Lumens

Lumens

Origine : Montréal

Genre : Jeune public

Artistes

Vidéo Phase

Lieu

Bibliothèque Gabrielle-Roy
350 Rue Saint-Joseph E
Québec, QC G1K 3B2

Date

9 février 10h30


Détails

Durée : 45 minutes
pour les 8 à 15 ans

Réservez vos billets

Présenté en collaboration avec La Bibliothèque Gabrielle-Roy

Description

Lumens, c’est l’aventure musicale d’un jeu vidéo grandeur nature. Il explore le lien entre le virtuel et la réalité en créant un environnement 3D multi-écrans projeté devant et autour du public. Les deux interprètes sont choisis par l’ordinateur pour être les joueurs et auront une mission spéciale : compléter les différents niveaux musicaux pour débloquer chacun des instruments de l’ordinateur (batterie, mélodie, basse et harmonie) et terminer le « jeu Lumens ». Ils donnent vie à la musique et à l’image en temps réel, à la manière d’un jeu vidéo musical interactif. Un spectacle multimédia immersif et envoûtant avec des instruments de musique inventés utilisant drums, instruments électroniques, cadres laser, capture de mouvements par Kinect, et même… de l’eau ! Après les 45 minutes de spectacle, le public est invité sur la scène pour essayer et jouer avec les instruments inventés des artistes afin qu’il puisse jouer sa propre composition collective. Un spectacle à écouter les yeux ouverts !  

Lumens is the musical adventure of a life-size video game. It explores the connection between virtual and reality by creating a multi-screen 3D environment projected in front of and around the audience. The two performers are chosen by the computer to be the players, and will have a special mission: to complete the various musical levels in order to unlock each of the computer’s instruments (drums, melody, bass and harmony) and complete the “Lumens game”. They bring music and images to life in real time, like an interactive music video game. An immersive, spellbinding multimedia show featuring invented musical instruments using drums, electronic instruments, laser frames, Kinect motion capture, and even… water! A show to listen to with your eyes open! 


Biographie

Fondée par Julien-Robert et Julien Compagne, Video Phase propose une nouvelle forme artistique hybride combinant en un seul objet musique, vidéo et technologie. Il crée des univers où la musique et le visuel sont totalement fusionnés, l’un étant la représentation de l’autre et vice-versa. Le visuel de ses spectacles étant interactif, cela permet aux interprètes d’improviser et de conserver l’aspect éphémère d’une performance en direct. En parallèle des performances scéniques, il crée des installations numériques permanentes et des expériences en réalité virtuelle. Par l’utilisation de la technologie, il cherche à faire vivre au public une véritable expérience multi-sensorielle. Video Phase a présenté ses spectacles près de 100 fois en Amérique du Nord et en Asie. Son spectacle Lumens a reçu le prix Opus du concert en musique actuelle et électroacoustique.

Founded by Julien-Robert and Julien Compagne, Video Phase proposes a new hybrid art form combining music, video and technology in a single object. It creates universes where music and visuals are totally fused, one being the representation of the other and vice-versa. The visuals in his shows are interactive, allowing the performers to improvise and retain the ephemeral aspect of a live performance. Alongside stage performances, he creates permanent digital installations and virtual reality experiences. Through the use of technology, he aims to provide audiences with a truly multi-sensory experience. Video Phase has performed nearly 100 times in North America and Asia. His Lumens show was awarded the Opus prize for concert in musique actuelle and electroacoustic music.

Crédits

FR

Direction artistique, musique, visuel interactif : Julien-Robert, Julien Compagne
Programmation : Julien-Robert
Mise en scène et écriture : Laurence Dauphinais
Programmation et conception visuelle en collaboration avec Video Phase : Jérôme Delapierre
Conception électronique : Nathanaël Lécaudé
Effets spéciaux 3D sur Qballs : Maxime Déléris

EN

Art direction, music, interactive visuals: Julien-Robert, Julien Compagne
Programming: Julien-Robert
Direction and writing: Laurence Dauphinais
Programming and visual design in collaboration with Video Phase: Jérôme Delapierre
Electronic design: Nathanaël Lécaudé
3D special effects on Qballs: Maxime Déléris

