« L’interartistique », définir la création à la rencontre de plusieurs disciplines

Volet pro

Table-ronde
10 février 11h à 12h

« L’interartistique », définir la création à la rencontre de plusieurs disciplines

Inter-artistic, defining creation when meeting multiple practices

Participant.es
  • Arnaud De Wolf and Maarten Vanermen – Club Efemeer (Bruxelles, Belgique)
  • Manon De Pauw (Montréal, Canada)
  • Pierre-Marc Ouellete (Montréal, Canada)
Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Cette conférence aura simultanément lieu en français et en anglais avec traduction disponible en direct.
The conference will be held simultaneously in French and English, with live translation available.

Description

Prenant appui sur la distinction conceptuelle entre l’interdisciplinarité théorique et celle relevant des pratiques artistiques, développée par l’artiste et chercheure Marie-Christine Lesage, la table-ronde invite 2 artistes et un duo d’artistes, à élaborer sur l’importance de la rencontre des disciplines dans leur pratique, sur la question parfois épineuse du territoire artistique qu’il-elle occupe et à répondre à la question : comment progresser avec une pratique dont les contours formels sont en constant mouvement?  

TBA


Club Efemeer

Club Efemeer est né en 2017 d’une collaboration entre les artistes visuels Maarten Vanermen et Arnaud De Wolf lors de leur résidence à Cas-co à Louvain (Belgique). Depuis, ils créent des scénographies pour et inspirées par la nuit et, par la suite, des installations. Le travail de Club Efemeer se situe à la croisée des chemins entre la haute et la basse technologie, l’analogique et le numérique ; il relie l’art visuel à la scénographie, nos sens à la science. 

Actuellement, le Club Efemeer mène des recherches sur les sculptures lumineuses éphémères. Il étudie les moyens de manipuler la lumière artificielle et la fumée afin de créer des formes et des volumes sculpturaux sans corps tangible. Ces sculptures touchent aux qualités physiques de la lumière et de la fumée, à la perception humaine, à la composition spatiale, à la spectabilité et à la performativité de la/des sculpture(s). 

TBA

Manon De Pauw

Manon De Pauw est artiste, professeure à l’École des arts visuels et médiatiques de l’UQAM, cofondatrice du Labo lumière [créations + recherches interdisciplinaires] et membre collaboratrice d’Hexagram. La présence manifeste du corps à l’œuvre, le lien entre micro et macro et la lumière comme source d’affects sont au cœur de sa recherche-création. Sa production en photographie et en vidéo, ses installations et ses œuvres d’art public sont exposées régulièrement ici et à l’étranger. Elle a développé une approche singulière de l’image performée par de nombreuses collaborations en art vivant, en littérature et en musique dont certaines ont fait l’objet de tournées internationales.

 

Ses œuvres ont été exposées entre autres au Musée d’art contemporain de Montréal, au Musée national des beaux-arts du Québec, à la Galerie de l’UQAM, au Centro Nacional de las Artes à Mexico, à l’Art Gallery of Nova Scotia et au Centre culturel canadien à Paris. Ses réalisations vidéo ont été diffusées dans des événements tels que le Festival des films sur l’art, les Rendez-vous Québec Cinéma et le Festival international de musique de Victoriaville. Manon De Pauw a collaboré notamment avec la chorégraphe Danièle Desnoyers, la compositrice et musicienne et Joane Hétu, le dramaturge Denis Lavalou et le poète Marc André Brouillette. Elle a créé, avec le chorégraphe Pierre-Marc Ouellette, les performances La matière ordinaire (Usine C, 2014), Cocons somatiques (Agora de la danse, 2017), Danses kaléidoscopiques (VOX et Théâtre Gilles-Vigneault, 2022) et l’exposition Lueurs oniriques (Galerie B312, 2023). Ses projets ont reçu le soutien du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec et du Conseil des arts de Montréal.  En 2011, elle était la finaliste du Québec pour le Prix Sobey pour les arts et en 2012, lauréate en arts visuels du prix Victor-Martyn-Lynch-Staunton du CAC.

TBA

Pierre-Marc Ouellete

Pierre-Marc Ouellette a complété sa formation à L’École de danse contemporaine de Montréal. Depuis l’obtention de son diplôme en 2005, il a travaillé comme interprète pour Louise Bédard Danse, Fortier-danse création et Le Carré des Lombes. Avec cette dernière compagnie, il a dansé dans Play It again! Et collaboré à la création de Là où je vis, Dévorer le ciel, et de Sous la peau, la nuit. Pierre-Marc a également participé à plusieurs projets initiés par différents chorégraphes, notamment Erin Flynn, Frédéric Marier et Deborah Dunn.

En 2009, il recevait une bourse du Conseil des Arts du Canada pour aller se perfectionner à Vienne (Autriche) dans le cadre du Festival ImPulsTanz. En 2013, il est à nouveau boursier et ira se perfectionner à New-york en différentes techniques somatiques. Sa première création le show Off est présentée en 2010; en 2012, il crée en collaboration avec les membres du collectif C’est juste lundi la pièce Les Angèles présentée au théâtre Lachapelle. Pierre-Marc est aussi interprète dans la future création de la compagnie Le Carré des Lombes, et a fait plusieurs tournées à l’international. 

