recherche performative fondée par Arielle, Fabien et Eve en 2015. LHH recherche la perméabilité entre les disciplines artistiques et tente d’assouplir les frontières entre les zones de performance et de recherche fondamentale. Ce terrain d’exploration questionne les processus décisionnels horizontaux et déhiérarchisés tant à travers les actions artistiques et administratives, et implique les performeurs, les collaborateurs et les spectateurs dans des dialogues circulaires et décomplexés.

«Nous favorisons la mise en valeur du processus au cœur de l’action performative et ainsi souhaitons “présenter” la recherche comme un “produit artistique. À travers des événements publics de partage, le lien précieux entre l’artiste et le public prend une place centrale dans notre démarche.»

tba

10H – Micro-conférences avec Darren O’Donell et Suspended Culture*

volet pro

Programmation volet pro
jour 1

Micro-conférences

Darren O’Donell et Suspended Culture (en anglais)
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

8 février 2023
10h à 10h55

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10h : Darren O’Donell, directeur artistique de Mammalian Diving Reflex

Darren O’Donnell est urbaniste culturel, romancier, essayiste, dramaturge, cinéaste, metteur en scène et directeur artistique et fondateur de Mammalian Diving Reflex. Parmi ses livres figurent : Your Secrets Sleep with Me (2004), Social Acupuncture (2006), qui plaide pour une esthétique de l’engagement civique, et Haircuts by Children and Other Evidence for a New Social Contract (2018), qui propose le secteur culturel comme site pour expérimenter un nouveau contrat social avec les enfants. Ses œuvres de performance comprennent Haircuts by Children, All the Sex I’ve Ever Had, The Children’s Choice Awards et Teentalitarianism. Son modèle de collaboration à long terme avec les jeunes est appliqué à Londres, Bochum, Milan et Berlin. Il s’intéresse particulièrement à l’expansion et à la redéfinition du rôle que jouent les intuitions culturelles dans le monde, notamment en ce qui concerne l’engagement à long terme et les amitiés de collaboration qui s’étendent à la communauté.

Parmi ses collaborateurs institutionnels figurent les Royal Botanic Gardens Victoria, le Humboldt Forum, la Tate Modern et la Tate Britain, le West Kowloon Cultural District, le London International Festival of Theatre, la région métropolitaine de Rhin-Neckar, le Schauspielhaus Bochum et le Portland Institute of Contemporary Art.

Darren O’Donnell is an urban cultural planner, novelist, essayist, playwright, filmmaker, performance director and the Artistic and Founding Director of Mammalian Diving Reflex. His books include: Your Secrets Sleep with Me (2004), Social Acupuncture (2006), which argues for aesthetics of civic engagement, and Haircuts by Children and Other Evidence for a New Social Contract (2018), which proposes the cultural sector as a site to pilot a new social contract with children. His performance works include Haircuts by Children, All the Sex I’ve Ever Had, The Children’s Choice Awards and Teentalitarianism. His model for long-term collaboration with young people is being applied in London, Bochum, Milan and Berlin. He is particularly interested in expanding and rethinking the role that cultural intuitions play in the world, particularly around long-term engagement and collaborative friendships that extend into the community.

His institutional collaborators have included the Royal Botanic Gardens Victoria, the Humboldt Forum, the Tate Modern and Tate Britain, the West Kowloon Cultural District, the London International Festival of Theatre, the Metropolitan Region of Rhine-Neckar, the Schauspielhaus Bochum and the Portland Institute of Contemporary Art.

Mammalian Diving Reflex

Le collectif Mammalian Diving Reflex, établi en Allemagne et au Canada, considère les interventions artistiques novatrices comme un moyen de promouvoir la générosité et l’équité dans l’univers. Fondé par son directeur artistique, Darren O’Donnell, en 1993, Mammalian est un atelier de recherche et d’art dédié à l’investigation de la sphère sociale, et toujours à l’affût de contradictions à transformer en expériences esthétiquement stimulantes.

