La Charpente des fauves est un espace de recherche, création et diffusion pour les arts vivants et visuels à Québec.

La Charpente est un lieu d’accueil pour les créateur·trice·s émergent·e·s ou établi·e·s, elle porte à ébullition des processus de recherche, d’exploration ou de dépassement des frontières disciplinaires. Environnement aux fonctions hybrides sur environ 14 000 pc, la Charpente est composée d’une boîte noire à géométrie variable, une galerie, une facade numérique, des espaces de répétition et de co-travail, un studio de son, un atelier de construction, un atelier de fabrication, sans compter un inventaire technique en lumière, son, vidéo et divers outils informatique qui sont mis à la dispositions de sa communauté. En plus de sa programmation, la charpente héberge des activités de formation, des événements, des festivals ainsi que des services ponctuels. Décidée à mettre en valeur une pluralité et une diversité de voix, La Charpente des fauves est un point de rencontre pour les artistes de tout horizon et leurs publics.

Constitué en 2018, le Théâtre indépendant est un collectif interdisciplinaire à géométrie variable dont le noyau est formé d’artistes queers œuvrant dans le domaine des arts vivants. Notre collectif est composé de JJ Houle (Mise en scène, École nationale de théâtre du Canada, 2020), Charles Voyer (Conservatoire d’art dramatique de Montréal, 2018), Léo Gaudreault (Baccalauréat en arts visuels et médiatiques, Université du Québec à Montréal, 2019), Flavie Lemée (Production, École nationale de théâtre du Canada, 2019) et Antoine Racine (M.F.A. Concordia University, 2022). Le collectif a réalisé à ce jour deux créations : Quartett solo, présenté à ZH Festival et au théâtre Prospero et Le gardien des enfants, présenté au OFFTA et au théâtre Prospero. En plus de prévoir la tournée canadienne et européenne de cette dernière pièce, le collectif travaille sur la création d’Extérieur / Nuit prévu pour 2025. Depuis 2023, le Théâtre indépendant bénéficie également de l’appui de LA SERRE – arts vivants pour la production déléguée de leurs créations.

Formed in 2018, the Independent Theater is an interdisciplinary collective whose core is made up of queer artists working in the performing arts : JJ Houle (Direction, National Theatre School of Canada, 2020), Charles Voyer (Acting, Conservatoire d’art dramatique de Montréal, 2018), Léo Gaudreault (B.A. in Visual and Media Arts, Université du Québec à Montréal, 2019), Flavie Lemée (Production, National Theatre School of Canada, 2019) and Antoine Racine (M.F.A. Concordia University, 2022). So far, the collective has produced two new works: ‘‘Quartett solo’’, presented at ZH Festival and Théâtre Prospero, and ‘‘Le gardien des enfants’’ (‘‘The Children’s Keeper’’), presented at OFFTA and Théâtre Prospero. In addition to planning the Canadian and European tour of the latter piece, the collective is working on the creation of Extérieur / nuit», scheduled for 2025. Since 2023, Théâtre indépendant has also benefited from the support of LA SERRE – arts vivants for the delegated production of their creations.

Julie Artacho

Après des études en théâtre au collégial, c’est vers la photographie que Julie Artacho se tourne. Depuis maintenant 18 ans, elle travaille comme photographe à Montréal. Féministe, elle développe ses projets personnels autour de la place des femmes en arts, de la culture du viol, de la diversité corporelle et de la grossophobie. Ses portraits d’artistes ont été publiés dans les revues québécoises ELLE Québec, JEU, magazine VÉRO, Clin d’œil et Châtelaine ainsi que dans des magazines internationaux comme ELLE France et Le Vif (Belgique). Son travail photographique a retenu l’attention des médias en 2015 alors qu’elle a diffusé une série d’autoportraits nus qui la mettaient en scène avec un amoureux, offrant une réflexion sensible sur la perception de la sexualité et des corps des personnes grosses.

Elle est fréquemment invitée dans les médias pour prendre position sur différents sujets; on a pu l’entendre, la voir et la lire à Radio-Canada, TVA, Télé-Québec, Rouge FM, Urbania, Vice, Métro et La Presse+. Elle a participé aux webséries Les patronnes et Les Brutes, aux séries À Huis Clos (de la youtubeuse Camille Ingels-Fortier), Sans filtre et Courrier recommandé (de Urbania) et aux podcasts Entre filles, Tout le monde s’haït et Sexe oral. Elle est aussi invitée à des panels et à des conférences organisées par ANEB – Anorexie et boulimie Québec, Les Sommets Jack, Journée UNIS, le Festival Mode + Design. Elle a écrit des textes pour les livres Sous la ceinture : unis pour vaincre la culture du viol publié aux Éditions Québec Amérique (2016) et Libérer la culotte publié aux Éditions du remue-ménage (2018). 