Photos : Emmanuel Crombez


Le Potager

Le Potager

Origine : à venir

Genre : Concert rock pour jeune public

Artistes

Le petit théâtre de Sherbrooke

Lieu

Foyer de la salle Octave-Crémazie

Date

Dimanche 23 février à 11 h et 13 h 30


Coût : 15 $ tout inclus
Billetterie
Détails

Durée : 45 minutes
À partir de 3 ans

Présentée dans le cadre du festival Big Bang en collaboration avec Les Incomplètes et le Grand Théâtre de Québec

Description

Le Potager, c’est un show rock sur 360°. Au centre du plateau, une serre de jardin. À l’intérieur, une chanteuse, un guitariste et un drummer. Leur musique live nous fait vibrer le corps. Et ça rock jusque dans la salle. On danse ensemble, on se lâche, on se suspend, on se détend… Ça fait l’effet d’une grande bouffée nécessaire.

À cheval entre le concert et l’installation vidéo immersive, Le Potager raconte en chansons et en images les mains qui sèment, arrosent et récoltent, l’espoir que ça grandisse bien et le plaisir de croquer la récolte, si la carotte le veut bien…

TBA


Biographie

À venir

TBA

Crédits

FR

À venir

EN

TBA

Photos : Le petit théâtre de Sherbrooke


CINOCHE

CINOCHE

Une présentation en collaboration avec

Origine : à venir

Genre : court-métrages

CINOCHE

Musée national des beaux-arts du Québec

1er, 2 , 8 et 9 février de 10 h à 15 h

Bibliothèque Gabrielle-Roy

9 février 11h et 13h

23 février 11h et 13h

Description

CINOCHE célèbre le corps et le mouvement sous toutes ses formes, offrant un refuge pour les esprits jeunes et les âmes averties, à partir de 5 ans. Chacun des courts métrages d’animation de cette collection unique raconte une histoire captivante. Trois-quart d’heure de bonheur offert gratuitement pendant tout le festival!

Court-métrages présentés :

 

  • Drôle de poisson de Krishna Chandran A. Nair (France)
  • Le trop petit prince de Zoia Trofimova (Russie et France)
  • La cage de Loic Bruyère (France)
  • Patate et le jardin potager de Benoit Chieux et Damien Louche-Pelissier (France)

CINOCHE celebrates the body and movement in all its forms, offering a haven for young minds and discerning souls alike, from age 5 upwards. Each of the animated shorts in this unique collection tells a captivating story. Three-quarters of an hour of happiness offered free of charge throughout the festival!

Shorts presented :

  • Drôle de poisson de Krishna Chandran A. Nair (France)
  • Le trop petit prince de Zoia Trofimova (Russie et France)
  • La cage de Loic Bruyère (France)
  • Patate et le jardin potager de Benoit Chieux et Damien Louche-Pelissier (France)

 


Photos : à venir


La déperdition des possibles

La déperdition des possibles

Origine : Québec

Genre : Exposition

Artiste

Jane

Lieu

76, côte de la Montagne

Gratuit !
Dates

13 au 23 février

Jeudi à samedi : de 12 h à 19 h

Dimanche : de 10 h à 17 h


Une présentation de Folie/Culture dans le cadre du Mois Multi

Description

La déperdition des possibles est une installation sonore et visuelle qui transporte le public dans un espace intime, suspendu entre traces et écho. Trois baignoires récupérées, marquées par le temps, abritent des mots gravés qui témoignent de la vulnérabilité de l’artiste. Ces mots répétés par écrit, amplifiés et murmurés à travers la matière, résonnent dans l’espace, transformant les bains en cages de résonance. Sous une lumière feutrée qui dévoile des bribes de texte, le projet invite chacun.e à s’approcher pour voir et écouter ces fragments, comme des murmures qui s’étouffent à même l’acier rouillé. Immersive et saisissante, cette œuvre crée un dialogue entre silence et résonance, laissant place à une expérience sensorielle inédite, où le poids des mots et de la matière se fait entendre dans une ambiance presque sacrée.