TBA


Présentation de The Invisible Dog – Brooklyn, États-Unis

Volet pro

Présentation
10 février 13h à 13h20

Présentation de The Invisible Dog Art Center – Brooklyn, États-Unis

Presentation of The Invisible Dog Art Center – Brooklyn, United-States

Participant.es

Lucien Zayan – The Invisible Dog Art Center (Brooklyn, États-Unis)

Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Français avec traduction simultanée en anglais
French with simultaneous translation into English

Description

The Invisible Dog Art Center est installé à Brooklyn (États-Unis) depuis 2009. Le centre est un lieu d’art multidisciplinaire unique qui accueille et diffuse des projets d’art, abrite des ateliers et résidences d’artistes, un restaurant gastronomique, et bien plus encore. Lucian Zayan, fondateur et directeur de The Invisible Dog, nous présentera le complexe culturel, de l’idéation aux projets et événements remarquables qui y ont été présentés. Nous apprendrons comment il a réussi à rassembler et construire une communauté vibrante autour de son initiative.

 

La présentation de cette activité est rendue possible grâce au soutient de la Délégation générale du Québec à New York.

TBA


Biographie

Lucien Zayan est né en 1965 à Marseille, France. Lucien Zayan est un producteur culturel et directeur ayant une riche histoire de contributions aux arts et aux institutions culturelles. Sa carrière a englobé divers rôles au sein d’organisations culturelles en France, en Égypte et aux États-Unis.  

Le parcours de Lucien dans le domaine culturel a débuté en 1988 lorsqu’il a occupé le poste de Producteur Culturel à l’Institut français d’Alexandrie, en Égypte, au sein des Services culturels de l’Ambassade de France en Égypte. Cette première expérience a posé les bases de son engagement en faveur de l’échange culturel et de la collaboration.  

De 1990 à 1995, Lucien a assumé le rôle de Directeur des Relations Publiques et du Mécenat à l’Odéon – Théâtre de l’Europe à Paris, où il a joué un rôle clé dans la définition de l’image publique du théâtre, des stratégies d’engagement et des opérations de collecte de fonds.  

Poursuivant sa trajectoire, Lucien a été Secrétaire Général du Théâtre National de La Criée à Marseille de 1995 à 1996. Son dévouement à la communauté artistique l’a conduit à occuper le poste de Secrétaire Général au Festival International de Danse de Marseille de 1996 à 1998, suivi de celui de Secrétaire Général Adjoint au Festival International d’Opéra et de Musique d’Aix-en-Provence de 1998 à 2000.  

En 2000, Zayan a assumé le poste de Directeur des Partenariats Culturel chez Vivendi Universal à Paris, élargissant ainsi son influence et son implication dans le secteur culturel.  

De 2003 à 2006, Zayan a été Secrétaire Général au Théâtre de la Madeleine à Paris, contribuant puis Directeur Adjoint au Festival International de Danse de Marseille de 2006 à 2008.  

En 2009, Lucien Zayan s’est lancé dans une nouvelle aventure en fondant The Invisible Dog Art Center à Brooklyn, New York. En tant que Directeur Fondateur, il a créé un espace dynamique et innovant devenu un centre névralgique pour l’art contemporain, favorisant la créativité et la collaboration interdisciplinaire. La carrière de Lucien Zayan reflète un engagement de toute une vie dans la promotion et le développement d’initiatives culturelles.  

En 2019, Lucien a inauguré La Salle A Manger (SAM), une salle à manger privée dédiée à l’organisation de dîners intimes et sophistiqués pour artistes, supporters, donateurs, et autres soutiens aux arts. Cette innovation reflète l’engagement de Lucien Zayan à créer un espace dépassant les lieux artistiques traditionnels, favorisant les liens et la collaboration au sein de diverses communautés créatives. 

Lucien Zayan was born in 1965 in Marseille, France  

Lucien Zayan is a cultural producer and director with a rich history of contributions to the arts and cultural institutions. His career has spanned various roles in cultural organizations across France, Egypt and the United States. Zayan’s journey in the cultural sphere began in 1988 when he served as a Cultural Producer at the French Institute in Alexandria, Egypt, under the Cultural Services of the French Embassy in Egypt. This early experience laid the foundation for his commitment to fostering cultural exchange and collaboration.  

From 1990 to 1995, Zayan took on the role of Director of Marketing, Development and Public Relations at Odéon – Théatre de l’Europe in Paris, where he played a key role in shaping the theater’s public image, engagement strategies and fundraising operations.  

Continuing his trajectory, Zayan served as the General Secretary at the National Theater of La Criée in Marseille from 1995 to 1996. His dedication to the arts community led him to take on the role of General Secretary at the International Dance Festival in Marseille from 1996 to 1998, followed by Deputy General Secretary at the International Festival of Opera and Music in Aix-en-Provence from 1998 to 2000.  