En 2018, elle participe comme créatrice à l’événement NICE TRY, tandis qu’en 2019 elle présente son premier spectacle au festival ZH, lui faisant réaliser qu’elle ne veut plus se limiter à certains médiums pour prendre la parole. Après des années à photographier des artistes de la scène, elle a envie, elle aussi, d’y être. C’est alors qu’elle commence également à s’exprimer sur scène, une première fois dans le cadre du Cabaret des sorcières, un projet de Judith Lussier (2021), au Cabaret féministe pas gentil du tout du Festival Phénomena (2022) et au cabaret F*ck ta grossophobie du festival Zoofest (2023).

Julie Artacho

After studying theater in college, Julie Artacho turned to photography. For the past 18 years, she has been working as a photographer in Montreal. A feminist, her personal projects revolve around the place of women in the arts, rape culture, body diversity and fatphobia. Her portraits of artists have been published in ELLE Québec, JEU, VÉRO magazine, Clin d’œil and Châtelaine, as well as in international magazines such as ELLE France and Le Vif (Belgium). Her photographic work attracted media attention in 2015 when she released a series of nude self-portraits featuring her with a lover, offering a sensitive reflection on the perception of sexuality and fat bodies.

She is frequently invited by the media to take a stand on various subjects; she has been heard, seen and read on Radio-Canada, TVA, Télé-Québec, Rouge FM, Urbania, Vice, Métro and La Presse+. She has taken part in the web series Les patronnes and Les Brutes, the series À Huis Clos (by youtuber Camille Ingels-Fortier), Sans filtre and Courrier recommandé (by Urbania) and the podcasts Entre filles, Tout le monde s’haït and Sexe oral. She is also a guest on panels and at conferences organized by ANEB – Anorexia et boulimie Québec, Les Sommets Jack, Journée UNIS and the Festival Mode + Design. She wrote texts for the books Sous la ceinture : unis pour vaincre la culture du viol published by Éditions Québec Amérique (2016) and Libérer la culotte published by Éditions du remue-ménage (2018).

In 2018, she took part as a creator in the NICE TRY event, while in 2019 she presented her first show at the ZH festival, making her realize that she no longer wanted to limit herself to certain mediums in order to speak out. After years of photographing performing artists, she wanted to be part of it too. She also began to express herself on stage, first as part of Judith Lussier’s Cabaret des sorcières (2021), at Festival Phénomena’s Cabaret féministe pas gentil du tout (2022) and at Zoofest’s F*ck ta grossophobie (2023).

Patrick Blenkarn et Milton Lim

Tous deux établis à Vancouver et rayonnants à l’international, Patrick Blenkarn et Milton Lim sont des artistes interdisciplinaires dont la pratique est axée sur la recherche et la création d’expériences conceptuelles et ludiques. Leurs projets communs et individuels explorent la notion d’art participatif, immersif et interactif, et s’intéressent à la valeur sociale de l’art, à la place du travail dans un monde numérique, aux différentes formes de discours ainsi qu’au potentiel politique et artistique du jeu. Ils sont les cocréateurs de culturecapital (culturecapital.cards), un jeu de cartes à collectionner et un projet de performance sur l’économie des arts de la scène au Canada, et de videocan (videocan.ca), une plateforme en ligne d’archives vidéo de performances canadiennes.

Patrick Blenkarn et Milton Lim

Both Vancouver-based and internationally renowned, Patrick Blenkarn and Milton Lim are interdisciplinary artists whose practice focuses on research and the creation of conceptual and playful experiences. Their joint and individual projects explore the notion of participatory, immersive and interactive art, and are concerned with the social value of art, the place of work in a digital world, different forms of discourse, and the political and artistic potential of play. They are the co-creators of culturecapital (culturecapital.cards), a trading card game and performance project about the economy of the performing arts in Canada, and videocan (videocan.ca), an online platform for Canadian performance video archives.