 

cette oeuvre est réalisée grâce au soutien financier de Première Ovation dans le cadre de l’entente de développement culturel intervenue entre le gouvernement du Québec et la Ville de Québec

TBA


Biographie

Jane Rochette vit et travaille au Nionwentsïo, Québec. Elle est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval et est actuellement à la maîtrise en arts visuels à l’École d’art de l’Université Laval. En 2023, elle prend part à l’exposition Banc d’essai à la Galerie des arts visuels (Québec) pour laquelle elle obtient une bourse Fonds Grant-Mathieu. En mai 2024, elle participe à l’exposition collective Histoire de, à l’École d’art, Université Laval (Québec) et obtient le prix Garde-fou de Folie Culture ainsi qu’une bourse de la fondation Louis Garneau. À l’été 2024, elle expose à Art Mûr (Montréal) pour l’exposition Peinture fraîche et nouvelle construction. Jane Rochette investit l’espace de manière installative. Elle souhaite créer des lieux combustibles d’émotions où elle explore son intimité à travers sa propre mémoire et la poésie comme vecteur sensible et politique. Avec le désir de créer des expériences sensibles et honnêtes, l’artiste travaille depuis ses propres obsessions pour s’inscrire dans une pratique performative mettant son corps en relation avec des objets et meubles récoltés dans la rue. 

TBA

Crédits

FR

À venir

EN

TBA

Photos : Jane Rochette


Nos amarres

Nos amarres

Origine : Québec

Genre : Exposition

Artiste

Josiane Roberge

Lieu

Édifice La Fabrique
295 boulevard Charest-Est
Québec, QC, G1K 3G8

Gratuit !
Dates

23 janvier au 2 mars

Mercredi au dimanche
12h à 17h


Une présentation de la Galerie des Arts Visuels dans le cadre du Mois Multi

Description

Nos amarres est un projet initié à l’été 2020 lors d’un séjour de l’artiste chez ses parents. Alors que l’arrivée de la maladie de sa mère exacerbe la conscience de son espace-corps, l’artiste ressent le besoin d’explorer le décalage vécu en plaçant un objet commun – la barque – dans un territoire qui n’est pas le sien. Celui-ci devient alors métaphore d’un inconfort et d’une quête, mettant en scène l’étrangeté d’un soi en état d’hyper vigilance avec lui-même.  

TBA


Biographie

Josiane Roberge est une artiste visuelle de Québec, détentrice d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval (2013). Sa pratique se situe entre art action, art relationnel et images en mouvement. Son processus de création prend sa source dans la relation humaine et explore plus particulièrement l’impalpable de la rencontre de soi et de l’autre. Elle cherche à trouver des symboles forts au sein d’actions simples – marcher (Les Marcheurs), embrasser (La prière), ramer (Passagère) – desquelles elle peut faire surgir l’essentiel. Le médium temporel de la vidéo lui permet de traduire des états intérieurs en mettant l’accent sur la présence, la lenteur et le déploiement de vérités. Elle a présenté son travail en Amérique, en Europe et en Afrique dans le cadre de divers événements et expositions tels que Manif d’art 7 (Québec), Art Souterrain et Phénomena (Montréal), Festival international d’art vidéo de Casablanca (Maroc), Vidéoformes (Clermont-Ferrand), Québec/Nantes, dialogue en arts visuels initié par la Manif d’art (Nantes), Les Rendez-vous Québec Cinéma. En 2014, elle est finaliste pour le prix Videre, Relève en arts visuels pour son exposition La Prière. En plus de sa pratique personnelle, elle collabore régulièrement avec d’autres artistes et compagnies avec lesquels elle a le plaisir de porter plusieurs chapeaux. C’est avec un plaisir toujours renouvelé qu’elle collabore avec le Mois Multi comme vidéaste depuis une dizaine d’années. 

TBA

Crédits

FR

À venir

EN

TBA

Photos : Josiane Roberge


Le (Dés-)inventaire ou Dispositif d’effacement du savoir

Le (Dés-)inventaire ou Dispositif d’effacement du savoir

Origine : Québec

Genre : Exposition

Artiste

Alain-Martin Richard

Lieu

Le Lieu
345 Rue du Pont
Québec, QC, G1K 6M4

Gratuit !
Dates

17 janvier au 16 février

Mardi au dimanche
10h à 17h

Performance le 8 février 14h.


