Entre textures brutes et sons du quotidien altérés, « Des murs en carton » propose une installation vivante où se tissent sons, matières et gestes. Pendant trois jours consécutifs, l’artiste Marie-Claude Gendron habitera un petit local transformé en appartement éphémère, entièrement construit de carton recyclé où elle performera une composition sonore en direct.

Issu de son expérience de l’hyperacousie, une hypersensibilité auditive avec laquelle elle vit, le projet cherche à rendre perceptible ce qui échappe au regard. Les interstices du dispositif révèlent au public différents niveaux de perceptions sonores dans un espace à la fois intime et fabriqué.

La fragilité du carton résonne avec celle du logement et des corps, tel un écho poétique à la précarité et à la difficulté d’habiter pleinement un monde de plus en plus cloisonné. En transformant un lieu vacant en refuge sensible, Marie-Claude Gendron interroge nos murs — ceux qui protègent, isolent ou excluent — et les seuils entre l’intime, le privé et le collectif.

Alliant art, soin et réflexion sociale, « Des murs en carton » ouvre un espace de résonance partagée. Avec Folie/Culture, l’artiste aborde la vulnérabilité non comme une faille, mais comme une présence au monde qui est lucide, fragile, mais néanmoins résistante.

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Des microdispositifs interactifs à travers lesquels le public peut circuler offrent un abécédaire de la survie, correspondant chacun à un son d’insecte dont le nom commence par la lettre concernée. L’intensité sonore des insectes qui discutent crée une présence qui fait absorption, le corps s’y trouve englué. Cet état est accompagné par une proposition vidéographique de nuages erratiques voyageant lentement sur une petite surface des microdispositifs, offrant des parcelles de ciel parsemées dans l’espace. Des coussins au sol invitent à un délassement, au plaisir de se « laisser agir ». Cette écoute contemplative rappelle nos errances imaginaires de jeunesse, étendu·es dans un champ, où la rêverie engendrait monstres et merveilles dans le ciel, dans les limbes d’un corps vivant son environnement. Cette proposition sonore et visuelle se module selon les déplacements et les actions du public; s’il erre et s’approche d’un micro-dispositif ou parle dans un micro, le son et l’image se modifient et le nom de l’insecte apparaît, nous incitant à réfléchir à la précarité de sa présence actuelle sur notre planète.

Performance du 19 février

À cette installation se greffe une soirée performative de la survie dans l’environnement immersif d’un ciel en péril. Nuages sonores cherche à jouer dans le creux relationnel entre corps et environnement, dispositifs, performeur·euses et spectateur·rices, sur fond de crise climatique et d’écologie à imaginer. Écouter la dimension atmosphérique des maillages invisibles qui circulent, la fragilité globale des êtres et des choses, entrevoir le spectre de la disparition : c’est une invitation à une réappropriation matérielle du corps, de son lien sensoriel à l’environnement, et à en contempler l’imperceptible mouvance.

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DIORAMA (habitat) est une installation interactive où un mobile robotisé muni de capteurs de mouvement devient à la fois environnement immersif et entité autonome. Le public est invité à habiter cet espace, à y interagir et à ressentir les relations qui se tissent entre humains, matière et environnement.

DIORAMA  : Monde – Performance du 19 février

Deux performeuses cohabitent dans un lieu partagé avec un mobile géant interactif. Environnement ou entité, le mobile se transforme et révèle des comportements sonores et lumineux singuliers. Une boucle d’interaction émerge, reflétant notre interdépendance aux écosystèmes. DIORAMA : Monde propose une qualité de relation en résistance à l’instrumentalisation des milieux que nous habitons.

DIORAMA (habitat) is an interactive installation in which a robotic mobile equipped with motion sensors becomes both an immersive environment and an autonomous entity. The audience is invited to inhabit this space, interact with it, and experience the relationships that develop between humans, matter, and the environment.

DIORAMA : Monde – Performance on February 19

Two performers coexist in a shared space with a giant interactive mobile. Whether environment or entity, the mobile transforms and reveals unique sound and light behaviors. A loop of interaction emerges, reflecting our interdependence with ecosystems. DIORAMA: Monde offers a quality of relationship that resists the instrumentalization of the environments we inhabit.

L’œuvre explore la relation entre la lumière, l’espace et la perception humaine en combinant des images vidéo réalistes avec des ombres colorées. Les vidéos réalistes imitent la façon dont l’œil humain perçoit le monde, offrant des représentations détaillées et concrètes de la réalité. En revanche, les ombres colorées, formées par l’interaction entre les sources lumineuses et les objets, introduisent une dimension abstraite et surnaturelle, mettant l’accent sur la lumière, la forme et la couleur plutôt que sur la représentation littérale.