Mélanie Demers

Artiste multidisciplinaire, Mélanie Demers fonde à Montréal la compagnie MAYDAY en 2007, explorant le lien puissant entre le poétique et le politique. Sa fascination pour l’interaction entre le mot et le geste se cristallise avec la pièce WOULD (2015), qui remporte le prix du CALQ de la meilleure œuvre chorégraphique.

Après le succès de l’ambitieux projet Danse Mutante (2019), elle entame un nouveau cycle de création avec les œuvres La Goddam Voie Lactée (2021), Confession Publique (2021) et Cabaret Noir (2022) qui sont toutes diffusées dans des lieux et festivals prestigieux. En 2021, Mélanie Demers reçoit le GRAND PRIX de la danse de Montréal qui reconnaît la marque unique qu’elle laisse sur son époque. L’année suivante, elle reçoit le prix du CALQ de la meilleure œuvre chorégraphique pour Confession Publique.

Enfin, elle se tourne vers le théâtre et met en scène la pièce Déclarations de l’auteur acclamé Jordan Tannahill, et est finaliste du prix Jovette-Marchessault. En 2024, Mélanie Demers cocréée Affaires intérieures et y joue sur les planches du Théâtre ESPACE GO. Elle devient également lauréate du prix du CNA dans le cadre des Prix du Gouverneur général pour les arts du spectacle.

À ce jour, elle a chorégraphié trente pièces qui ont été présentées dans une quarantaine de villes d’Europe, d’Amérique, d’Afrique et d’Asie.

Mélanie Demers

Multidisciplinary artist Mélanie Demers founded the MAYDAY company in Montreal in 2007, exploring the powerful connection between the poetic and the political. Her fascination with the interaction between word and gesture crystallized with the piece WOULD (2015), which won the CALQ award for best choreographic work.

Following the success of the ambitious Danse Mutante project (2019), she embarks on a new creative cycle with the works La Goddam Voie Lactée (2021), Confession Publique (2021) and Cabaret Noir (2022), all of which are presented at prestigious venues and festivals. In 2021, Mélanie Demers receives the GRAND PRIX de la danse de Montréal in recognition of the unique mark she leaves on her era. The following year, she received the CALQ award for best choreographic work for Confession Publique.

Finally, she turned to theater, directing Déclarations by acclaimed playwright Jordan Tannahill, and was a finalist for the Prix Jovette-Marchessault. In 2024, Mélanie Demers co-created Affaires intérieures and performed it at Théâtre ESPACE GO. She also won the NAC Award as part of the Governor General’s Performing Arts Awards.

Depuis plus de 20 ans, le Bureau de l’APA fabrique des créations artistiques multiformes. Nous nous intéressons à la façon de mettre les choses bout à bout et à faire en sorte que ça marche ensemble.

Les projets du Bureau de l’APA se déclinent de manières inattendues selon ce que nous voulons dire, montrer et démontrer. D’un projet à l’autre, nous tentons de demeurer au service d’une intention affranchie des exigences liées au travail disciplinaire puisque nous ne devons pas évoluer en vase clos. Il faut peut-être partir à la recherche de solutions hors-pistes et laisser tomber les notions de virtuosité et de compétences. Les conclusions et les résultats émergent d’eux-mêmes à force d’improvisation et d’adaptation aux circonstances.

 L’APA veut déjouer, défaire et dédire.

« Il ne faut pas croire tout ce que l’on pense. »

For over 20 years, the Bureau de l’APA has been making multi-faceted artistic creations. We’re interested in putting things together and making them work.

Bureau de l’APA projects take on unexpected forms, depending on what we want to say, show and demonstrate. From one project to the next, we try to remain at the service of an intention freed from the demands of disciplinary work, since we must not evolve in a self-contained environment. We may have to go off-track in search of solutions, abandoning notions of virtuosity and skill. Conclusions and results emerge from improvisation and adaptation to circumstances.

APA aims to thwart, undo and disprove.
“Don’t believe everything you think”.