Une présentation du Lieu dans le cadre du Mois Multi

Description

Le (Dés-)inventaire est une installation dynamique qui se ramifie pendant un mois. Il s’agit d’une machine de lecture qui phagocyte la bibliothèque de l’artiste. Chaque jour, la machine consent à avaler des livres dont le contenu est aussitôt effacé sur un mur-témoin. Le visiteur se déplace au cœur de cette machination dont il peut retracer les métamorphoses quotidiennes. 

 Le public est donc invité à constater au jour le jour les ravages de la déconstruction du savoir pour en alimenter le mur-dazibao. 

 L’espace du (Dés-)inventaire est la résidence du lecteur-auteur Alain-Martin Richard dont les transactions avec la machine seront gravées elles aussi sur le dazibao et diffusées dans une boucle vidéo progressive. 

 Le 8 février, Richard proposera une performance en forme de lecture héroïque de la phrase la plus longue au monde. Cette phrase sera par la suite l’ultime résidu de la bibliothèque effacée. Le (Dés-)inventaire étant alors complété, laissant la bibliothèque dénudée et muette.

TBA


Biographie

Artiste, performeur, éditeur et critique, Alain-Martin Richard travaille en théâtre, en littérature et en performance depuis la fin des années 70. Il a été membre du groupe international The Nomads, un collectif aujourd’hui disparu qui a présenté son travail à des événements comme Documenta 8 (Kassel, Allemagne) et les Jeux Olympiques de Calgary (Canada, 1988). Richard a organisé plusieurs expositions au Québec et il a fait des tournées en Europe, au Japon et en Amérique du Nord. Il a également participé comme auteur à plusieurs publications. Avec son partenaire, Martin Mainguy, il est membre du collectif Les causes perdues in©, qui se consacre à l’exploration des possibilités de la poésie contemporaine.

TBA

Crédits

FR

À venir

EN

TBA

Photos : à venir


Quelque show

Quelque show

Origine : Québec

Genre : Exposition

Artiste

Nico Williams

Lieu

Ahkwayaonhkeh
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Gratuit !
Dates

10 janvier au 23 février

Mercredi au dimanche
12h à 17h


Une présentation de Ahkwayaonhkeh dans le cadre du Mois Multi

Description

Les boutiques de prêteurs sur gage sont des lieux où on trouve de plus en plus de parures telles que des régalias et des médaillons. Riches tant au niveau spirituel, identitaire qu’économique – les éléments échangés en contrepartie autrefois étaient de grande valeur – ils se retrouvent désormais en vente pour des sommes dérisoires. Comment ces cultures peuvent-elles être ainsi mises en gage ? Comment le changement d’une économie d’échange vers une autre de marché peut-elle autant dévaloriser ces objets précieux ?  Et quel sera l’impact sur les identités autochtones ?

En contrepartie, les boutiques d’artisanat peuvent offrir une vitrine à des artistes et artisan.e.s autochtones, qui y déposent leurs créations pour la vente. Lorsqu’on visite une communauté, il s’agit souvent d’un arrêt indispensable pour se procurer un souvenir de notre séjour et de nos rencontres.

Tant dans la boutique de prêteurs sur gage que celle d’artisanat, on trouve toujours un petit quelque chose… Par son exposition – ou son show –, Nico Williams déploie un espace au milieu des deux types de commerce, il crée un pont entre eux. Dans la vitrine, les pochettes de VHS et de jeux vidéo vintage – objets de choix pour la mise en gage – sont recouvertes de perlage. Chacune d’entre elle réfère à une représentation des Autochtones stéréotypée et erronée. Les lampes, acquises par l’artiste chez Lilian’s Craft sur l’Île Manitoulin, sont ornées d’étiquettes de prix perlées. Chaque objet, l’artiste se les approprie avec ses perles. Et c’est avec elles qu’il clame sa réappropriation ; de son identité, du territoire.