« Nous sommes un atelier de production culturelle qui crée des performances propres à un site et à une société, des productions théâtrales, des installations participatives dans des galeries, des vidéos, des objets d’art et des textes théoriques. L’ensemble des travaux de Mammalian est interconnecté, varié et dynamique, et reflète notre corpus unique et croissant de connaissances et d’expertise sur l’utilisation et la fonction de la culture.

Nous créons des œuvres qui reconnaissent la responsabilité sociale de l’art, en favorisant un dialogue entre les membres du public, entre le public et le matériel, et entre les interprètes et le public ».

Sous toutes ses formes, le travail du collectif démantèle les barrières entre les individus de tous âges et de tous milieux culturels, économiques et sociaux; il collabore avec des non-artistes et offre au public des possibilités de participation ainsi que l’option traditionnelle d’assister simplement au déroulement des événements. Que ce soit à Toronto, son port d’attache, ou dans le monde entier, sa mission est de rassembler les gens de manière nouvelle et inhabituelle, afin de créer des œuvres engageantes, stimulantes, qui amènent les gens à parler, à réfléchir et à ressentir.

Based in Germany and Canada, Mammalian Diving Reflex views innovative artistic interventions as a way to trigger generosity and equity across the universe. Founded by Artistic Director, Darren O’Donnell in 1993, Mammalian is a research-art atelier dedicated to investigating the social sphere, always on the lookout for contradictions to whip into aesthetically scintillating experiences.

“We are a culture production workshop that creates site and social-specific performances, theatre-based productions, gallery participatory gallery installations, videos, art objects and theoretical texts. Mammalian’s body of work is interconnected, varied and vibrant, reflecting our unique and growing body of knowledge and expertise on the use and function of culture. We create work that recognizes the social responsibility of art, fostering a dialogue between audience members, between the audience and the material, and between the performers and the audience.”

In all it’s forms, the company’s work dismantles barriers between individuals of all ages, cultural, economic and social backgrounds; we collaborate with non-artists, and offer both participatory opportunities for the audience as well as the traditional option of simply watching the proceedings as they unfold. It is our mission to bring people together in new and unusual ways, in Toronto, Canada, our home-base, and around the world, to create work that is engaging, challenging, and gets people talking, thinking and feeling.

10h30 : Suspended Culture

Suspended Culture est un collectif émergent d’art Noir basé à Chicago. Une Suspended Culture est une culture en pause, un mouvement interrompu, un rêve différé.

En tant que collectif de visionnaires, leur travail commun habite l’espace liminal d’un rêve. Le temps n’est plus nécessaire ici ; au contraire, le temps s’effondre dans une présence radicale en constante expansion. Dans une Suspended Culture, nous jouons. Nous répétons l’avenir et nous invitons l’amour à nous lier à ce qui nous libère.

Une culture suspendue considère l’amour comme une pratique révolutionnaire grâce à laquelle elle peut faire apparaître tout ce qui est nécessaire, et une culture suspendue existe dans une réalité alternative ancrée dans l’amour. Une Suspended Culture incarne des interprétations afro-surréalistes des futurs Noirs, embrasse l’absurde et réfléchit avec le corps. Une culture suspendue utilise le plaisir comme carte et plonge dans le portail du « Oui, et… ». Une Suspended Culture est un moment de repos !

Suspended Culture is an emerging Black art collective based in Chicago, IL. A Suspended Culture is a culture on pause, a movement interrupted, a dream deferred. As a collective of visionaries, our work together inhabits the liminal space of a dream. Time is no longer necessary here; rather, time collapses into an ever-expanding radical presence. In a Suspended Culture, we play. We rehearse the future and we invite love to bind us to what liberates us. A Suspended Culture considers love a revolutionary practice through which it can conjure anything required, and a Suspended Culture exists in an alternative reality rooted in love. A Suspended Culture embodies Afro-surreal interpretations of Black futures, embraces the absurd, and thinks with the body. A Suspended Culture uses pleasure as its map and sinks into the portal of “Yes, and…”. A Suspended Culture is a moment of rest!