In 2000, Zayan assumed the position of Director of Cultural Partnership at Divento – Vivendi Universal in Paris, expanding his influence and involvement in the cultural sector. From 2003 to 2006, Zayan served as the General Secretary at Théâtre de la Madeleine in Paris 

then Director at the International Dance Festival in Marseille from 2006 to 2008,  

In 2009, Lucien Zayan embarked on a new and distinctive venture by founding The Invisible Dog Art Center in Brooklyn, New York. As the Founder Director, he established a dynamic and innovative space that has become a hub for contemporary art, fostering creativity and interdisciplinary collaboration. Lucien Zayan’s career reflects a lifelong commitment to the promotion and development of cultural initiatives. 

In 2019, Zayan introduced La Salle A Manger, a private dining room dedicated to hosting intimate and sophisticated dinner gatherings for artists, supporters, donors, and more. This innovative addition reflects Zayan’s commitment to creating a space that goes beyond traditional art venues, fostering connections and collaboration among diverse creative communities. 


Performativité du corps, intelligence, émotionnelle et technologie: un tête-à-tête entre Emilia Paunescu et Alexandre St-Onge

Volet pro

Tête -à-tête
10 février 13h30 à 14h20

Performativité du corps, intelligence, émotionnelle et technologie: un tête-à-tête entre Emilia Paunescu et Alexandre St-Onge

Performativity of the body, intelligence, emotionality and technologie : a one-on-one discussion between Emilia Paunescu and Alexandre St-Onge

Participant.es
  • Emilia Paunescu – NOVA Festival (Bucharest, Roumanie)
  • Alexandre St-Onge (Québec, Canada)
Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Anglais avec traduction simultanée en Français
English ith simultaneous translation into French

Description

Parmi les défis et les questions mis de l’avant par l’émergence de l’IA, il y a ceux de la définition du mot intelligence, le plus souvent encore réservée à l’être humain, et du constat que l’innovation technologique reste encore en quête de résultats concluants, à la hauteur des espoirs et promesses. Si nous acceptons le postulat que nous avons collectivement convenu de miser sur la logique et la technique comme manifestation de l’intelligence, il apparaît naturel de constater moins d’inclinaison à reconnaître d’autres formes d’intelligences, celles appartenant au vivant et aux émotions par exemple. Ainsi, comment pouvons-nous créer des œuvres capables de témoigner de plusieurs formes d’intelligences à la fois, d’un équilibre aristotélicien entre le corps, l’esprit, et la technologie? C’est à cette question que les artistes multidisciplinaires Alexandre St-Onge et Emilia Paunescu tenteront de répondre. Grâce à des exemples concrets tirés de leurs pratiques artistiques, de leurs recherches respectives, et de leurs projets en cours, ils nous proposeront un voyage dans la création d’œuvres refusant la logique et embrassant la neurodiversité, l’intelligence émotionnelle, le corps, la collaboration multidisciplinaire et la technologie.

TBA


Emilia Paunescu

À venir

Emilia Păunescu is a multidisciplinary artist whose works take the form of immersive installations, combining image, sound, performance and new technologies. She sees them as environments that encourage self-knowledge and growth and they are often the result of fruitful research and collaborations with experts from various fields such as neuroscience and psychology.

Emilia is also the founder and creative director of NOVA festival (novanova.ro), a unique event that explores new creative languages by engaging diverse groups of artists and scientists into meaningful collaborative processes. Along with the creative labs it encompasses and exhibiting the result of these within the festival, NOVA has also an educational branch, presenting a rich program of workshops and talks, as well as offering yearly a development residency to 2 emerging artists, in collaboration with its international network of partners.

So far over 100 artists and professionals, from over 15 countries have been part of NOVA, including names like Stelarc, Christa Sommerer & Laurent Mignonneau, Sougwen 愫君 Chung, Adrien Mondot & Claire Bardainne, Vicente Matallana, Mónica Rikić, Anna Ridler, or Maša Jazbec.

Alexandre St-Onge

Alexandre St-Onge est un artiste intermédia ainsi qu’un performeur sonore qui explore les mutations du corps performatif à travers ses médiations sonores, textuelles et visuelles. Docteur (PhD) en études et pratiques des arts (UQÀM, 2015) et professeur adjoint à l’École d’art de l’Université Laval, il est fasciné par la créativité en tant qu’approche pragmatique de l’insaisissable. Il a réalisé plus d’une vingtaine de publications et a présenté son travail au Québec, au Canada, au Chili et dans divers pays d’Europe. Il a fondé les éditions|squint|press avec Christof Migone et il crée au sein de collectifs ainsi qu’avec de nombreux artistes : Marie Brassard, Simon Brown, Karine Denault, K.A.N.T.N.A.G.A.N.O., Lynda Gaudreau, Klaxon Gueule, kondition pluriel, Suzanne Leblanc, mineminemine, Line Nault, Jocelyn Robert, Second Regard, Shalabi Effect, undo et Unzip Violence parmi d’autres.  