TBA


Biographie

Nico Williams est membre de la Première nation Aamjiwnaang (Anishinaabe).  Il a une pratique multidisciplinaire, souvent collaborative, qui met l’accent sur le perlage sculptural. Il est récipiendaire du Prix Sobey (2024) et de la bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain (2021). Il a récemment exposé au Musée des beaux-arts du Canada (2024), Musée d’art contemporain de Montréal (2021), à Young Elder, James Fuentes (2023), à la Fondation PHI (2023) et à la récente exposition collective Indian Theater : Native Performance, Art, and Self-Determination since 1969, au Hessel Museum of Art (2023). 

TBA

Crédits

FR

À venir

EN

TBA

Photos : à venir


Double exposition

Double exposition

Origine : Montréal

Genre : Exposition

La conjugaison des pensées complexes

Louis Bouvier

My art is so good, nobody likes it

Maurane

Lieu

L’Oeil de Poisson
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Gratuit !
Dates

10 janvier au 23 février

Mercredi au dimanche
12h à 17h


Une présentation en collaboration avec l’Oeil de Poisson

Description

Par montage anachronique, Louis Bouvier propose des rendez-vous entre l’ancien et le nouveau, entre artefacts du passé et formes du présent, connectant ainsi l’héritage et la tradition à certains enjeux contemporains. La conjugaison des pensées complexes propose une manière différente de vivre l’expérience visuelle en intégrant un aspect sonore aux sculptures. […] Appelant l’introspection par la contemplation, cette exposition modifie les codes établis de l’expérience sculpturale. Pour accompagner cette communion, la chorégraphe Anne Thériault et la compositrice Virginie Reid posent un regard performatif sur l’installation. Intitulée requiem, cette œuvre évolutive vivante montre comment entrer en symbiose avec les sculptures, le temps et l’espace. 

1er février 2024
Performance à 14h / Grande Galerie de l’Oeil de Poisson
Durée: 30 min.

 

Discussion à 15h avec Louis Bouvier, Anne Thériault et Virginie Reid animée par Véronique Hudon 

 

L’artiste visuel Louis Bouvier invite Anne Thériault et la compositrice Virginie Reid à poser un regard performatif sur son installation La conjugaison des pensées complexes. Faisant écho à l’œuvre scénique récital (2018), requiem est une étude chorégraphique évolutive, un dialogue ouvert, une forme de célébration sonore et vibratoire. Autour de plusieurs sculptures-thérémines, les créatrices composent une ode lunaire à la mémoire de toutes les œuvres qui nous ont construites, celles qui nous hantent toujours et habitent encore nos rêves.
 
 

My art is so good, Nobody likes it est une installation vidéographique qui explore la réalité de publier ses œuvres sur Instagram. En s’inspirant de son propre début de parcours, l’artiste explore le désir d’être vu et d’être aimé, et les sentiments face à une œuvre qui reçoit beaucoup de « j’aimes » en comparaison à une autre que non. Comment la réaction des autres affecte l’artiste et son travail ? 

TBA


Biographie

Louis Bouvier vit et travaille à Montréal, d’où il est originaire. Il est titulaire d’une maîtrise en Arts Visuels de l’Université du Québec à Montréal (2015). Son parcours l’a amené à présenter son travail autant à l’échelle nationale qu’international : Galerie de l’UQAM (Montréal 2015), Maison des Artistes Francophones (Winnipeg 2015), Centre Clark (Montréal 2017), Galerie Sans Nom (Moncton 2018), Helmut (Leipzig 2019), NARS Fondation (Brooklyn 2022) et L’Attrape-Couleurs (Lyon 2024). Il a été appuyé à plusieurs reprises par le Conseil des Arts du Canada et du Québec. À la manière d’un archéologue son travail multidisciplinaire l’amène à faire des recherches en fouillant les strates temporelles, il façonne et compose ses œuvres en questionnant à la fois l’historique, la fragmentation et les vestiges qu’il découvre en explorant dans la matière du réel. 