11H05 – Tête-à-tête avec Olivier Arteau

volet pro

Programmation volet pro
jour 1

Tête-à-tête

Emile Beauchemin en conversation avec Olivier Arteau
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

8 février 2023 11h05 à 12h00

S'inscrire
Oliver Arteau

Olivier Arteau est un artiste de descendance coloniale blanche issu de la communauté LGBTQIA2+ qui explore l’alliage entre le kitsch, le bouffon et le tragique. Formé en théâtre au Conservatoire d’art dramatique de Québec, il est le créateur derrière Doggy dans Gravel, Made in Beautiful (La belle province), Pisser debout sans lever sa jupe et la performance de longue durée La pudeur des urinoirs. Dans le cadre de son premier grand plateau au Théâtre du Trident, il procède à une réclusion volontaire d’un mois pour saisir la soif d’absolu qui guide l’indomptable Antigone, ce qui lui vaut le Prix de la critique (Québec) pour la meilleure production. Il a également la chance de mettre en scène les textes d’Anne-Marie Olivier (Maurice) et Charles Fournier (Foreman, en collaboration avec Marie-Hélène Gendreau). Il joue dans Hope Town de Pascale Renaud-Hébert et le spectacle poétique Je me soulève orchestré par Véronique Côté et Gabrielle Côté. À l’hiver, il sera de la distribution de l’adaptation du roman N’essuie jamais de larmes sans gants mise en scène par Alexandre Fecteau au Théâtre du Trident en plus de mettre en scène le texte de David Paquet, L’éveil du printemps. En juin dernier, il est nommé à la direction artistique du Trident où il présentera sa première saison à l’automne 2023.

TBA

13H – Chantier de réflexion : Le collectif multidisciplinaire – L’approche horizontale dans la création

volet pro

Programmation volet pro
jour 1

Chantier de réflexion

Le collectif multidisciplinaire – L’approche horizontale dans la création avec le bureau de l’APA, Vénus à Vélo et Le Théâtre de l’Impie

Claudelle Houde Labrecque, Médiatrice

 
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

8 février 2023
13h à 15h50

S'inscrire
Claudelle Houde-Labrecque

Oeuvrant dans le domaine des arts vivants à Québec, Claudelle Houde Labrecque a contribué à différentes productions de théâtre ou de danse en tant que scénographe, conceptrice, performeuse et facilitatrice à la création. Elle est cofondatrice du BAM [Bouillon d’art Multi], événement qui vise la rencontre des différents milieux des arts de la scène à Québec; de la Déchiqueteuse, compagnie de théâtre de recherche; et de L’Insoutenable, collectif de création métissant danse et installation. Ses performances individuelles sont marquées par le geste répétitif et la longueur. Elles portent un regard sur la vanité de l’existence en mettant à l’épreuve le corps au service du geste. La pluralité des disciplines est caractéristique de son parcours; elle a suivi plusieurs formations en mise en scène et dramaturgie, en scénographie et en danse. Depuis 2020, elle poursuit des études en psychologie et a présenté son travail dans les congrès de la Société Québécoise pour la Recherche en Psychologie et de l’Acfas.

TBA

Bureau de l’APA

LE BUREAU DE L’APA [Québec] est un atelier de bricolage indiscipliné d’arts vivants permettant la rencontre de créateurs de tous horizons autour de projets artistiques atypiques.

TBA

Vénus à Vélo

Vénus à vélo, c’est la rencontre entre quatre artistes qui conçoivent des œuvres artistiques hybrides et sensorielles. « Nos projets explorent la notion d’intimité et se déploient par des médiums disciplinaires pluriels. En instaurant un rythme de travail favorisant l’Échange et la collaboration, nous faisons du bien-être des créateur.rice.s une valeur fondatrice de VàV. Nous croyons en l’art comme outil de réflexion sociale, forgeant des citoyen.ne.s sensibles, ouvert.e.s, doté.e.s d’une pensée mobile et exploratrice. » La compagnie est co-fondée et codirigée depuis 2019 par Maude Boutin St-Pierre, Marianne Lebel, Marilou Bois et Rosalie Cournoyer.