Alexandre St-Onge is an intermedia artist and a sonic performer exploring the mutation of the performative body through its sonic, textual and visual mediations. Philosophiae doctor (PhD) in art (UQAM, 2015) and assistant professor at l’École d’art of Laval University, he is fascinated by creativity as a pragmatic approach to the ungraspable and he has published over twenty works and he presented his work nationally and internationally. He founded éditions|squint|press with Christof Migone and he worked with collectives and artists such as : Marie Brassard, Simon Brown, Karine Denault, K.A.N.T.N.A.G.A.N.O., Lynda Gaudreau, Klaxon Gueule, kondition pluriel, Suzanne Leblanc, mineminemine, Line Nault, Jocelyn Robert, Second Regard, Shalabi Effect, undo et Unzip Violence amongst others.  


Line Nault et le récit en mouvement : que raconte-t-on avec les outils technologiques?

Volet pro

Conférence
10 février 14h30 à 15h20

Line Nault et le récit en mouvement : que raconte-t-on avec les outils technologiques?

Line Nault and the narrative in movement : what story do we tell with technological tools?

Participant.e

Line Nault (Montréal, Canada)
Alexandre Burton (Montréal, Canada)

 

Lieu

Cinéma Beaumont et en ligne
541 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Langue

Français avec traduction simultanée en anglais
French with simultaneous translation into English

Description

En transformation perpétuelle, l’œuvre gigogne de l’artiste multidisciplinaire montréalaise Line Nault se démarque depuis 25 ans par son chevauchement entre l’expérience sensorielle et l’expérience technologique. La conférence en mode conversation permettra de retracer la transformation du récit dans son œuvre et l’utilisation du langage pour le déconstruire. À l’aide d’exemples puisés dans ses œuvres majeures, Line Nault nous conviera à nous pencher sur l’importance des codes pour envisager la mécanique des humains et des machines, les stratégies de permutations pour créer une dramaturgie non linéaire, et l’évolution de la place et du rôle du spectateur. La conférence sera aussi l’occasion d’examiner « Récits-récifs » l’œuvre inédite présentée en première mondiale au Mois Multi 2024.

TBA


Biographie

Line Nault s’intéresse au perceptif plus qu’au spectaculaire. Par le corps qui parle ou qui bouge, elle fait apparaître les structures invisibles des mécanismes humains et des comportements de machines. Elle qualifie sa démarche d’interstitielle, tant dans son travail sur le corps que dans son regard sur les pratiques artistiques. 

En novembre 2021, Line présente  à l’Agora de la danse une installation  performative interactive, son oeuvre la plus importante, intitulée Non de nom. En 2018, elle crée une oeuvre avec danse, vidéo et lutherie numérique interactive intitulée SuperSuper. Artiste associée chez Recto Verso de 2011 à 2016, elle y produit dans le cadre de son mandat artistique les pièces  (installation participative), 2012 (installation interactive) et Attachée (version spectacle, installation-performance et livre). Par ailleurs, elle présente ces dernières années Super 8, La problématique de l’erreur, Kitmobile, L’espace des autres, Revenir en avant, et Vivarium. Ses projets sont souvent articulés autour d’une lutherie numérique conçue avec le studio Artificiel. Elle participe avec cette équipe aux projets Séquelles-diffusion et Boules. 

Outre ses projets personnels, elle a aussi collaboré à titre d’interprète, de chorégraphe et de conseillère pour différents créateurs et organismes pour la danse, le théâtre et les arts multi. Parmi eux: Éric Forget, Olivier Choinière, Karine Denault, Lynda Gaudreau, Martin Bélanger, Manon Oligny, Brigitte Haentjens, Marie-Claude Poulin (Kondition Pluriel), Louis Champagne, Benoit Lachambre, Stéphane Crête, ainsi que les compagnies Québec Art Cité, Trans-Théâtre, Code d’accès, Momentum, L’ange à deux têtes et Tournifolie. Elle a présenté et dansé sur la scène locale et internationale. 

Pas très loin de la création, Line donne  des ateliers de recherche autour des dispositifs technologiques issus de ses projets artistiques. Elle enseigne aussi la Gyrotonic et la Gyrokinesis. Elle organise l’événement Vendredi Bouilli depuis 2014 dans le studio Artificiel. Elle est diplômée au baccalauréat en danse et aux études supérieures spécialisées en éducation somatique à l’UQAM. 

TBA

Biographie

Architecte de processus en art numérique actuel et
faiseur de machines à installations et performances.
basé a Montréal; fondateur et luthier numérique du studio artificiel

 

 

 

 

Process architect for contemporary digital arts and
maker of machines for installations and performances.
based in montréal; founder and digital luthier of the artificiel studio.