Maurane est une artiste multidisciplinaire de Montréal, diplômée du programme de design de l’Université Concordia. Depuis 2020, elle se consacre à sa carrière d’artiste. Sa pratique inclut le graphisme, la performance et la poésie, mais sa finalité est l’art vidéo expérimental. Son approche de l’art est ludique et influencée par la culture, les publicités et l’honnêteté radicale. Maurane a récemment remporté le prix du Festival international du film lauréat de Montréal 2023 pour sa vidéo Duct Tape is the new Cashmere. Son travail a été publié dans le magazine en ligne Dream Boy Book Club, ainsi que projeté sur Eternal.tv, à La Bande Vidéo, et au Film Noir Cinema à Brooklyn, New York. Son premier long métrage Me and My Victim a remporté le prix AQCC pour le meilleur film au Festival Fantasia 2024. 

TBA

Crédits

FR

La conjugaison des pensées complexes de Louis Bouvier
avec Requiem de Anne Thériault et Virginie Reid.

Confection sonore : Léandre Bourgeois
Vidéo : Guillaume Marin et Alexia Toman
Vêtements : Hannah Isolde
Consultation artistique : Rosie Contant
Texte : Daniel Canty

 

EN

TBA

Photos : Louis Bouvier et Maurane


For you I Will Be an Island

For you I Will Be an Island

Origine : Chine

Genre : art visuel

Artiste

Chun Hua Catherine Dong

Lieu

VU
580 Côte d’Abraham
Québec, QC, G1K 3P9

Gratuit !
Dates

10 janvier au 23 février

Mercredi au dimanche
12h à 17h


Une présentation en collaboration avec VU

Description

Souvent appelé le fleuve mère de la Chine, le Yangtze a bordé l’enfance de Chun Hua Catherine Dong, qui a grandi à ses côtés. Désormais à distance du pays natal, l’artiste cherche à réconcilier ses souvenirs et ses visions d’avenir pour ces terres éloignées d’elle, dans le temps comme dans l’espace. Alors qu’elle fait appel à l’intelligence artificielle pour projeter des images du futur de sa ville d’origine, les vues qu’elle obtient sont celles de vagues déferlantes sur ses rives et de bâtiments inondés. Le Yangtze connaît en effet depuis des siècles des crues annuelles qui se sont maintes fois avérées dévastatrices et qui se sont amplifiées dans les dernières décennies, données réelles sur lesquelles se sont basées ces visions générées par la technologie.

À l’occasion d’un retour en sol chinois, l’artiste ancre son propre corps dans le temps présent aux côtés d’objets issus de sa jeunesse et de ces vues inquiétantes de l’avenir. Des souvenirs de sa vie avec sa défunte mère ainsi que de la nourriture que celle-ci préparait viennent ainsi se confronter à des images d’un fleuve nourricier en déroute. Fortement attachée à ces eaux originelles, l’artiste se positionne, devant les ruines du passé et du futur, comme une île où résident les espoirs d’un monde davantage viable ainsi que les rituels et les gestes à poser pour y parvenir.

Often called the Mother River of China, the Yangtze bordered Chun Hua Catherine Dong’s childhood as she grew up along its shores. Having left her native country behind, Dong seeks to reconcile her memories and future visions of that landscape, now distant in both time and space. She employed generative AI to produce images of her home city in the future, the results showing waves crashing against the shores and flooded buildings. Behind these unreal images is the reality that the annual floods the Yangtze has experienced for centuries, which have proved devastating time and time again, have worsened in recent decades.

During one of her trips to China, Dong anchored her body in the present moment next to objects from her childhood and these menacing visions of the future. Souvenirs from her life with her now-deceased mother, along with food her mother once prepared, are juxtaposed with images of a nourishing yet chaotic river. Deeply attached to these original waters, Dong positions herself, before ruins of the past and future, as an island occupied by hopes for a more habitable world, along with the rituals and gestures that must be made to achieve it.


