Dans Récits-Récifs, Line Nault utilise le corps et la technologie pour mettre en paysage des textes issus de sa recherche sur le non-soi et le non-lieu. 
  
Une série de 30 courts poèmes est transposée en « paysages mouvants » en temps réel grâce à un dispositif médiatique modulable qui capte et retransmet le contenu selon différentes altérités temporelles, spatiales et graphiques. Les effets vidéo et audio transforment l’action du corps en « moments-matière » qui s’accumulent pour créer une île où le futur, le présent et le passé topographiques coexistent. 
  
Les interprètes puisent dans une vaste collection de rebuts de costumes et d’étoffes pour construire ces moments qui évoquent le vivant dans sa dimension naturelle, biologique et culturelle. Le récit devient alors récif – un récit auquel ne subsiste, une fois investi par le corps, qu’un amas de mémoires devenues sédiments. 
  
Nous sommes accueilli.es sur cette île mutante où nous serons témoin.tes de la réactualisation de 12 à 15 récits-récifs. Au terme des représentations, l’équipe aura donné corps à la topographie intégrale de l’île. 

In Récits-Récifs, Line Nault uses the body and technology to set in landscape texts from her research into the non-self and the non-place.

A series of 30 short poems is transposed into « moving landscapes » in real time, thanks to a modular media device that captures and retransmits the content according to different temporal, spatial and graphic alterities. Video and audio effects transform body action into « material moments » that accumulate to create an island where topographic future, present and past coexist.

The performers draw on a vast collection of costume and fabric scraps to construct these moments that evoke the living in its natural, biological and cultural dimensions. The narrative then becomes a reef – a narrative which, once invested by the body, remains only a heap of memories that have become sediment.

We are welcomed to this mutant island, where we will witness the re-actualization of 12 to 15 reef narratives. By the end of the performances, the team will have given shape to the entire topography of the island.

Karl est un petit bonhomme composé de sept pièces géométriques indisciplinées. Vivant au beau milieu de l’océan, il garde ses petits bouts de lui bien à leur place, en sécurité. Mais Bô, l’une de ses parcelles, est différente. Bô s’imagine un monde de possibilités rempli d’aventures extraordinaires… jusqu’à se propulser hors de son tangram. Que faire lorsqu’une petite partie de nous manque à l’appel ?

Karl est un spectacle d’une agilité remarquable. Deux marionnettistes manipulent avec soin et précision les petits morceaux de bois qui constituent le tangram. Devant cette toile illuminée, les formes s’animent et un monde fantastique naît devant les yeux du public. Au fil de ce voyage, un petit bonhomme grandit et est confronté à la vie, dans sa beauté et ses défis. Une image forte qui trouve ancrange dans chacun et chacune d’entre nous.

Karl is a little man made up of seven unruly geometric pieces. Living in the middle of the ocean, he keeps his little pieces of himself safely in their place. But Bô, one of his pieces, is different. Bô imagines a world of possibilities filled with extraordinary adventures… until he’s propelled out of his tangram. What do we do when a small part of us is missing?

POLYGONS THAT TELL STORIES

Karl is a remarkably agile show. Two puppeteers manipulate the small pieces of wood that make up the tangram with care and precision. In front of this illuminated canvas, the shapes come to life and a fantastic world is born before the audience’s eyes. Along the way, a little man grows up and is confronted with the beauty and challenges of life. A powerful image that resonates with each and every one of us.

La présentation de cette oeuvre dans le cadre du Mois Multi est rendue possible grâce au soutien de Première Ovation.

« Dans ma fuite, celle qu’on fait à chaque génération, je me vois, ombre parmi les ombres. Je me lève. J’entraîne dans ma course tout ce qui restait des morts chez les vivants. Je n’arrêterai que quand je vous retrouverai. Je parcours les exils en sens inverse et la terre se fracasse comme je remonte nos mémoires. Sous mes pieds maintenant, les os. Des charniers comme ceux que j’ai trouvés en cherchant ma famille. Je cours sur les ossements, sur vos générations amputées et tout au bout du champ, je m’enterre, je me recouvre de la poussière des miens, je vous rejoins.  Je suis la dernière. Plus de charniers, plus de trous de mémoire. Dans ma fuite, celle pour ceux de mon sang, j’ai brisé la honte. »
 
Opéra pour les sans tombeaux est un spectacle immersif mêlant performance, documentaire et danse. Nous sommes invité.es à une plongée dans la violence muette qui gangrène les familles survivantes de génocides. Celle qui ne s’arrête pas après le cessez-le-feu, qui continue de décimer les corps et les esprits, et qui hante les descendant.es de celles et ceux qui n’ont pas eu de sépulture. Reconnu pour ses œuvres engagées, le Théâtre de l’Impie se surpasse dans une mise en scène percutante qui ne nous laissera pas indifférent.es.