Nos territoires, paysages sonores

Nos territoires, paysages sonores

Origine: Québec

Oeuvre web

Artiste

Les Incomplètes

Lancement avec performances

le 23 février 17h – Hall méduse

Oeuvre web

DÉCOUVRIR L’OEUVRE PAR ICI

Description

Nos territoires est un projet d’art sonore intergénérationnel, qui allie des adolescent.es, des aîné.es et des artistes audio, provenant de diverses régions du Québec. Ensemble, ils et elles s’interrogent sur les sons emblématiques de leurs territoires, d’un point de vue intime et collectif, et composent des oeuvres audio personnelles qui dépeignent avec sensibilité leur environnement, à la manière de cartes postales sonores. Tous les paysages sonores produits dans le cadre de ce projet-fleuve (échelonné de 2021 à 2026) sont déposés sur une oeuvre web évolutive, composant une cartographie sonore intergénérationnelle qui raconte leur vision du territoire, de leur territoire.

L’oeuvre web propose une pérégrination libre sur le territoire québécois, à la manière d’un road trip virtuel, permettant au promeneur d’aller à la rencontre des compositions sonores de citoyen.nes issus de régions variées, à l’échelle de la province et à différentes saisons. Le projet permet un dialogue poétique interrégional et intergénérationnel, mettant en lumière la diversité de notre magnifique territoire, vue par la lunette (ou par l’oreille) de ceux et celles qui l’habitent. Des insertions de poésie ponctuent également le voyage, apportant une autre manière de parler du territoire. La navigation peut se faire par territoire (villes, villages, quartiers) ou encore par thème, puisque nous avons relevé des liens auditifs entre les différents paysages sonores, permettant de créer des ponts sonores entre les régions.

Lancement

Les Incomplètes s’associent au Mois Multi pour lancer officiellement l’œuvre web NOS TERRITOIRES, paysages sonores dans le cadre d’un 5 à 7 festif. Ce sera l’occasion pour le public de découvrir quelques éléments de cette nouvelle œuvre dans un contexte décontracté et d’assister à des performances sonores inédites composées à partir des sons collectés sur trois des territoires visités au cours du projet.

Nos territoires is an intergenerational audio art project that brings together teenagers, elders and audio artists from various regions of Quebec. Together, they explore the emblematic sounds of their territories, from an intimate and collective point of view, and compose personal audio works that sensitively depict their environment, like sound postcards. All the soundscapes produced as part of this project (running from 2021 to 2026) are uploaded to an evolving web work, composing an intergenerational sound cartography that recounts their vision of the territory, of their territory.

The web project offers a free wander around Quebec, in the style of a virtual road trip, allowing the walker to encounter the sound compositions of citizens from different regions, across the province and in different seasons. The project allows for interregional and intergenerational poetic dialogue, highlighting the diversity of our magnificent territory, as seen through the eyes (or ears) of those who inhabit it. Poetry inserts also punctuate the journey, providing another way of talking about the territory. Browsing can be done by territory (towns, villages, neighborhoods) or by theme, as we have identified audio links between the different soundscapes, allowing us to create sound connections between regions.

Launch

Les Incomplètes joins forces with Mois Multi to officially launch the web project NOS TERRITOIRES, paysages sonores at a festive 5 à 7. This will be an opportunity for the public to discover elements of this new project in a relaxed setting, and to attend original sound performances by Mériol Lehmann, Simon Elmaleh and Chantal Dumas, all three of whom were closely involved in the creative process.


Biographie

Fondée en 2011 à Québec, Les Incomplètes est une compagnie de recherche et de création explorant les croisements entre arts vivants et arts visuels.

Bien qu’elle s’adresse à tous les publics, de l’enfance à l’âge adulte, la compagnie mène une recherche continue autour de la petite-enfance en général et du bébé-spectateur en particulier. Ce public, par sa liberté, remet en question les codes de la représentation et ouvre les portes d’une narrativité nouvelle, fondée sur la sensorialité et l’hybridation des formes. En résultent des œuvres et des univers visuels riches, proposant au spectateur une expérience esthétique hors du commun.

Ayant à cœur de tisser du lien social autour de l’art, Les Incomplètes implantent des propositions dans l’espace public et dans des lieux atypiques. Elles mènent également des projets d’action culturelle, visant à rapprocher la communauté, les artistes et leurs œuvres.

Founded in 2011 in Quebec City, Les Incomplètes is a theater company focused on research and creation, inspired by pluralism in art. True to their unique approach, the company members produce sensory-driven pieces full of rich imagery, providing audiences with a unique aesthetic experience.

While there is a desire to appeal to all audiences, the company focuses its research on early childhood, believing that because children are not bound by theatrical standards, they can be free to delve into narratives based largely on images and senses. 

In hopes of creating a social connection and thus enriching their creative process, Les Incomplètes also spearhead cultural action projects, whose aim is to bring the community, the artists and their creative journey closer together.