Le metteur en scène Philippe Cyr détient un baccalauréat et une maîtrise de l’École supérieure de théâtre de l’UQAM. En 2012, il fonde l’Homme allumette, dont il est depuis le directeur général et artistique. Vouée à la création contemporaine, cette compagnie axe son travail autour de l’idée de la transgression et cherche notamment à nommer, raconter et définir les angles morts de notre condition. On compte parmi ses créations Selfie (CTD’A, 2015) de Sarah Berthiaume, Le brasier (CTD’A, 2016, puis en tournée) de David Paquet, Le iShow (Usine C, 2013 — Prix de la meilleure production théâtrale de l’AQCT), J’aime Hydro (FTA, 2016, puis en tournée — Prix de la meilleure production à Montréal de l’AQCT), Le poids des fourmis (Denise-Pelletier, 2019 et 2024), Corps titan (titre de survie) (CTD’A, 2021 et 2022) et Atteintes à sa vie (Usine C, 2022). Enfin, au printemps 2023, il a monté Insoutenables longues étreintes au Théâtre Prospero. Ce spectacle connaît un grand succès et remporte lui aussi le Prix de la meilleure production à Montréal de l’AQCT (2023). La pièce est reprise la saison suivante, pour un total de 36 représentations à guichet fermé. Philippe Cyr assume la codirection générale et la direction artistique du Théâtre Prospero depuis août 2021.

Safia Nolin se voit comme un être politique en soi, de par les combats qu’elle mène, les sujets qu’elle aborde et l’apparence qu’elle présente. Perçue comme difforme de par sa condition de femme racisée ouvertement lesbienne qui ne répond pas aux schémas dits féminins inculqués depuis des siècles, elle préfère épouser cette image dissonante, plutôt que de répondre à ce qu’elle n’est pas en s’adaptant aux idéaux néfastes. L’autrice-compositrice-interprète a fait paraître Limoilou (2015), Reprises vol 1. (2016) et vol. 2 (2019), Dans le noir (2018) et SEUM (2021). Elle a également créé de nombreux autres mini-albums et singles, dont le duo Mélancolie avec Patrick Watson et sa récente ballade anglophone Carrie, dont elle a assuré elle-même la direction artistique. Elle a été nommée Révélation de l’année au Gala de l’ADISQ en 2016, puis Interprète féminine de l’année suivante. Elle a également été sélectionnée sur la longue liste du Prix de musique Polaris, le prestigieux Prix Félix-Leclerc de la chanson et le Prix Révélation de la SOCAN. Également artiste textile, elle crée des oeuvres de crochet sous le nom de Gladiateur sourire.

Comme ses identités, la pratique artistique de Natalie est métissée. Co-directrice artistique de Spoken word Québec, elle a été finaliste du prix Artiste de la relève de la Capitale Nationale en 2023. Par ailleurs, elle participé à la création de plusieurs projets théâtraux dont Titre(s) de travail (Périscope, 2022), On sentait déjà la dynamite (Premier Acte, 2022) et .ES – chapitre 1 – soi, ce dernier finaliste du Prix CALQ – oeuvre de la relève de la Capitale Nationale en 20-21. En 24-25, elle présentera sa mise en scène Pistes…, en co-diffusion entre Premier-Acte et le Mois Multi. En tant qu’interprète, Natalie a notamment fait partie de la distribution de Là où je me terre (La Bordée, 2023), Les Muses orphelines (La Bordée, 2022) et Le réveil des oiselles (Carrefour international de théâtre 2022 et 2023), en plus de jouer un premier rôle dans la saison 2 de Le temps de framboises (TVA, 2024).  À l’été 2024, son premier long-métrage documentaire Au pire ça sera ça entame sa carrière en sélection officielle au Festival Les Percéides. En arts littéraires, Natalie a dirigé et participé à la création de plusieurs objets scéniques et audiovisuels, dont Le Vieil homme et la mer (Québec en toutes lettres, 2023), en plus d’avoir publié dans quelques recueils collectifs, dont Épidermes (Somme Toute, 2021) et Cinq éclats de siècles au féminin (Somme Toute, 2023).

Head in flames – Christian Lapointe

En 2004, alors qu’il déambulait à vélo, le cinéaste Theo van Gogh, l’arrière petit neveu du célèbre peintre hollandais, se fait tuer froidement en pleine rue à Amsterdam par Mohammed Bouyeri. Le meurtrier s’en prend à lui en représailles au film Submission que Theo van Gogh réalise, écrit par Ayaan Hirsi Ali. En 2011, l’auteur américain Lance Olsen rédige un livre (Head in flames) à trois voix, le meurtrier, le réalisateur et le peintre Vincent Van Gogh, dans un « oratorio » mettant en relation ces trois figures. L’auteur place le peintre avant son suicide et les deux autres figures au moment du meurtre. L’écrivain se sert de citations des trois hommes pour mettre en perspective la culture de la violence que génère toutes les intolérances. À l’aide d’un dispositif d’hypertrucage (deepfake), l’artiste Christian Lapointe donne corps à la partition de Olsen et « ressuscite » les protagonistes dans une installation filmique où il interprète lui-même ces trois personnages historiques clivants.