Biographie

Chun Hua Catherine Dong (elle/ils) est une artiste multimédia d’origine chinoise Tiohtià:ke et basée à Montréal. Dong a obtenu une maîtrise en intermédia de l’Université Concordia et un baccalauréat en arts visuels de l’Université d’art et de design Emily Carr au Canada. Dong a exposé ses œuvres à la Biennale internationale d’art numérique de Montréal (BIAN), à la Biennale internationale des arts numériques d’Île-de-France (Némo), à MOMENTA | Biennale de l’image, à la Biennale de Kaunas, au Musée d’art contemporain du Val-de-Marne en France, à la Biennale de Québec, à la Fondation PHI pour l’art contemporain, au Centre culturel canadien de Paris, Museo de la Cancillería à Mexico, The Rooms Museum, Canadian Museum of Immigration at Pier 21, DongGong Museum of Photograph en Corée du Sud, He Xiangning Art Museum à Shenzhen, Hubei Museum of Fine Art à Wuhan, The Aine Art Museum à Tornio, Bury Art Museum à Manchester, Art Museum at University of Toronto, Varley Art Gallery of Markham, Art Gallery of Hamilton, etc.

Dong a participé à de nombreux festivals internationaux d’art de la performance, tels que Rapid Pulse International Performance Art Festival à Chicago, 7a*11d International Festival of Performance Art à Toronto, ENCUENTRO Performance à Santiago, The Great American Performance Art à New York, Place des Arts à Montréal, Infr’Action à Venise, Dublin Live Art Festival à Dublin, Experimental Action/ Performance Art à Houston, Internationales Festival für Performance à Mannheim, Inverse Performance Art Festival en Californie, Miami Performance International Festival, Nuit Blanches à Montréal, Visualeyez Performance Festival à Edmonton, M : ST Performance Art Festival à Calgary, ainsi que de nombreux espaces et galeries d’art public en Europe, en Amérique du Nord et en Amérique du Sud. Les œuvres vidéo de Dong ont été projetées au Brésil, en Bulgarie, au Canada, en Chine, en Colombie, en Croatie, au Danemark, en Finlande, en Allemagne, en Grèce, en Indonésie, en Irlande, en Italie, au Mexique, aux Pays-Bas, en Pologne, en Roumanie, en Écosse, en Espagne, en Suède, au Royaume-Uni, aux États-Unis, etc.

Parmi de nombreuses autres subventions et récompenses, Dong a reçu le prix Franklin Furnace pour l’art de la performance à New York en 2014, a figuré sur la liste des « 10 artistes qui réinventent l’histoire » de Canadian Art en 2017, et a été nommé « artiste de l’année » au festival international de photo de DongGang en Corée du Sud en 2018. Dong a été finaliste du Prix d’art contemporain du Musée national des beaux-arts du Québec (Prix en art actuel du MNBAQ) en 2020, a reçu le prix de la Diversité culturelle en arts visuels du Conseil des arts de Montréal en 2021 et a figuré sur la liste des artistes retenus pour le Prix des arts Sobey en 2024.

Chun Hua Catherine Dong (she/they) is a Chinese-born Tiohtià:ke/ Montréal-based multimedia artist. Dong received an MFA at Intermedia from Concordia University and a BFA at Visual Art from Emily Carr University Art & Design in Canada. Dong has exhibited their works at The International Digital Art Biennial Montreal (BIAN),  The International Biennial of Digital Arts of the Île-de-France (Némo), MOMENTA | Biennale de l’image, Kaunas Biennial, The Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne in France, Quebec City Biennial, Foundation PHI for Contemporary Art, Canadian Cultural Centre Paris, Museo de la Cancillería in Mexico City, The Rooms Museum, Canadian Museum of Immigration at Pier 21, DongGong Museum of Photograph in South Korea, He Xiangning Art Museum in Shenzhen, Hubei Museum of Fine Art in Wuhan, The Aine Art Museum in Tornio, Bury Art Museum in Manchester, Art Museum at University of Toronto, Varley Art Gallery of Markham, Art Gallery of Hamilton, and so on.

Dong has performed in many international performance art festivals, such as Rapid Pulse International Performance Art Festival in Chicago, 7a*11d International Festival of Performance Art in Toronto, ENCUENTRO Performance in Santiago, The Great American Performance Art in New York, Place des Arts in Montreal,  Infr’Action in Venice, Dublin Live Art Festival in Dublin, Experimental Action/ Performance Art in Houston, Internationales Festival für Performance in Mannheim, Inverse Performance Art Festival in California, Miami Performance International Festival, Nuit Blanches in Montreal, Visualeyez Performance Festival in Edmonton, M:ST Performance Art Festival in Calgary, and many public art galleries and spaces in Europe, North and South America. Dong’s video work has been screened in Brazil, Bulgaria, Canada, China, Colombia, Croatia, Denmark, Finland, Germany, Greece, Indonesia, Ireland, Italy, Mexico, Netherlands, Poland, Romania, Scotland, Spain, Sweden, UK, USA, and so on.