Cette juxtaposition du réalisme et de l’abstraction crée une interaction dynamique entre le mouvement, le temps et le récit dans les vidéos et les formes statiques ou changeantes des ombres. Ensemble, elles invitent les spectateur·ices à reconsidérer le temps, l’espace et la perception, en mélangeant des expériences tangibles et subjectives. Le projet invite également à l’interaction, car les ombres réagissent aux mouvements physiques, favorisant un dialogue engagé entre le public et les éléments visuels.

En présentant ces éléments côte à côte, l’œuvre encourage une exploration plus approfondie de la façon dont nous percevons et interprétons le monde, oscillant entre le concret et l’éthéré.

The work explores the relationship between light, space, and human perception by combining realistic video images with colored shadows. The realistic videos mimic the way the human eye perceives the world, offering detailed and concrete representations of reality. In contrast, the colored shadows, formed by the interaction between light sources and objects, introduce an abstract and supernatural dimension, emphasizing light, form, and color rather than literal representation.

This juxtaposition of realism and abstraction creates a dynamic interaction between movement, time, and narrative in the videos and the static or changing forms of the shadows. Together, they invite viewers to reconsider time, space, and perception, blending tangible and subjective experiences. The project also invites interaction, as the shadows react to physical movements, fostering an engaged dialogue between the audience and the visual elements.

By presenting these elements side by side, the work encourages a deeper exploration of how we perceive and interpret the world, oscillating between the concrete and the ethereal.

Un cocommissariat de Christian Lapointe (Mois Multi, Québec), Seungah Lee (Urban Art Lab, Séoul) et Vincent Roy (EXMURO, Québec) dans le cadre de la 27e édition du Mois Multi – Festival international d’arts multidisciplinaire et électroniques.

Dans un monde saturé par le visible, qu’est-ce qui nous échappe? L’exposition Murmures de l’invisible explore les phénomènes éphémères, intangibles et oubliés – ces souvenirs effacés, ces sensations fugaces et ces liens discrets qui, inaperçus, façonnent notre vécu. Réunissant des artistes du Québec, des États-Unis, de la France et de la République de Corée, l’exposition collective attire l’attention sur les angles morts de la perception, questionnant la capacité de l’art contemporain à révéler les résonances subtiles du quotidien et les zones d’ombre qui se cachent sous la surface des choses.

Avec les œuvres de Maxime Corbeil-Perron (Québec), Matthew Biederman (Chicago) et Lucas Paris (France), Jean-François Côté (Québec), Mathieu Valade (Québec), Pierre&Marie (Québec), Lee Yongbaek et Kira Kim (République de Corée).

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L’exposition d’un seul souffle, présentée initialement à Artexte à Montréal du 14 avril au 22 juin 2023, fait suite à une résidence de recherche au sein de sa collection. Par l’entremise d’un processus familier de fouille, de collecte et d’édition, une incursion à la fois intuitive et méthodique permet à l’artiste de visiter l’entièreté des archives d’artistes canadiennes afin d’en effectuer une relecture toute personnelle. Comment (re)donner « corps » aux archives,

(ré)incarner leur « voix », les traduire autrement? Guidée par le désir de sortir ces artistes de leurs boîtes et parfois de l’oubli, Jodoin traite chacune également – sans hiérarchie d’âge, de pratique, d’histoire ou de géographie – dans l’espoir de les faire dialoguer.

d’un seul souffle a pris la forme d’une installation composée d’un collage filmique où 153 artistes et autrices sont citées à partir de fragments visuels et textuels, d’un mur hommage déclinant leurs noms et d’un document de référence. Elle tisse une narration intime et poétique oscillant entre réalité et fiction, passé et présent : le portrait d’une mère composé par sa fille à travers les voix multiples qu’elle rassemble. Il en résulte un récit-fleuve, un chant choral et polyphonique, une sororité imaginée explorant le désir, les rêves, les manques, la banalité de la vie, la vieillesse, la mémoire, le deuil et l’oubli.

The exhibition d’un seul souffle (in a single breath), initially presented at Artexte in Montreal from April 14 to June 22, 2023, follows a research residency within its collection. Through a familiar process of digging, collecting, and editing, an intuitive yet methodical foray allows the artist to visit the entire archives of Canadian artists in order to carry out a very personal reinterpretation. How can we (re)give “body” to the archives,

(re)embody their “voice,” translate them differently? Guided by the desire to bring these artists out of their boxes and sometimes out of oblivion, Jodoin treats each one equally—without hierarchy of age, practice, history, or geography—in the hope of bringing them into dialogue.

d’un seul souffle took the form of an installation composed of a film collage in which 153 artists and authors are cited through visual and textual fragments, a tribute wall listing their names, and a reference document. It weaves an intimate and poetic narrative that oscillates between reality and fiction, past and present: a portrait of a mother composed by her daughter through the multiple voices she brings together. The result is a sprawling narrative, a choral and polyphonic song, an imagined sisterhood exploring desire, dreams, loss, the banality of life, old age, memory, mourning, and forgetting.