Fondée par Julien-Robert et Julien Compagne, Video Phase propose une nouvelle forme artistique hybride combinant en un seul objet musique, vidéo et technologie. Il crée des univers où la musique et le visuel sont totalement fusionnés, l’un étant la représentation de l’autre et vice-versa. Le visuel de ses spectacles étant interactif, cela permet aux interprètes d’improviser et de conserver l’aspect éphémère d’une performance en direct. En parallèle des performances scéniques, il crée des installations numériques permanentes et des expériences en réalité virtuelle. Par l’utilisation de la technologie, il cherche à faire vivre au public une véritable expérience multi-sensorielle. Video Phase a présenté ses spectacles près de 100 fois en Amérique du Nord et en Asie. Son spectacle Lumens a reçu le prix Opus du concert en musique actuelle et électroacoustique.

Founded by Julien-Robert and Julien Compagne, Video Phase proposes a new hybrid art form combining music, video and technology in a single object. It creates universes where music and visuals are totally fused, one being the representation of the other and vice-versa. The visuals in his shows are interactive, allowing the performers to improvise and retain the ephemeral aspect of a live performance. Alongside stage performances, he creates permanent digital installations and virtual reality experiences. Through the use of technology, he aims to provide audiences with a truly multi-sensory experience. Video Phase has performed nearly 100 times in North America and Asia. His Lumens show was awarded the Opus prize for concert in musique actuelle and electroacoustic music.

À venir

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Jane Rochette vit et travaille au Nionwentsïo, Québec. Elle est titulaire d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval et est actuellement à la maîtrise en arts visuels à l’École d’art de l’Université Laval. En 2023, elle prend part à l’exposition Banc d’essai à la Galerie des arts visuels (Québec) pour laquelle elle obtient une bourse Fonds Grant-Mathieu. En mai 2024, elle participe à l’exposition collective Histoire de, à l’École d’art, Université Laval (Québec) et obtient le prix Garde-fou de Folie Culture ainsi qu’une bourse de la fondation Louis Garneau. À l’été 2024, elle expose à Art Mûr (Montréal) pour l’exposition Peinture fraîche et nouvelle construction. Jane Rochette investit l’espace de manière installative. Elle souhaite créer des lieux combustibles d’émotions où elle explore son intimité à travers sa propre mémoire et la poésie comme vecteur sensible et politique. Avec le désir de créer des expériences sensibles et honnêtes, l’artiste travaille depuis ses propres obsessions pour s’inscrire dans une pratique performative mettant son corps en relation avec des objets et meubles récoltés dans la rue. 

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Josiane Roberge est une artiste visuelle de Québec, détentrice d’un baccalauréat en arts visuels et médiatiques de l’Université Laval (2013). Sa pratique se situe entre art action, art relationnel et images en mouvement. Son processus de création prend sa source dans la relation humaine et explore plus particulièrement l’impalpable de la rencontre de soi et de l’autre. Elle cherche à trouver des symboles forts au sein d’actions simples – marcher (Les Marcheurs), embrasser (La prière), ramer (Passagère) – desquelles elle peut faire surgir l’essentiel. Le médium temporel de la vidéo lui permet de traduire des états intérieurs en mettant l’accent sur la présence, la lenteur et le déploiement de vérités. Elle a présenté son travail en Amérique, en Europe et en Afrique dans le cadre de divers événements et expositions tels que Manif d’art 7 (Québec), Art Souterrain et Phénomena (Montréal), Festival international d’art vidéo de Casablanca (Maroc), Vidéoformes (Clermont-Ferrand), Québec/Nantes, dialogue en arts visuels initié par la Manif d’art (Nantes), Les Rendez-vous Québec Cinéma. En 2014, elle est finaliste pour le prix Videre, Relève en arts visuels pour son exposition La Prière. En plus de sa pratique personnelle, elle collabore régulièrement avec d’autres artistes et compagnies avec lesquels elle a le plaisir de porter plusieurs chapeaux. C’est avec un plaisir toujours renouvelé qu’elle collabore avec le Mois Multi comme vidéaste depuis une dizaine d’années. 

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Artiste, performeur, éditeur et critique, Alain-Martin Richard travaille en théâtre, en littérature et en performance depuis la fin des années 70. Il a été membre du groupe international The Nomads, un collectif aujourd’hui disparu qui a présenté son travail à des événements comme Documenta 8 (Kassel, Allemagne) et les Jeux Olympiques de Calgary (Canada, 1988). Richard a organisé plusieurs expositions au Québec et il a fait des tournées en Europe, au Japon et en Amérique du Nord. Il a également participé comme auteur à plusieurs publications. Avec son partenaire, Martin Mainguy, il est membre du collectif Les causes perdues in©, qui se consacre à l’exploration des possibilités de la poésie contemporaine.