 

Crédits

Idéation et direction artistique: Audrey Marchand et Laurence P. Lafaille
Artistes sonores accompagnant.es: Chantal Dumas, Simon Elmaleh, Mériol Lehmann

Participant.es-artistes
Jeunes:
Charles Étienne André
Léa Kim Andrew Jérôme
Évangéline Drapeau
Ange-Aimée Gabriel Ashini
Alice Rivard
Adelle Robillard
Clémentine Roy-Pouliot

Ainé.es :
Ange-Aimée Asselin
Jean-Simon Bouchard
Marie Bélisle
Pierrette Fortin
Jean-Marie Mckenzie
Lina Mckenzie
Marie-Marthe Mckenzie
Ronald Lachapelle
Sylvie Leclerc
Gina Tremblay

Vidéo : John Blouin, Felippe Martin, Josiane Roberge

Photographie: John Blouin, Emilie Dumais, Felippe Martin, Josiane Roberge,

Développement et design web : Artisans Web

Partenaires financiers (oeuvre web et résidence) :
Entente de développement culturelle -Ville de Québec
Conseil des Arts et des lettres du Québec
Conseil des Arts du Canada
Ministère de la culture et des communications du Québec
Caisse d’économie solidaire – Fond d’aide au développement du milieu

Autres partenaires : Avatar, Institut Tshakapesh, école Kanatamat, Table de quartier L’Engrenage St-Roch, le Mois Multi, La Charpente des Fauves, Les Grand bois – Arts et spectacles, Café RINGO

Pour le lancement
Direction artistique: Audrey Marchand et Laurence P. Lafaille
Performances sonores: Chantal Dumas, Mériol Lehmann, Simon Elmaleh

 

 

Crédit : Les Incomplètes


5 à tard + Lancement du catalogue SUNBURST + revue INTER art actuel 143

5 à tard

Un événement organisé par la charpente des fauves et le Mois Multi

5 à tard + Lancement du catalogue SUNBURST + revue INTER art actuel 143

Lieu

Charpente des fauves
Événement gratuit et sans réservation

Date

17 février 17h


Le Mois Multi et la Charpente des fauves vous invite à un programme triple dès 17h le 17 février!
5 à tard

Plongez au cœur de l’exploration artistique intime lors des 5 à tard à la Charpente des Fauves, des événements spontanés où chaque coin du lieu s’anime de performances en chantier, d’expériences numériques innovantes, de conversations éclectiques et d’installations artistiques. Les artistes, partagent leur travail en cours, créent une atmosphère immersive où les frontières entre spectateur.trice.s et créateur.trice.s s’estompent. La Charpente des Fauves se transforme en un écosystème dynamique, invitant la communauté à se rencontrer, partager et célébrer la lumière de la créativité. Un rendez-vous incontournable où chaque recoin de l’espace est investi pour une expérience collective mémorable.

Restez à l’affût des réseaux sociaux de la Charpente des fauves et du Mois Multi pour découvrir qui seront les artistes participant.es!

TBA

Lancement du catalogue SUNBURST

Le catalogue est publié à l’occasion de l’exposition SUNBURST de l’artiste Amélie Laurence Fortin dans le cadre du programme international d’ateliers au Künstlerhaus Bethanien.

SUNBURST fait état de l’hyper productivité qui a animé la pratique de l’artiste en 2020, année qui lui a permis d’ancrer ses recherches sur l’espace, les phénomènes et le corps. À la manière d’un tournant dans son parcours, SUNBURST est un jalon qui vous permettra une lecture éclairée de la pratique artistique de Fortin.

L’exposition et le catalogues ont bénéficié du support financier et logistique du Conseil des arts et des lettres du Québec, de l’Antenne du Québec à Berlin, des Productions Recto-Verso et de Werktank, Factory for old + new media.

À propos de l’artiste : amelielaurencefortin.com
Vidéo du catalogue : vimeo.com/904188129

TBA

Lancement de la revue INTER art actuel 143 – Art altercapacités

En collaboration avec Le Lieu centre en art actuel

Art fou, cripping the art, art handicapé, art sourd, art cru, art situé, art inclusif : autant de manières de percevoir, de penser, de créer des personnes issues de la diversité capacitaire (diversité physique, intellectuelle, cognitive, mentale, sensorielle, d’apprentissage, de langues et de moyens de communication).

À l’opposé d’approches centrées sur les situations de handicap créées par des milieux ou des institutions capacitistes ou audistes, ce numéro se propose de privilégier des situations de création où des personnes autrement capacitées – alter-capacitées – interrogent à nouveaux frais les rapports de l’art aux corps, aux
espaces, aux temporalités (crip time), aux mobilités et aux sensorialités.

En s’intéressant aux processus sensoriels, moteurs, cognitifs de ces artistes qui s’autoidentifient comme ayant des capacités distinctes, sourds ou fous, il s’agira d’observer comment ces pratiques émergentes et actuelles redessinent les conditions et les contours de la création et s’accompagnent ou suscitent de
nouveaux discours sur les processus créatifs, leur accessibilité, leur équité culturelle, leurs potentialités affirmatives et émancipatoires.

Des premiers dispositifs qui interrogeaient la substitution sensorielle (Paul Bach-y-Rita, en 1969) jusqu’à la recherche de création actuelle qui relève de la prothèse et explore la transesthésie, il ne s’agit pas seulement de développer l’accessibilité en société, mais aussi de repenser le corps, les formes et les normes. Ce numéro d’Inter art actuel convie des contributions abordant spécifiquement les arts altercapacités (performance, installation, poésie, manœuvre, art numérique, etc.) et les enjeux artistiques, politiques, culturels et sociétaux qu’ils soulèvent.