La jeune compagnie s’est démarquée notamment par sa première création, Fièvre, diffusée à Premier Acte à l’automne 2019. Elle développe actuellement une seconde production théâtrale, L’oeil, qui sera diffusé à Premier Acte en février 2023, en plus de produire le balado Parentèle : en quête d’une famille qui nous ressemble, qui sortira sur le web en avril 2023. Vénus à vélo s’aventurent également vers d’autres médiums artistiques par l’intermédiaire de productions en développement dans le secteur des arts littéraires et des arts visuels, en plus de bâtir un volet de médiation culturelle autour des divers projets.

TBA

Le Théâtre de l’Impie
 

Le Théâtre de l’Impie est une compagnie de création d’arts vivants féministe et anticapitaliste à la recherche d’un langage artistique affranchi d’opressions. 

Fondée en 2017 à Québec, la compagnie est constituée de

Aube Forest-Dion, Auréliane Macé et Marie Tan.

Nous plaçons le travail du corps performatif au cœur de nos œuvres dans le but de créer des objets spectaculaires incarnés et sans compromis.

​

*Par corps performatif nous entendons un corps réel, dans un espace réel.

TBA

15H30 – Micro-Conférence : Claudel Doucet et Amélie Aumont de La Serre

volet pro

Programmation volet pro
jour 1

Micro-conférence

avec Claudel Doucet  et Amélie Aumont de La Serre
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

8 février 2023
15h à 16h

S'inscrire
Claudet Doucet

Nommée en janvier 2022, Claudel apporte à LA SERRE sa perspective interdisciplinaire ancrée dans une pratique de mise en scène et de performance. Issue de la culture du cirque contemporain, Claudel est fondatrice de la compagnie de création interdisciplinaire LION LION (Coconut, FUN FUN FUN FUN FUN, Se prendre). Forte de sa longue carrière internationale, elle consacre désormais son énergie et sa créativité à soutenir et à diffuser la voix d’artistes émergents dont elle est fière de défendre la pertinence et la nécessité.

Amélie Aumont

Amélie Aumont est spécialisée en gestion, en communications et marketing, ainsi qu’en philanthropie. D’abord active dans le domaine des arts visuels, elle a été membre du conseil d’administration de Verticale, centre d’artistes, notamment en tant que présidente, et a travaillé en événementiel et communications pour Le Mois de la Photo à Montréal. Elle s’est ensuite illustrée dans le milieu des arts vivants en occupant le poste de responsable des partenariats au Festival TransAmériques. Elle travaille depuis 2016 pour LA SERRE – arts vivants qui produit entre autres le festival OFFTA et agit depuis l’automne 2021 comme directrice communications & philanthropie et codirectrice générale de l’organisme. Amélie détient un baccalauréat en arts visuels de l’UQAM et est titulaire d’un DESS en gestion d’organismes culturels de HEC Montréal. Elle siège également au conseil d’administration des Conversations philanthropiques en culture dont elle est cofondatrice.

16H – Fenêtre sur l’international Avec Paula Perissinotto de FILE festival et Eduard Solaz de Iklektik*

volet pro

Programmation volet pro
jour 1

Fenêtre sur l’international

Avec Paula Perissinotto du FILE festival et Eduard Solaz de Iklektik (en anglais)
Lieu

Présenté à l’Espace 400e – 3e étage

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Possibilité d’y assister en ligne sur la plateforme Zoom

Date

8 février 2023
16h à 17h

S'inscrire

Les blocs nommés « Fenêtre sur l’international » permettent au public du volet professionnel de faire connaissance avec un organisme artistiquement proche des Productions Recto-Verso et du Mois Multi et qui se situe à l’international.

Vous rêvez de voyager dans des contextes d’immersions, de réseautage tout en prenant le temps pour vos recherches ? Prenez connaissance des programmes internationaux du Calq et venez poser vos questions sans détours ! Des environnements stimulants et des équipes d’accueils bienveillantes vous attendent partout sur la planète !

16h – Avec Paula Perissinotto, File Festival

Cofondatrice et organisatrice du FILE FESTIVAL.

Spécialisé dans les nouveaux médias, l’art contemporain et la culture numérique.