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Nico Williams est membre de la Première nation Aamjiwnaang (Anishinaabe).  Il a une pratique multidisciplinaire, souvent collaborative, qui met l’accent sur le perlage sculptural. Il est récipiendaire du Prix Sobey (2024) et de la bourse Claudine et Stephen Bronfman en art contemporain (2021). Il a récemment exposé au Musée des beaux-arts du Canada (2024), Musée d’art contemporain de Montréal (2021), à Young Elder, James Fuentes (2023), à la Fondation PHI (2023) et à la récente exposition collective Indian Theater : Native Performance, Art, and Self-Determination since 1969, au Hessel Museum of Art (2023). 

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Louis Bouvier vit et travaille à Montréal, d’où il est originaire. Il est titulaire d’une maîtrise en Arts Visuels de l’Université du Québec à Montréal (2015). Son parcours l’a amené à présenter son travail autant à l’échelle nationale qu’international : Galerie de l’UQAM (Montréal 2015), Maison des Artistes Francophones (Winnipeg 2015), Centre Clark (Montréal 2017), Galerie Sans Nom (Moncton 2018), Helmut (Leipzig 2019), NARS Fondation (Brooklyn 2022) et L’Attrape-Couleurs (Lyon 2024). Il a été appuyé à plusieurs reprises par le Conseil des Arts du Canada et du Québec. À la manière d’un archéologue son travail multidisciplinaire l’amène à faire des recherches en fouillant les strates temporelles, il façonne et compose ses œuvres en questionnant à la fois l’historique, la fragmentation et les vestiges qu’il découvre en explorant dans la matière du réel. 

Maurane est une artiste multidisciplinaire de Montréal, diplômée du programme de design de l’Université Concordia. Depuis 2020, elle se consacre à sa carrière d’artiste. Sa pratique inclut le graphisme, la performance et la poésie, mais sa finalité est l’art vidéo expérimental. Son approche de l’art est ludique et influencée par la culture, les publicités et l’honnêteté radicale. Maurane a récemment remporté le prix du Festival international du film lauréat de Montréal 2023 pour sa vidéo Duct Tape is the new Cashmere. Son travail a été publié dans le magazine en ligne Dream Boy Book Club, ainsi que projeté sur Eternal.tv, à La Bande Vidéo, et au Film Noir Cinema à Brooklyn, New York. Son premier long métrage Me and My Victim a remporté le prix AQCC pour le meilleur film au Festival Fantasia 2024. 

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Chun Hua Catherine Dong (elle/ils) est une artiste multimédia d’origine chinoise Tiohtià:ke et basée à Montréal. Dong a obtenu une maîtrise en intermédia de l’Université Concordia et un baccalauréat en arts visuels de l’Université d’art et de design Emily Carr au Canada. Dong a exposé ses œuvres à la Biennale internationale d’art numérique de Montréal (BIAN), à la Biennale internationale des arts numériques d’Île-de-France (Némo), à MOMENTA | Biennale de l’image, à la Biennale de Kaunas, au Musée d’art contemporain du Val-de-Marne en France, à la Biennale de Québec, à la Fondation PHI pour l’art contemporain, au Centre culturel canadien de Paris, Museo de la Cancillería à Mexico, The Rooms Museum, Canadian Museum of Immigration at Pier 21, DongGong Museum of Photograph en Corée du Sud, He Xiangning Art Museum à Shenzhen, Hubei Museum of Fine Art à Wuhan, The Aine Art Museum à Tornio, Bury Art Museum à Manchester, Art Museum at University of Toronto, Varley Art Gallery of Markham, Art Gallery of Hamilton, etc.

Dong a participé à de nombreux festivals internationaux d’art de la performance, tels que Rapid Pulse International Performance Art Festival à Chicago, 7a*11d International Festival of Performance Art à Toronto, ENCUENTRO Performance à Santiago, The Great American Performance Art à New York, Place des Arts à Montréal, Infr’Action à Venise, Dublin Live Art Festival à Dublin, Experimental Action/ Performance Art à Houston, Internationales Festival für Performance à Mannheim, Inverse Performance Art Festival en Californie, Miami Performance International Festival, Nuit Blanches à Montréal, Visualeyez Performance Festival à Edmonton, M : ST Performance Art Festival à Calgary, ainsi que de nombreux espaces et galeries d’art public en Europe, en Amérique du Nord et en Amérique du Sud. Les œuvres vidéo de Dong ont été projetées au Brésil, en Bulgarie, au Canada, en Chine, en Colombie, en Croatie, au Danemark, en Finlande, en Allemagne, en Grèce, en Indonésie, en Irlande, en Italie, au Mexique, aux Pays-Bas, en Pologne, en Roumanie, en Écosse, en Espagne, en Suède, au Royaume-Uni, aux États-Unis, etc.