Among many other grants and awards, Dong was the recipient of the Franklin Furnace Award for performance art in New York in 2014, listed the “10 Artists Who Are Reinventing History” by Canadian Art in 2017, and was named “The Artist of the Year” at the DongGang International Photo Festival in South Korea in 2018.  Dong was a finalist for Contemporary Art Award at Le Musée national des beaux-arts du Québec ( Prix en art actuel du MNBAQ) 2020, awarded with Cultural Diversity in Visual Arts by the Conseil des arts de Montréal in 2021, and a long-listed artist for Sobey Art Award in 2024.

Crédits

FR

À venir

EN

TBA

Photos : Chun Hua Catherine Dong


Simon Says

Simon Says

Origine : Montréal

Genre : Installation interactive

Artiste

Matthew Biederman

Lieu

Hall de Méduse
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC, G1K 3P9

Gratuit !
Dates

13 au 23 février

Vernissage 13 février 17h

Dimanche au mercredi
11h à 18h


Jeudi au samedi
12h à 20h


Une coprésentation de

Description

Dans cette œuvre audiovisuelle interactive, nous sommes invité.es à jouer à une toute nouvelle version du jeu Jean dit qui utilise l’intelligence artificielle! Cette nouvelle installation de l’artiste Matthew Biederman examine de manière ludique la dynamique de la surveillance et de la conformité au sein d’une société de plus en plus analysée par la technologie.

En suivant les commandes générées par le système, nous traversons la tension entre l’action individuelle et le contrôle externe. Chaque pose représente à la fois un moment de créativité et la négation de l’identité dans un environnement numériquement médiatisé. Le système de vision par ordinateur utilisé fait écho à l’omniprésence de la surveillance publique, capturant à la fois les mouvements physiques et la conformité.

Le jeu incite à réfléchir à nos propres comportements face à un œil toujours vigilant. L’œuvre est un commentaire sur la tendance humaine à se conformer, souvent de manière irréfléchie, à des signaux autoritaires.

In this interactive audiovisual work, we are invited to play a brand-new version of the Simons Says game involving artificial intelligence! This new installation by artist Matthew Biederman playfully examines the dynamics of surveillance and conformity in a society increasingly analyzed by technology.

Following system-generated commands, we traverse the tension between individual action and external control. Each pose represents both a moment of creativity and the negation of identity in a digitally mediated environment. The computer vision system used echoes the omnipresence of public surveillance, capturing both physical movement and conformity.

The game prompts us to reflect on our own behaviors in the face of an ever-watchful eye. The work is a commentary on the human tendency to conform, often thoughtlessly, to authoritarian signals.


Biographie

Depuis 1990, Matthew Biederman travaille à travers les médias, les milieux, les architectures, les systèmes, les communautés et les continents. Il crée des œuvres qui utilisent la lumière, l’espace et le son pour réfléchir aux complexités de la perception médiatisée par les technologies numériques, par le biais d’installations, d’œuvres sur écran et de performances. Son travail a été présenté lors de Biennale de Lyon, Biennale de design d’Istanbul, Musée de la photographie de Tokyo, ELEKTRA, Biennale de Montréal, Ars Electronica et CTM, entre autres.

Matthew Biederman works across media and milieus, architectures and systems, communities and continents since 1990. He creates works that utilize light, space and sound to reflect on the intricacies of perception mediated through digital technologies via installations, screen-based works and performances. His work has been featured at: Lyon Bienniale, Istanbul Design Bienniale, The Tokyo Museum of Photography, ELEKTRA, Montreal Bienniale, Ars Electronica, and CTM among many others.

Crédits

FR

Matthew Biederman (concept), Lucas Paris (audio)

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Matthew Biederman (conceptualization), Lucas Paris (audio)

Photos : à venir