TBA


À propos – la Charpente des fauves

Lieu d’accueil pour les créateur·trice·s émergent·e·s ou établi·e·s, elle porte à ébullition des processus de recherche, d’exploration ou de dépassement des frontières disciplinaires. Environnement aux fonctions hybrides, elle héberge des activités de formation, des événements, festivals et services ponctuels. Décidée à mettre en valeur une pluralité et une diversité de voix, La Charpente des fauves est un point de rencontre pour les artistes de tout horizon et leurs publics.

La Charpente des Fauves souhaite se positionner comme nouvel espace d’effervescence pour les arts vivants à Québec.

TBA


Salon sonore

Salon sonore

Origine: Québec et France

Oeuvres sonores

Artistes

Ariane Boulet, Clémence Dumas-Coté, Rachel M. Cholz et Éloïse Demers Pinard

Lieux

La Charpente des fauves
206 Rue Christophe Colomb E Québec, QC, G1K 3S7

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 14 au 18 février

Vernissage le 14 février 17h en présence des artistes

Mardi au vendredi : 13h à 20h


Samedi et dimanche : 10h à 17h


Description

Trois œuvres allant du balados de science-fiction à l’expérimental seront présentées dans un environnement confortable et enveloppant où l’écoute commune comme individuelle sera offerte. Avec la participation des artistes Ariane Boulet, Clémence Dumas-Côté, Rachel M. Cholz et Éloïse Demers Pinard.

Three pieces, ranging from science-fiction podcasts to experimental works, will be presented in a comfortable, enveloping environment, offering both shared and individual listening sessions. With the participation of artists Ariane Boulet, Clémence Dumas-Côté, Rachel M. Cholz and Éloïse Demers Pinard.


Oeuvres présentées

Huitième Île – Eloise Demers-Pinard

Le lendemain de l’apparition d’une île mystérieuse dans la baie de Sept-Îles, une chercheuse en études paranormales est dépêchée sur place. Au fil de son enquête, elle découvre une série de phénomènes inexpliqués gardés secrets depuis plus de cinquante ans. Huitième île est un documentaire sonore de science-fiction nord-côtier, inspiré de faits réels et livré par de vraies personnes.

MUES – Ariane Boulet et Clémence Dumas-Côté

Présentée en collaboration avec CONTOURS

Mues est une création audio liant écriture poétique, composition sonore et invitations au mouvement. C’est une oeuvre qui se déplie en plusieurs épisodes où dialoguent un rapport sensible aux lieux et une quête des matérialités de la présence. Ce parcours sonore, dont la narration explore de nouvelles formes d’écriture audio, est composé d’enregistrements documentaires, d’une écriture narrative planifiée et d’un environnement sonore riche pour étayer le récit.

Avec Mues, nous proposons un théâtre de l’écoute du monde réel et des sensations qui émergent à son contact. L’auditeur, à travers son corps, est immergé dans un parcours sonore. Il s’accorde un temps où un autre réel est possible par l’entremise de la poésie orale, touche à une rencontre hors du temps avec des inconnues, s’immerge dans une création sonore originale constituée de musique et de sons captés en paysages. Le corps de l’auditeur devient la chambre d’échos de son expérience audio et ainsi, prend part au réenchantement de son monde quotidien.

VIENS VALEUR / Je mange mon visage – Rachel M. Cholz

« Je mange mon visage » est la deuxième vidéo réalisée avec Kay ASMR dans le cadre du projet « Viens Valeur ». Ici, elle ingère le contenu de sa première vidéo « Je mange un nid d’abeilles géant ». Mangeant avec appétit ses propres images, elle crée des effets trompe l’œil, l’induisant parfois à chuchoter derrière sa propre bouche. La ruche étant représentative d’un réseau dont elle est reine, la première image avalée est celle d’un cadre de miel. La dernière image sera l’entièreté de l’interface Youtube sur laquelle cette première vidéo fut précédemment postée.

VIENS VALEUR:

« L’ASMR est une sensation distincte, agréable, de picotements ou frissons au niveau du crâne, du cuir chevelu ou des zones périphériques du corps, en réponse à un stimulus visuel, auditif, olfactif ou cognitif. »

À travers Viens Valeur, une mise en scène est proposée à plusieurs youtubeuses ASMR pour leur propre chaîne, faisant écho à leur propre travail tout en abordant des problématiques spécifiques.

Le principe : contacter une youtubeuse, lui proposer une dramaturgie avec une scénographie et des objets crées pour la vidéo, puis guider à distance sa réalisation.

Ce projet s’est développé à travers deux préoccupations. Tout d’abord, le décalage sémiotique en ASMR, face au désintérêt de l’objet comme porteur de sens. Ensuite, il interroge le rôle de l’image, ici iconique, dans l’ère numérique actuelle.
Le travail à distance est très important dans le processus de ce projet. Il donne à voir l’interprétation de nos réalités respectives sur un même objet. Par cette liberté, elles enrichissent la mise en scène de leur propre personnalité.
Ce projet se construit de manière rhizomique : la collaboration autour d’une vidéo influençant la collaboration des prochaines.