Depuis 2000, elle est cofondatrice, organisatroce et co-commissaire du FILE International Festival of Electronic Language, une organisation culturelle à but non lucratif, qui promeut et encourage les productions esthétiques et culturelles liées à la nouvelle poétique de la culture contemporaine. Actuellement, elle est étudiante en doctorat à l’Université de São Paulo, École des communications et des arts | ECA, en poétique visuelle. Membre du groupe de recherche Realidades, officiellement lié à l’école de communication et d’arts et au département d’arts visuels, ECA / USP.

FILE – Electronic Language International Festival est un projet international brésilien. Depuis 22 ans, il produit et promeut des expositions d’art électronique et contemporain dans tout le Brésil et compte parmi les plus grands événements d’art électronique d’Amérique latine. L’exposition FILE a pour but d’inviter le public à s’engager dans des formes d’art expérimentales qui sont considérées comme étant à la limite de notre conception de ce que l’art peut être. Elle présente des œuvres artistiques issues de différents domaines de la culture dans son registre contemporain et ne se limite à aucun type de régionalisme ou de nationalité. archive.file.org.br / file.org.br

Co-founder and organizer of FILE FESTIVAL

Specializes in new media, contemporary art and digital culture.

Since 2000 has been co-founder, organizer and co-curator of FILE International Festival of Electronic Language, a non-profit cultural organization, that promotes and encourages aesthetic and cultural productions related to the new poetics of contemporary culture. Currently is a PHD student at the University of São Paulo, School of Communications and Arts | ECA, in Visual Poetics. Member of the Realidades Research Group formally linked to the School of Communications and Arts and the Department of Visual Arts, ECA / USP.

FILE – Electronic Language International Festival is an international Brazilian project, and for the last 22 years has been producing and promoting exhibitions of electronic and contemporary art for venues throughout Brazil and it is among the  largest electronic art events in Latin America. The FILE exhibition aims to invite the public to engage with experimental art forms that are considered to be bordering our conception of what art can be. It presents artistic works from different areas of culture in its contemporary register and is not restricted to any type of regionalism or nationality. archive.file.org.br / file.org.br

16h30 – Avec  Eduad Solaz de Iklektik

Eduard Solaz est un artiste et un commissaire d’exposition originaire de Barcelone. En 2013, il a obtenu sa licence en beaux-arts à The Cass, London Metropolitan University, où il a reçu le Cass Alumni Award. Solaz en tant que curateur indépendant a fondé IKLECTIK en 2014, un espace créatif dédié à la présentation de l’art contemporain et expérimental, de la musique, de la technologie et de la pratique critique.

Il organise un programme dynamique pour catalyser l’éducation, la croissance et la transformation pour la communauté locale et le grand public, en développant IKLECTIK comme un laboratoire artistique de recherche. Depuis 2014, IKLECTIK a coproduit et co-construit plus de 1500 événements, notamment des concerts, des performances, des expositions, des ateliers et des conférences.

IKLECTIK est une plateforme créative autofinancée fondée en 2014 qui présente l’art contemporain, la musique expérimentale et la pratique critique artistique.

Notre objectif est de nous concentrer sur l’expérimentation dans les arts, l’art sonore, l’installation et les œuvres interdisciplinaires. Nous voulons développer notre espace en tant que laboratoire artistique de recherche où les lignes interdisciplinaires peuvent se chevaucher pour créer des projets qui explorent les processus et les techniques, abordent des questions sociales, politiques, culturelles et critiques.

Nous avons un programme dynamique qui présente des ateliers, des résidences artistiques, des conférences, des tables rondes, des projections, des événements sonores et musicaux, des performances et des lectures afin de catalyser l’éducation, la croissance et la transformation de la communauté locale et du grand public.

IKLECTIK est une société d’intérêt communautaire (CIC) à but non lucratif depuis 2018.

https://iklectikartlab.com/

Eduard Solaz is an artist and curator from Barcelona. In 2013 he obtained his Fine Art BA at The Cass, London Metropolitan University, where he received the Cass Alumni Award. Solaz as independent curator founded IKLECTIK in 2014, a creative space dedicated to showcase contemporary and experimental art, music, technology and critical practice.

He curates a dynamic programme to catalyse education, growth and transformation for the local community and general public, expanding IKLECTIK as a research arts lab. Since 2014 IKLECTIK has co-produced and co-curated more than 1500 events including concerts, performances, exhibitions, workshops and talks.