Parmi de nombreuses autres subventions et récompenses, Dong a reçu le prix Franklin Furnace pour l’art de la performance à New York en 2014, a figuré sur la liste des « 10 artistes qui réinventent l’histoire » de Canadian Art en 2017, et a été nommé « artiste de l’année » au festival international de photo de DongGang en Corée du Sud en 2018. Dong a été finaliste du Prix d’art contemporain du Musée national des beaux-arts du Québec (Prix en art actuel du MNBAQ) en 2020, a reçu le prix de la Diversité culturelle en arts visuels du Conseil des arts de Montréal en 2021 et a figuré sur la liste des artistes retenus pour le Prix des arts Sobey en 2024.

Chun Hua Catherine Dong (she/they) is a Chinese-born Tiohtià:ke/ Montréal-based multimedia artist. Dong received an MFA at Intermedia from Concordia University and a BFA at Visual Art from Emily Carr University Art & Design in Canada. Dong has exhibited their works at The International Digital Art Biennial Montreal (BIAN),  The International Biennial of Digital Arts of the Île-de-France (Némo), MOMENTA | Biennale de l’image, Kaunas Biennial, The Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne in France, Quebec City Biennial, Foundation PHI for Contemporary Art, Canadian Cultural Centre Paris, Museo de la Cancillería in Mexico City, The Rooms Museum, Canadian Museum of Immigration at Pier 21, DongGong Museum of Photograph in South Korea, He Xiangning Art Museum in Shenzhen, Hubei Museum of Fine Art in Wuhan, The Aine Art Museum in Tornio, Bury Art Museum in Manchester, Art Museum at University of Toronto, Varley Art Gallery of Markham, Art Gallery of Hamilton, and so on.

Dong has performed in many international performance art festivals, such as Rapid Pulse International Performance Art Festival in Chicago, 7a*11d International Festival of Performance Art in Toronto, ENCUENTRO Performance in Santiago, The Great American Performance Art in New York, Place des Arts in Montreal,  Infr’Action in Venice, Dublin Live Art Festival in Dublin, Experimental Action/ Performance Art in Houston, Internationales Festival für Performance in Mannheim, Inverse Performance Art Festival in California, Miami Performance International Festival, Nuit Blanches in Montreal, Visualeyez Performance Festival in Edmonton, M:ST Performance Art Festival in Calgary, and many public art galleries and spaces in Europe, North and South America. Dong’s video work has been screened in Brazil, Bulgaria, Canada, China, Colombia, Croatia, Denmark, Finland, Germany, Greece, Indonesia, Ireland, Italy, Mexico, Netherlands, Poland, Romania, Scotland, Spain, Sweden, UK, USA, and so on.

Among many other grants and awards, Dong was the recipient of the Franklin Furnace Award for performance art in New York in 2014, listed the “10 Artists Who Are Reinventing History” by Canadian Art in 2017, and was named “The Artist of the Year” at the DongGang International Photo Festival in South Korea in 2018.  Dong was a finalist for Contemporary Art Award at Le Musée national des beaux-arts du Québec ( Prix en art actuel du MNBAQ) 2020, awarded with Cultural Diversity in Visual Arts by the Conseil des arts de Montréal in 2021, and a long-listed artist for Sobey Art Award in 2024.

Depuis 1990, Matthew Biederman travaille à travers les médias, les milieux, les architectures, les systèmes, les communautés et les continents. Il crée des œuvres qui utilisent la lumière, l’espace et le son pour réfléchir aux complexités de la perception médiatisée par les technologies numériques, par le biais d’installations, d’œuvres sur écran et de performances. Son travail a été présenté lors de Biennale de Lyon, Biennale de design d’Istanbul, Musée de la photographie de Tokyo, ELEKTRA, Biennale de Montréal, Ars Electronica et CTM, entre autres.

Matthew Biederman works across media and milieus, architectures and systems, communities and continents since 1990. He creates works that utilize light, space and sound to reflect on the intricacies of perception mediated through digital technologies via installations, screen-based works and performances. His work has been featured at: Lyon Bienniale, Istanbul Design Bienniale, The Tokyo Museum of Photography, ELEKTRA, Montreal Bienniale, Ars Electronica, and CTM among many others.