Unsplash – Étienne Tremblay-Tardif

Unsplash est une banque d’images, l’une des premières à offrir en ligne des photographies haute définition gratuites. Crée en 2013 par l’entrepreneur montréalais Mikael Cho, elle compte aujourd’hui plus de trois millions d’images offertes sous une licence en permettant la reproduction à des fins commerciales ou autres. Cette start-up fût le fer de lance du projet Crew Collective, un marché de graphistes, webmestres et autres mercenaires créatifs niché au cœur du grand lobby désaffecté de la Tour de la Banque Royale — un espace opérant comme lieu de cotravail et de réseautage sous le nom de Crew Café.

Étienne Tremblay-Tardif répond à l’injonction créative d’Unsplash et développe un essai visuel mettant en circulation les images qu’il y collecte, les révélant ainsi comme la forme de monnaie qu’elles sont. Il déploie cette archive dynamique de photographies-stock, qui brouille la frontière entre la banque d’images commerciale et la collection institutionnelle, afin d’en délimiter les principes et discours, puis d’en proposer le récit. Le réseau d’images numériques est ainsi soumis à des processus de découpage, de montage et de séquençage qui en forcent l’ouverture; qui retracent les contours de l’archive contingente qui se présente sinon comme un double délocalisé et gratuitement téléchargeable du monde (animaux exotiques, paysages époustouflants, portables MacBook et tutti quanti).

Point de départ – George Félicité

La présentation de cet artiste est rendue possible grâce à un partenariat avec Chroniques – la biennale des arts numériques d’Aix-en-provence!

la performance Point de départ est pensée comme une itinérance entre des lieux, qui se font douleur, mais aussi transformation : de la rupture, au souvenir et à la mémoire, de l’entre-deux  et au retour à soi. En passant de la vidéo à la musique, George Félicité explore avec empathie le poids du trauma transgénérationnel au sein de sa propre famille biologique. Colonisation, esclavage, pauvreté, exploitation au travail, haine envers la féminité et les amours dissidentes sont les mêmes racines d’un nœud qui divise beaucoup de foyers. « Mais avant de s’arracher, il faut faire face aux doutes, aux remises en question, aux interrogations. Il faut récolter en soi les morceaux «épars-pillés» de son identité, de son amour pour soi. Peser le pour et le contre, reconnaître l’inacceptable jusque là déguisé en habits flatteurs de “nous”, de coutumes, de normes et de morale. Il reste alors l’intuitive décision de partir vers un ailleurs plus accueillant et porteur de possibles existences, lumineuses et chaleureuses. »

Homeostasis – Ida Toninato et Pierre-Luc Lecours

Pierre-Luc Lecours et Ida Toninato réunissent les mondes acoustique et électronique par la rencontre du saxophone baryton, du synthétiseur modulaire et de vidéo générée en temps réel.

Influencés par les concepts d’équilibre, d’écologie et de l’harmonie résultant de la séquence de Fibonacci, ils explorent l’intersection de la nature et de l’humanité pour créer leur deuxième spectacle complet, Homeostasis.

Ce spectacle présente les interprètes comme des éléments d’un système complété par des projections vidéo et des lumières. Les images et les sons se recalibrent constamment, renouvelant leurs points de connexion. Ce processus de création et de rupture d’équilibre permet aux artistes et au public d’élargir leur perspective sur le système.

Exploitant tout le spectre de leur rencontre sonore et créant un flux continu d’intensité en dialogue avec le contenu vidéo, Toninato et Lecours deviennent une entité puissante parfois en fusionnant ou d’autres fois en opposant leurs sons : ils s’engagent dans un processus de recherche d’équilibre en eux, entre eux et leur environnement naturel.

Doodoodoo

DooDooDoo est un concert de 30 minutes explorant l’improvisation instrumentale ainsi que le traitement sonore en direct. Construite autour d’une improvisation préparée à la batterie et interprétée par P-E Beaudoin, cette pièce à été conçue tout d’abord comme un enregistrement lors de quatre jours en studio à Tokyo en mars 2019.
Fruit d’un travail collectif, P-E Beaudoin et son noyau de créateur.trices (Alexandre Martel, Marius Larue, Lou-Adriane Cassidy et Hubert Lenoir) ont créé une œuvre riche présentant une variété impressionnante de timbres et de textures, traçant un voyage déroutant et complexe.