IKLECTIK is a self-funded creative platform founded in 2014 that showcases contemporary art, experimental music and artistic critical practice.

Our aim is to focus on experimentation in arts, sound art, installation and cross disciplinary works. We want to expand our space as a research arts laboratory where inter-disciplinary lines can overlap to create projects that explore processes and techniques, address social, political, cultural and critical issues.

We have a dynamic program that presents workshops, art residencies, lectures, panel discussions, screenings, sound & music events, performances and readings to catalyze education, growth and transformation for the local community and the greater public.

IKLECTIK is a non-profit community interest company (CIC) since 2018.

https://iklectikartlab.com/

l’espace suspendu

l’espace suspendu

une création des Productions Recto-Verso

Programmation 2023
Parcours extérieurs
Artistes participants

Carol-Ann Belzil-Normand et Ludovic Boney

Genre

Oeuvres en réalité augmentée

Informations 

Disponible en tout temps à partir du 1er février

Télécharger l'application / android
Télécharger l'application / apple
Lieux

YMCA Saint-Roch
Terrasse de la Côte d’Abraham

Présenté en collaboration avec le YMCA et Méduse

Description

L’Espace suspendu est un parcours d’œuvres flottantes en milieu urbain qui se révèlent à travers la réalité augmentée. Les œuvres invisibles à l’œil nu sont de véritables surprises à découvrir à travers votre appareil intelligent le temps d’une balade dans les environs du quartier St-Roch. Le parcours est pensé et créé dans le but de se réapproprier des espaces qui se sont transformés ces dernières années. Les Productions Recto-Verso vous proposent d’aller à la découverte d’œuvres originales qui forment en quelque sorte un écosystème artistique parallèle au cœur de la basse-ville.

DÉCOUVREZ L’INVISIBLE !

Rendre visible par Carol-Ann Belzil-Normand (YMCA Saint-Roch)

« Rendre visible » est un projet ouvert qui s’intéresse au corps féminin en relation avec l’architecture. Il s’agit d’une œuvre en réalité augmentée faisant acte de présence sensible dans le quartier Saint-Roch.  Le corps féminin représenté dans l’application occupe l’espace architectural de manière résolue, totale, et devient de ce fait une manifestation positive de la présence du féminin dans la ville. Comme le mentionne Leslie Kern « […] les corps des femmes sont souvent compromis comme étant la cause ou le symptôme des problèmes urbains.[1] » Dans ce cas-ci, le corps féminin se manifeste de manière inattendue puisque le rapport à l’échelle de l’œuvre en correspondance avec l’architecture prend un sens particulier. À l’encontre de la verticalité des bâtiments, l’horizontalité du corps embrasse le sol. Il s’agit d’un rapport corporel à l’horizontal qui permet une relation porteuse de sens avec l’espace de circulation piétonnière et avec l’architecture du YMCA. Cette œuvre se veut un questionnement sur les inégalités sociales et technologiques au sein même de son utilisation et de sa présence au quotidien en relation avec l’urbanité. Le but de cette recherche est de mettre de l’avant l’agentivité de la femme dans le contexte urbain par une présence à la fois visible et invisible. Un paradoxe s’installe entre la technologie et le contexte dans lequel l’œuvre est présentée. Le corps est visible avec l’application et invisible sans dispositif technologique. Néanmoins, même invisible, l’œuvre existe sous une forme informationnelle et intentionnelle.

[1]    Leslie Kern, Ville féministe : Notes de terrain, Montréal, Éditions du remue-ménage, 2022, p. 13.

Fonction chromatique par Ludovic Boney (Terrasse de la Côte d’Abraham)

Fonction chromatique propose des formes et des idées reconnaissables, mais difficiles, voire impossibles à catégoriser.  Deux rouleaux recouverts d’écailles de couleurs sont suspendus par des câbles, soutenus par une structure en aluminium aux allures énigmatiques. L’ensemble intrigue par l’expression de rôles et de fonctions qui sont étrangères et indéchiffrables.