« In my escape, the one we make every generation, I see myself, shadow among shadows. I rise. I take with me all that’s left of the dead among the living. I won’t stop until I find you. I travel the exiles in reverse and the earth shatters as I reassemble our memories. Beneath my feet now, bones. Mass graves like the ones I found while searching for my family. I run over the bones, over your amputated generations and at the end of the field, I bury myself, I cover myself with the dust of my own, I join you. I am the last. No more mass graves, no more holes of memory. In my escape, for those of my blood, I have broken the shame. »

Opera pour les sans tombeaux is an immersive show combining performance, documentary and dance. We are invited to plunge into the silent violence that plagues families who have survived genocide. The violence that doesn’t stop after the ceasefire, that continues to decimate bodies and minds, and that haunts the descendants of those who had no graves. Renowned for its engaged arworks, Théâtre de l’Impie outdoes itself in a hard-hitting staging that won’t leave us indifferent.

Nouveauté cette année : le Mois Multi accueille les célébrations du nouvel an chinois dans un événement organisé et commissarié par l’artiste multidisciplinaire Mai Bach-Ngoc Nguyen! Performances inédites et cuisine traditionnelle animeront La Charpente des fauves afin d’inaugurer une année sous le signe du dragon, cet animal mythique qui symbolise l’excentricité, la détermination et l’idéalisme, des caractéristiques très appréciées par le festival!

New this year: Mois Multi welcomes Chinese New Year celebrations in an event curated and organized by multidisciplinary artist Mai Bach-Ngoc Nguyen! Original performances and traditional cuisine will animate La Charpente des fauves to inaugurate a year under the sign of the dragon, the mythical animal that symbolizes eccentricity, determination and idealism, characteristics much appreciated by the festival!

Nous suivons les traces d’une femme mystérieuse en route vers l’inconnu. Sur son chemin de dérive, elle croise un chercheur de trésors, une fillette espiègle, trois religieuses, et même une épave-piano! Jamais on ne voit cette femme, mais toujours elle est présente, racontée par quatre magnifiques artistes en scène qui l’incarnent avec leurs témoignages au micro, leurs dessins accolés aux images d’un film, leurs chants, la guitare et l’harmonium. 

Dans ce spectacle rêveur, nous écoutons la glace qui fond et nous nous imaginons des territoires préservés, remplis de chevreuils et de pierres curieuses que l’on retourne pour y découvrir des souvenirs de naufrages, ou des traces de soi. 

We follow in the footsteps of a mysterious woman on her way to the unknown. Along the way, she meets a treasure hunter, a mischievous little girl, three nuns and even a piano-wreck! We never see this woman, but she’s always present, narrated by four magnificent performers who embody her with their testimonies at the microphone, their drawings attached to film images, their songs, guitar and harmonium.

In this dreamy show, we listen to melting ice and imagine unspoilt territories, filled with deer and curious stones that we turn over to discover memories of shipwrecks, or traces of ourselves.

Nous sommes invité.es à entrer dans le décor endormi de Dérive de nuit et à se blottir dans la noirceur. Écoutons. Frédéric Auger a conçu soigneusement la version sonore du spectacle Bermudes (dérive) qui n’a finalement jamais pu voir le jour sur une scène. Maintenant, nous n’avons qu’à fermer les yeux alors que ce spectacle nous est présenté sous forme sonore.

Les ambiances et compositions originales de Frédéric nous ferons glisser d’un état à un autre, jusqu’aux rives de la Basse-Côte-Nord. Nous entendrons des voix. Celle de la femme qui sait des choses. Celles d’une vague de jeunes. Celles de Bob et de Mika. Nous serons témoin.tes de la rencontre de ces deux hommes que tout oppose en apparence, et qui se racontent à partir des séquences d’un film et des fragments d’un roman; tous deux intitulés Bermudes et signés par une femme fascinée par les naufrages.

We are invited to enter the dormant setting of Dérive de nuit and snuggle into the darkness. Let’s listen in. Frédéric Auger carefully crafted the sound version of Bermudes (dérive), a show that never saw the light of day on a stage. Now, all we have to do is close our eyes as this show is presented to us in its audio form.

Frédéric’s moods and original compositions will take us from one state to another, to the shores of the Lower North Shore. We’ll hear voices. The voice of a woman who knows things. Those of a wave of young people. The voices of Bob and Mika. We’ll witness the meeting of these two men, who seem to oppose each other in every way, and who tell their stories from the sequences of a film and fragments of a novel, both entitled Bermudes and written by a woman fascinated by shipwrecks.

En réponse aux crises climatique et énergétique, le spectacle Warm up pousse la société de consommation dans ses derniers retranchements. Il aborde de front l’angle mort du développement durable : l’utilisation de ressources naturelles et d’électricité. Comment donc créer un spectacle écoresponsable ? En produisant soi-même son électricité avec un vélo peut-être? 

