-os- est une performance se déployant comme un magma expérientiel brouillant les limites entre le théâtre, la musique bruitiste et électroacoustique, la poésie performée, le rap et l’art vidéo en direct. Le collectif artistique tourne le dos aux modèles courants de création pour faire apparaître un modus operandi libéré de toutes contraintes. Souffle alors un élan de survie sur un monde dont les aspects politique et humain sont morts et enterrés.

L’impossible exige qu’on s’y retrouve.

-os- is a performance that unfolds like an experiential magma blurring the boundaries between theater, noise and electroacoustic music, performance poetry, rap, and live video art. The artistic collective turns its back on current models of creation to reveal a modus operandi free from all constraints. A spirit of survival then blows over a world whose political and human aspects are dead and buried.

The impossible demands that we find ourselves in it.

(going down the) rabbit hole est une performance en cours de création. Comme une errance dans son ordinateur, l’artiste traverse différentes théories de l’internet en passant par le phénomène du slop, les technologies Palantir et la dead internet theory pour essayer de comprendre les enjeux liés à l’Intelligence Artificielle.

À l’aide de graphiques, d’images fabriquées ou encore de vidéos tirées d’Internet, l’artiste conférencière Morgane Baffier élabore toutes sortes de théories et réflexions métaphysiques, en les développant jusqu’à l’absurde. C’est dans une volonté de déconstruction des savoirs qu’elle s’approprie les codes utilisés dans les entreprises, médias et sphères intellectuelles et tourne en dérision, avec finesse et humour, les systèmes de pouvoir et les statuts d’autorités qui conditionnent l’accès à la parole.

Dans le cadre de la résidence croisée Chroniques x Recto-Verso, Morgane Baffier souhaite développer une nouvelle performance centrée sur la question des données. Ce projet s’inscrit dans la continuité de sa recherche autour de l’intelligence artificielle. En 2025, grâce à une bourse de recherche en IA, elle a conçu une première conférence-performance explorant les relations que nous entretenons avec les intelligences artificielles (chatbots, AI girlfriends, etc.). En 2026, elle souhaite poursuivre sa recherche critique sur les intelligences artificielles en l’abordant sous un nouvel angle: les Datas.

Using graphics, fabricated images, and videos taken from the Internet, artist and lecturer Morgane Baffier develops all kinds of metaphysical theories and reflections, taking them to absurd extremes. In an effort to deconstruct knowledge, she appropriates the codes used in businesses, the media, and intellectual circles, and uses finesse and humor to mock the systems of power and authority that condition access to speech.

As part of the Chroniques x Recto-Verso cross-residency program, Morgane Baffier wishes to develop a new performance centered on the issue of data. This project is a continuation of her research into artificial intelligence. In 2025, thanks to an AI research grant, she designed her first conference-performance exploring the relationships we have with artificial intelligence (chatbots, AI girlfriends, etc.). In 2026, she wants to continue her critical research on artificial intelligence by approaching it from a new angle: data.

LiY, signifiant Live into Yours, une citation trouvée sur le disque d’or envoyé dans l’espace en 1977, traduit bien l’origine de son nom à travers ses chansons. Étiquetée comme musique post trip hop electro clash, qui appelle à l’infini et au cosmos, LiY s’inspire notamment de Portishead, Austra, The Knife, Spiritualized, Brutal Truth, PJ Harvey et Björk.

Le trio tente de faire ressentir la nostalgie des moments passés tout en embrassant les possibilités du futur. Ils souhaitent redonner à leurs auditeur·rices un pouvoir d’attraction d’où observer l’univers dans un monde au point de rupture à travers « Songs for telescope ». Entre autres en traduisant la sensation du désir qui émerge entre deux êtres, comme sentiment permettant encore de s’accrocher à la vie. Leur collaborations avec l’artiste visuel Sabrina Ratté pour la vidéo et la chanteuse Mykalle Bielinski pour le travail de choriste viennent enrichir leur travail de scène.

LiY, which stands for Live into Yours, a quote found on the golden record sent into space in 1977, perfectly captures the origin of its name through its songs. Labeled as post trip hop electro clash music, which evokes infinity and the cosmos, LiY is inspired by Portishead, Austra, The Knife, Spiritualized, Brutal Truth, PJ Harvey, and Björk, among others.

The trio attempts to evoke nostalgia of moments past while embracing the possibilities of the future. They wish to give their listeners a power of attraction from which to observe the universe in a world at breaking point through “Songs for Telescope.” Among other things, they translate the feeling of desire that emerges between two beings as a sentiment that allows us to cling to life. Their collaborations with visual artist Sabrina Ratté for the video and singer Mykalle Bielinski for backing vocals enrich their stage work.

Libre // dire oui déploie un environnement où humain·es et machines évoluent ensemble. Debout, le public choisit son point de vue pendant que les performeur·euses fabriquent de la musique électronique en direct et explorent les relations avec les êtres qui les entourent. Peu à peu se révèlent les règles qui harmonisent ce microcosme.