L’œuvre est une composition technique et architecturale. Elle reprend l’essentiel des préoccupations de l’artiste en sculpture monumentale où les contraintes matérielles et techniques sont une partie intégrante du concept artistique. C’est à partir du matériel, de ses qualités mécaniques et esthétiques, et par la composition des assemblages, que la sculpture s’incarne, prend forme, et trouve son sens d’œuvre d’art. Avec la réalité augmentée l’œuvre spatiale prend un tout autre sens avec des possibilités cinétiques inédites et inusitées.

Les structures en aluminium aux formes et aux lignes élégantes forment un gréage étonnant. Leur composition déjantée ajoute à cette impression d’équilibre précaire, mais avec un flegme assumé et essentiel.

Fonction chromatique semble appartenir à un système en provenance d’un autre monde : un espace formel étranger et onirique fonctionnant avec ses propres codes, sa propre sémantique. De ces deux appareils monolithiques, construits et assemblés tel un jeu de mécano, il se dégage une sorte de sérénité, de sagesse.

L’Espace suspendu (Hanging space) is a series of floating artworks displayed in the urban environment through augmented reality. The artworks, invisible to the naked eye, are real surprises to be discovered through your smart device during a walk around the St-Roch district. The route is designed and created with the purpose of reappropriating spaces that have been transformed in recent years. Recto-Verso Productions invites you to discover original artworks that form a sort of parallel artistic ecosystem in the heart of the downtown area.

UNCOVER THE INVISIBLE.

Rendre visible by Carol-Ann Belzil-Normand (YMCA Saint-Roch)

Rendre visible is an open project that focuses on the female body in relation to architecture. It is an artwork in augmented reality that acts as a sensitive presence in the Saint-Roch district.  The female body represented in the application occupies the architectural space in a resolute, total way, and thus becomes a positive manifestation of the feminine presence in the city. As Leslie Kern mentions « […] women’s bodies are often compromised as the cause or symptom of urban problems. »(1) In this case, the female body manifests itself in unexpected ways as the relation between the scale of the artwork and the architecture takes on a particular meaning. In contrast to the verticality of the buildings, the horizontality of the body embraces the ground. It is a bodily relationship to the horizontal that allows for a meaningful relationship with the space of pedestrian traffic and the architecture of the YMCA. This work is a questioning of the social and technological inequalities within its use and its presence in everyday life in relation to urbanity. The aim of this research is to put forward the agency of women in the urban context through a presence that is both visible and invisible. There is a paradox between the technology and the context in which the artwork is presented. The body is visible through the application and invisible without the technological device. Nevertheless, even if invisible, the artwork exists in an informational and intentional form.

[1]    Leslie Kern, Ville féministe : Notes de terrain, Montréal, Éditions du remue-ménage, 2022, p. 13.

Fonction Chromatique by Ludovic Boney (Terrasse de la Côte d’Abraham)

Fonction chromatique proposes forms and ideas that are recognizable, but difficult if not impossible to categorize.  Two rollers covered with colorful scales are suspended by cables, supported by an enigmatic-looking aluminum structure. The ensemble intrigues by the expression of roles and functions that are foreign and indecipherable.

The artwork is a technical and architectural composition. It takes up the essence of Boney’s preoccupations in monumental sculpture where material and technical constraints are an integral part of the artistic concept. It is from the material, its mechanical and aesthetic qualities, and by the composition of the assemblies, that the sculpture is embodied, takes shape, and finds its meaning of work of art. With augmented reality, the spatial work takes on a whole new meaning with new and unusual kinetic possibilities.

The aluminum structures with their elegant shapes and lines form an amazing rigging. Their crazy composition adds to this impression of precarious balance, but with an assumed and essential composure.

Fonction chromatique seems to belong to a system coming from another world: a foreign and dreamlike formal space functioning with its own codes, its own semantics. From these two monolithic devices, built and assembled like a meccano game, a kind of serenity and wisdom emerges.