DJ Tania B. Lacasse

Head in flames – Christian Lapointe

In 2004, filmmaker Theo van Gogh, the great-grandnephew of the famous Dutch painter, was shot dead in the middle of the street in Amsterdam by Mohammed Bouyeri. The murder was in retaliation for Theo van Gogh’s film Submission, written by Ayaan Hirsi Ali. In 2011, the American author Lance Olsen wrote a book (Head in flames) with three voices: the murderer, the director and the painter Vincent Van Gogh, in an « oratorio » linking these three figures. The author places the painter before his suicide and the other two figures at the moment of the murder. The writer uses quotations from the three men to put into perspective the culture of violence generated by all forms of intolerance. Using a deepfake device, artist Christian Lapointe brings Olsen’s score to life and « resurrects » the protagonists in a film installation in which he himself interprets these three divisive historical figures.

Unsplash – Étienne Tremblay-Tardif

Unsplash is an online image bank, one of the first to offer high-resolution photographs for free. Created in 2013 by Montreal-based entrepreneur Mikael Cho, it now comprises over three million images licensed for commercial or personal uses. This start-up venture spearheaded the Crew Collective technology marketplace of freelance creatives, webmasters and techno-mercenaries that nests itself inside the defunct lobby of the Royal Bank Tower – now refurbished as the Crew Café co-working space.

Étienne Tremblay-Tardif responds to the creative dictum of Unsplash and develops a visual essay which puts in motion images that has collected there, thereby revealing them as the tokens of a new form of currency. He deploys this dynamic archive of stock photography which blurs the line between image bank and institutional collection, to outline its methods and discourses so as to draw out its narrative. This network of digital images is thus submitted to processes of decoupage, montage and sequencing that forces its opening; that retrace the lineaments of this contingent archive presenting itself as a delocalized and freely downloadable double of the world (exotic animals, breathtaking landscapes, MacBook laptops and all).

Point de départ – George Félicité

The presentation of this artist is made possible by a partnership with Chroniques – the Aix-en-provence digital arts biennial!

« Point de départ » is conceived as an itinerary between places, which are both painful and transformative: from rupture to memory, from in-between to return to oneself. Moving through video and music, George Félicité empathetically explores the weight of transgenerational trauma within his own biological family. Colonization, slavery, poverty, exploitation at work, hatred of femininity and dissident love are the same roots of a knot that divides many households. « But before you tear yourself away, you have to face up to the doubts, the questioning, the interrogations. You have to pick up the scattered pieces of your identity, of your love for yourself. Weighing up the pros and cons, recognizing the unacceptable until now disguised in the flattering garb of « us », customs, norms and morals. What’s left, then, is the intuitive decision to leave for a more welcoming, brighter and warmer elsewhere. »

Homeostasis – Ida Toninato et Pierre-Luc Lecours

Pierre-Luc Lecours and Ida Toninato bring together the acoustic and electronic worlds by the encounter of baritone saxophone, modular synthesizer and real time video generation.

Influenced by the concepts of balance, ecology and the equilibrium resulting from the Fibonacci sequence, they delve into the intersection of nature and humanity to create their second full-length show, Homeostasis.

This performance presents the performers as parts of a system completed with video projection and lights. Images and sounds constantly recalibrate each other, renewing their points of connection. This process of creating and disrupting balance allows both the performers and the audience to broaden their perspective on the system.

Harnessing the full spectrum of their sonic encounter and creating a continuous flow of intensity in dialogue with the video content, Toninato and Lecours become one powerful entity by sometimes merging, sometimes opposing their sound: they engage in a process of seeking equilibrium within them, between them and their natural environment.

Doodoodoo

DooDooDoo is a 30-minute concert exploring instrumental improvisation and live sound processing. Built around an improvisation prepared on drums and performed by P-E Beaudoin, this piece was first conceived as a recording during four days in a Tokyo studio in March 2019.
The fruit of a collective effort, P-E Beaudoin and his core group of creators (Alexandre Martel, Marius Larue, Lou-Adriane Cassidy and Hubert Lenoir) have created a rich work featuring an impressive variety of timbres and textures, tracing a confusing and complex journey.