Tout s’articule en direct et s’orchestre de manière rigoureuse en suivant des règles qui favorisent l’accueil de l’accident et les zones de libertés.

Ce cabaret d’occupations simultanées fait cohabiter musiques, corps et machines dans un éventail de chocs, de dialogues et d’alliances. C’est une fête où les entités en présence se rencontrent dans une danse collective, chaotique et chorégraphiée.

L’événement navigue entre plusieurs postures : résister, négocier, accueillir et jouer avec ce qui nous entoure; générer de nouveaux espaces en choisissant de quitter les terrains connus, les lieux communs, les divers conditionnements pernicieux auxquels nous sommes soumis; célébrer les singularités; être ensemble; dire « oui ».

Libre // dire oui est un entraînement collectif à prendre un pas de recul pour avancer autrement, pour regarder entre les choses, entre l’écorce et l’arbre, là où la vie circule.

Libre // dire oui unfolds an environment where humans and machines evolve together. Standing, the audience chooses its point of view while the performers create electronic music live and explore relationships with the beings around them. Little by little, the rules that harmonize this microcosm are revealed.

Everything is articulated live and rigorously orchestrated according to rules that encourage the unexpected and allow for freedom.

This cabaret of simultaneous occupations brings together music, bodies, and machines in a range of clashes, dialogues, and alliances. It is a celebration where the entities present meet in a collective, chaotic, and choreographed dance.

The event navigates between several positions: resisting, negotiating, welcoming, and playing with what surrounds us; generating new spaces by choosing to leave familiar territory, commonplaces, and the various pernicious conditioning to which we are subjected; celebrating singularities; being together; saying “yes.”

Libre // dire oui is a collective exercise in taking a step back in order to move forward differently, to look between things, between the bark and the tree, where life flows.

Dans cette performance solo à mi-chemin entre théâtre, poésie et rap, Gabriel Samson I explore l’identité québécoise et la sienne en tant que personne non binaire. À travers des souvenirs d’enfance, des réflexions sociales et une critique acérée de l’américanisation culturelle, Le Québec est un pays scandinave livre un récit intime et politique aussi drôle que percutant.

La scénographie vidéo éclatée et les éclairages et ambiances sonores manipulés en direct sur scène par Gabriel Samson I font dialoguer indépendance personnelle et souveraineté collective. Un spectacle multidisciplinaire, introspectif et engagé qui théorise au « je » pour mieux questionner le « nous ».

In this solo performance, halfway between theater, poetry, and rap, Gabriel Samson I explores Quebec identity and his own as a non-binary person. Through childhood memories, social reflections, and sharp criticism of cultural Americanization, Le Québec est un pays scandinave delivers an intimate and political narrative that is as funny as it is powerful.

The explosive video scenography and lighting and sound effects manipulated live on stage by Gabriel Samson I create a dialogue between personal independence and collective sovereignty. A multidisciplinary, introspective, and committed show that theorizes the “I” in order to better question the “we.”

Corps, peux-tu devenir (être) une hypothèse, une galaxie en pleine accélération, une monstrueuse étoile liquide qui n’arrive pas à mourir ?

Dans le duo DARKMATTER, Cherish Menzo et son partenaire Camilo Mejía Cortés cherchent, avec l’aide d’un Distorted Rap Choir [chœur rap distordu], des manières de détacher leurs corps et la réalité quotidienne dans laquelle ils évoluent d’une perception imposée.

Pour DARKMATTER, Menzo puise son inspiration dans le post-humanisme, qui a pour intention de transcender la corporalité. Elle passe également l’afrofuturisme au crible, ce qui revient à considérer la science-fiction, la technologie, le fantastique, etc. d’un point de vue africain ou noir. La forme humaine devient quelque chose de « faisable » et nous permet de rêver. Menzo tisse également une couche poétique qui s’inspire de l’astronomie. Elle s’intéresse, entre autres, à la matière noire et aux trous noirs qui se rencontrent et entrent en collision pour ainsi engendrer un nouveau corps futuriste et énigmatique.

DARKMATTER veut faire table rase d’une façon préconçue de regarder son propre corps, du corps de l’autre et des histoires que nous leur attribuons. Menzo se jette corps et âme dans la mêlée, ce qui donne lieu à une conversation complexe qu’elle désire à la fois engager et dépasser – une dualité que DARKMATTER contribue à alimenter.

De même que dans JEZEBEL, elle étend son vocabulaire gestuel en y intégrant des techniques issues de la musique hip-hop. Elle applique de la sorte la méthode Chopped and Screwed à ses mouvements, un procédé qui ralentit considérablement le tempo de la musique. En étirant les notions de temps, le registre change et le corps performant parvient à générer de nouvelles lectures. Un chœur composé de dix performeur·ses du cru – ledit Distorted Rap Choir – l’accompagne avec ses hymnes rap aliénants.