 

Crédits

Production : Les Productions Recto-Verso et ALTKEY

Idéation et direction artistique : Emile Beauchemin et Mélanie Bédard

Graphisme de l’application : Catherine Lemieux

Conception sonore : Millimetrik

Production: Les Productions Recto-Verso and ALTKEY

Concept and art direction : Emile Beauchemin and Mélanie Bédard

Graphic design of the app: Catherine Lemieux

Sound design: Millimetrik

Biographies

Carol-Ann Belzil-Normand vit et travaille à Québec. Elle poursuit ses études au doctorat en littérature et arts de la scène et de l’écran à l’Université Laval. Dans sa recherche, elle s’intéresse au concept de frivolité comme approche méthodologique sensible et humoristique à travers le cinéma d’animation. Belzil-Normand a effectué des résidences de création et participé à des expositions collectives dans plusieurs centres d’artistes au Québec. Son travail a été mis à l’honneur lors d’expositions individuelles à Arprim, l’Atelier Presse-Papier, La Bande Vidéo, Caravansérail, la Galerie R3 et l’Oeil de Poisson. Elle a diffusé ses films d’animation lors de nombreux festivals locaux et internationaux. De plus, elle est l’autrice de deux recueils de poésie, soit Sanités (Moult Éditions, 2020) et PUSSY GHOST (Écrits des Forges, 2021).

Ludovic Boney est originaire de Wendake (Québec).

À sa sortie de l’École des métiers d’arts de Québec en 2002, il fonde le Bloc 5 – atelier de production artistique – en compagnie de quatre artistes. Il y travaille et réalise ses premiers projets d’art public en son nom, mais également en collaboration avec de multiples artistes.

Depuis 2006, il œuvre sur des projets d’art public de grande envergure et présente son travail régulièrement en galerie ou dans les centres d’artistes. Il a récemment présenté ses œuvres au Musée McCord de Montréal et à TRUCK Contemporary Art de Calgary.

Parmi ses dernières réalisations marquantes en art public, on note Réaction en chaîne installée à l’École de Technologie Supérieur de Montréal (2019), Les Arches d’entente au Musée de la Civilisation de Québec (2019), et son imposante Cosmologie sans genèse au Musée National des Beaux-Arts du Québec (2016).

En 2022, il installera sa plus grande œuvre intérieure, Théâtralité contextuelle qui se déploiera en suspension sur plus de 4 étages au nouveau HEC de Montréal.

Ses œuvres font partie de plusieurs collections publiques et privées.

Carol-Ann Belzil-Normand lives and works in Quebec City. She is pursuing her doctoral studies in literature and performing and screen arts at Université Laval. In her research, she is interested in the concept of frivolity as a sensitive and humorous methodological approach through animation. The artist has completed creative residencies and participated in group exhibitions in several artist-run centers in Quebec. Her work has been featured in solo exhibitions at Arprim, Atelier Presse-Papier, La Bande Vidéo, Caravansérail, Galerie R3 and Oeil de Poisson. She has shown her animated films at numerous local and international festivals. She is also the author of two collections of poetry, Sanités (Moult Éditions, 2020) and PUSSY GHOST (Écrits des Forges, 2021).

Ludovic Boney is originally from Wendake, Quebec.

After graduating from l’École des métiers d’arts de Québec in 2002, he founded Bloc 5 – an artistic production workshop – with four other artists. He worked there and created his first public art projects as a solo artist but also in collaboration with multiple artists.

Since 2006, he has been working on large-scale public art projects and regularly presents his work in galleries and artist-run centers. He recently presented his work at the McCord Museum in Montreal and at TRUCK Contemporary Art in Calgary.

His most recent and notable public art projects include Chain Reaction installed at the École de Technologie Supérieur de Montréal (2019), Les Arches d’entente at the Musée de la Civilisation de Québec (2019), and his imposing Cosmologie sans genèse at the Musée National des Beaux-Arts du Québec (2016).

In 2022, he will install his largest indoor work, Théâtralité contextuelle, which will be suspended. It will spread across 4 floors at the new HEC in Montreal.

His artworks are part of several public and private collections.

mobilité réduite

La majorité de nos espaces sont accessibles aux personnes ayant une mobilité réduite. Pour toutes questions: billetterie@recto-verso.org ou (581) 748 3827. Pour The Storyville Mosquito présenté au Diamant, contactez billetterie@lediamant.ca.

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