Dans une ultime expérience d’autosuffisance énergétique, Mykalle Bielinski pédale pour recharger une batterie qui alimente les éléments de son spectacle. Mais la surchauffe et l’épuisement la guettent et l’artiste doit faire face à sa surconsommation pour survivre. À la fois performance sportive, manifeste, concert et méditation, Warm up explore les décroissances nécessaires pour guérir de notre avidité et reconstruire le lien brisé à la nature. Dans le sacré des chants et des gestes rituels, le spectacle révèle le rôle crucial que peuvent jouer les artistes dans la sensibilisation à la crise climatique.  

How do you stage an eco-responsible show ? By producing your own electricity using a bike. WARM UP explores our relationship with nature through the lens of overconsumption by rethinking the act of making art. Drawn into a system that exploits her, the artist explores the principles of degrowth and resilience through a ritual laden with mythological and political overtones. In this athletic and musical piece, science and fiction collide to inspire a paradigm shift on both the personal and societal level, and to offer paths of reconciliation for our world.

Le Carougeois est une performance poétique éclatée dans l’espace qui fait usage de constructions audio-visuelles en direct pour une salle intime dans une étonnant chemin sinueux qui nous relie au passé. 

Dans cette fresque étonnante, nous sommes transporté.es au début des années 80 au 31 rue Dauphine, Vieux-Québec. Le passé nous colle aux basques. Il y a une vie citoyenne de tous les jours dans ce quartier farci de traces historiques. Elle est près de s’éteindre.  

Le Carougeois met à contribution le théâtre d’objets et la marionnette, l’art audio et la vidéo, la littérature, la performance et la voix. Le récit, conçu et dirigé par Gilles Arteau, est exécuté avec la complicité créatrice de Marcelle Hudon, Carole Nadeau, Meriol Lehman, Sylvain Miousse et Steve Verreault. Une création originale avec la participation d’artistes pionnier.ères dans l’histoire de l’art multidisciplinaire au Québec. 

Le Carougeois is a poetic performance bursting into space, using live audio-visual constructions for an intimate room in an astonishing winding path that links us to the past.

In this surprising tale, we’re transported to the early 80s at 31 rue Dauphine, Old Quebec. The past clings to us. There’s an everyday life in this neighborhood full of historical traces. It’s about to die out.

Le Carougeois uses object and puppet theater, audio and video art, literature, performance and voice. The story, conceived and directed by Gilles Arteau, is performed with the creative complicity of Marcelle Hudon, Carole Nadeau, Meriol Lehman, Sylvain Miousse and Steve Verreault. An original creation with the participation of artists who are pioneers in the history of multidisciplinary art in Quebec.

Le spectacle Mystic-Informatic croise de manière inattendue la danse, la mycologie et les technologies numériques. À la source de ses préoccupations se retrouvent un questionnement sur le sens de la danse dans le contexte du virage numérique, une fascination pour l’univers énigmatique des champignons ainsi qu’une préoccupation pour l’environnement et les déchets produits par le renouvellement constant de la technologie. Dans un récent ouvrage de l’anthropologue Anna Lowenhaupt Tsing, Le champignon de la fin du monde, on apprend que le champignon matsutake ne pousse que dans les ruines du capitalisme. Dans ces forêts rasées, ces paysages dévastés par l’exploitation où l’on ne croyait plus aucune vie possible, ce champignon amène une lueur d’optimisme. Mystic-Informatic s’empare du matsutake comme métaphore et propose la danse comme force résistante capable d’insuffler une nouvelle vie aux déchets technologiques.  

Par la danse et les corps, la technologie se détourne de ses fonctions premières réelles et nous nous y connectons de façon sensorielle, corporelle et imaginative. Dans un esprit punk, apocalyptique et féministe, Mystic-Informatic nous invite à redonner le pouvoir à la danse pour exorciser notre désespoir écologique. 

Mystic-Informatic unexpectedly combines dance, mycology and digital technologies. At the root of the show’s concerns are a questioning of the meaning of dance in the context of the digital shift, a fascination with the enigmatic world of mushrooms, and a preoccupation with the environment and the waste produced by the constant renewal of technology. In a recent book by anthropologist Anna Lowenhaupt Tsing, The Mushroom at the End of the World, we learn that the matsutake mushroom only grows in the ruins of capitalism. In these razed forests, these landscapes devastated by exploitation where no life was thought possible, this mushroom brings a glimmer of optimism. Mystic-Informatic uses the matsutake as a metaphor, proposing dance as a resilient force capable of breathing new life into technological waste.

Through dance and bodies, technology is diverted from its real primary functions, and we connect with it in a sensory, corporeal and imaginative way. In a punkish, apocalyptic and feminist spirit, Mystic-Informatic invites us to give power back to dance to exorcise our ecological despair.