DARKMATTER souhaite remanier en profondeur nos atomes, en quête d’une nouvelle forme pour notre corps et d’une nouvelle manière de regarder aussi bien ce corps que le monde extérieur complexe auquel il se rapporte.

Body can you become hypothetical, a galaxy, in full gear acceleration, a liquid star monster, failing to die?

In DARKMATTER, Cherish Menzo and her onstage partner Camilo Mejía Cortés look for ways to detach their bodies from the way they are perceived and the daily reality in which they move. Among other things, they look up to the sky, at dark matter and at black holes that meet and collide to give birth to a new, (afro)futuristic and enigmatic body.

DARKMATTER wants to get rid of the biased way of looking at one’s own body, at that of the other, and at the stories we attribute to them. Together, they throw their bodies into a complex conversation that they want to both enter into and transcend – a duality that feeds the performance.

Just as in her previous project, JEZEBEL, Menzo stretches her movement language further by applying the Chopped and Screwed method to her movement language. A remix technique from hip-hop music in which the tempo is sharply reduced. By stretching the notions of time, the register changes and the performing body manages to generate new readings. DARKMATTER wants to create a thorough reshuffle of our atoms, looking for a new form for – and way of looking at – our body and the complex outside world to which it relates.

Féminicides, une histoire mondiale est une création multidisciplinaire, mêlant art performance, autodéfense féministe, danse, chants grégoriens, théâtre et collages urbains.

La pièce, inspirée de l’essai éponyme Féminicides, une histoire mondiale, dirigé par Christelle Taraud, retrace l’histoire des meurtres de femmes depuis les chasses aux sorcières jusqu’à nos jours.

Sur scène, sept interprètes récitent les noms des disparues en litanies, luttent pour leurs mémoires, construisent un monument aux mortes.

Féminicides est un cri d’hommage à la résistance des femmes à travers les siècles, tour à tour joyeuse, désespérée, souterraine, outrageuse.

Féminicides, une histoire mondiale (Femicide, a global history) is a multidisciplinary creation combining performance art, feminist self-defense, dance, Gregorian chants, theater, and urban collages.

The play, inspired by the eponymous essay Féminicides, une histoire mondiale, directed by Christelle Taraud, traces the history of the murder of women from witch hunts to the present day.

On stage, seven performers recite the names of the missing women in litanies, fight for their memories, and build a memorial to the dead.

25 ans après sa création, Jimmy, créature de rêve refait surface comme si le rêve ne nous avait jamais vraiment quittés. Cette pièce d’anthologie inclassable du théâtre contemporain nous invite dans l’univers métamorphosique de Marie Brassard. Présenté à guichet fermé au Théâtre Prospero en septembre dernier, le Mois Multi accueille en exclusivité à Québec ce spectacle culte !

Dans les années cinquante, Jimmy le coiffeur homosexuel vient au monde dans le rêve d’un général américain homophobe. C’est dans son salon de barbier en plein cœur de New York qu’il fait la rencontre de Mitchell, un soldat dont il s’éprend. Au moment précis où il va embrasser pour la première fois l’homme qu’il aime, le cœur du général qui rêve cesse de battre. Jimmy demeure alors suspendu dans ce moment précis, habité d’un sentiment de pur plaisir. Cinquante ans plus tard, le temps se remet à bouger et Jimmy revient à la vie, mais, à son grand désespoir, prisonnier des rêves d’une actrice montréalaise qui s’éprend violemment de lui. Dans les rêves baroques, érotiques et absurdes de l’actrice, son visage et son corps se transforment, le métamorphosant en une créature étrange au genre incertain. Son plus cher désir est de briser la logique des rêves qui le tiennent captif afin qu’il puisse retrouver enfin son amour disparu.

Twenty-five years after its creation, Jimmy, créature de rêve resurfaces as if the dream had never really left us. This unclassifiable anthology piece of contemporary theater invites us into Marie Brassard’s metamorphic universe. Presented to sold-out crowds at Théâtre Prospero last September, Mois Multi welcomes this cult show exclusively to Quebec City!

In the 1950s, Jimmy, a gay hairdresser, comes into the world in the dream of a homophobic American general. It is in his barber shop in the heart of New York that he meets Mitchell, a soldier with whom he falls in love. Just as he is about to kiss the man he loves for the first time, the heart of the dreaming general stops beating. Jimmy remains suspended in that precise moment, filled with a feeling of pure pleasure. Fifty years later, time starts moving again and Jimmy comes back to life, but, to his great despair, he is trapped in the dreams of a Montreal actress who falls violently in love with him. In the actress’s baroque, erotic, and absurd dreams, his face and body are transformed, turning him into a strange creature of uncertain gender. His dearest desire is to break the logic of the dreams that hold him captive so that he can finally find his lost love.