Huitième Île – Eloise Demers-Pinard

After the appearance of a mysterious island in the bay of Sept-Îles, a paranormal studies researcher is dispatched to the site. During her investigation, she discovers a series of unexplained phenomena kept secret for more than fifty years. Huitième Île is a Quebec North Shore sci-fi sound documentary, inspired by true events and delivered by real people.

MUES – Ariane Boulet et Clémence Dumas-Côté

Presented in collaboration with CONTOURS

Mues is an audio creation combining poetic writing, sound composition and invitations to movement. It is a work that unfolds in several episodes, in which a sensitive relationship with places and a quest for the materialities of presence interact. This sound journey, whose narrative explores new forms of audio writing, is made up of documentary recordings, planned narrative writing and a rich sound environment to support the narrative.

With Mues, we propose a theater of listening to the real world and the sensations that emerge on contact with it. The listener, through his or her body, is immersed in a sound journey. The listener takes time out to experience another reality through oral poetry, to experience a timeless encounter with the unknown, to immerse himself in an original sound creation made up of music and sounds captured in the landscape. The listener’s body becomes the echo chamber of his or her audio experience, taking part in the re-enchantment of his or her everyday world.

VIENS VALEUR / Je mange mon visage – Rachel M. Cholz

« Je mange mon visage » ( I’m eating my face), is the second video made with Kay ASMR as a partner with the « Viens Valeur » project. In this second video she literally eats the content of her first video « Je mange un nid d’abeilles géant » (I am eating a giant honeycomb).
Eating, with appetite, her own image, she creates a sort of, what you could call trompe l’oeil effect, using images from her former video project. Sometimes we hear her whispering, and this behind the image of her own mouth.
We discover a beehive, representing a network of which Kay ASMR is queen. The first image she is swallowing, is of a beehive frame, while the last image she is eating is literally the image of the YouTube channel.

VIENS VALEUR :

« Through Viens Valeur, several female youtubers are invited to set the scene for their own channel, echoing their own work while tackling specific issues. »

The principle of the project is based on the following: contacting a YouTuber, proposing the YouTuber a working progress with a dramaturgy and set design, as well as objects, created for the video. This working process is guided from a distance.
The project has been developed through two important concerns: first of all the semiotic shift through ASMR as such –which is actually in opposition with the basic meaning of the object itself. And secondly, the ASMR practise questions the role of the image; in this case: an iconic image in the digital era of today.

Collaborating on a distance has an important impact on the development of this project. Our respective interpretation of the same object is influenced by a complete different vision and reality. However, these contrasting points of view result in different layers of dramaturgy.

This project is constructed in a rhizomic manner. And so, collaboration on each video influences collaboration on the next.

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Photos : à venir


cinoche

cinoche

Présenté dans les bibliothèques participantes de la Ville de Québec

Activité gratuite

Présenté en collaboration avec:

Rendez-vous aussi au studio d’Essai situé dans la coopérative Méduse le 8 et 9 février de 17h à 20h pour découvrir CINOCHE !

Horaire des représentations en continu

Présenté en continu du 1er au 26 février dans les bibliothèques suivantes (selon les heures d’ouvertures de chacune d’entre elles):

Neufchâtel, Félix-Leclerc, St-André, Letournesol, Chrystine-Brouillet

Représentation uniques

Bibliothèque Étienne-Parent
4 et 18 février à 14h


Bibliothèque St-Albert
11 et 25 février à 14h


Bibliothèque Paul-Aimé-Paiement
15 février à 18h


Bibliothèque Roger-Lemelin
12 et 26 février à 14h


Bibliothèque Monique-Corriveau
5 et 19 février à 14h


Description

Maintenant à sa 4e édition, CINOCHE fait partie des rendez-vous annuels des familles du Mois Multi ! Le festival propose au jeune public une sélection de courts-métrages provenant de divers pays. À travers des esthétiques et des scénarios très variés, les films tournent autour de la thématique des monstres afin de concorder avec la thématique globale du festival. Un moment de découverte avec le meilleur du cinéma expérimental, d’animation et de courts métrages indépendants!

Courts-Métrages présentés par Wapikoni 

Red sky – Ciel Rouge par Ethan Corston (Eastmain, Québec – Canada – Cree Nation)

Le roi des oiseaux par Donovan Vollant

Missing offering (L’offrande oubliée) par Ray Caplin

The guest par Nick Rodgers (Canada, Québec – Nation Anishnabe, Timiskaming)

Courts-Métrages présentés par Regard

Coeur Fondant par Benoît Chieux

Plody mraků par Katerina Karhankova

 

TBA


mm pour emporter

mm pour emporter

Le Mois Multi pour emporter est une petite trousse numérique que vous pouvez explorer et apprécier directement à partir du site web du festival. Dans son essence bien humble, cette trousse rassemble une sélection des meilleurs sites web interactifs disponibles en ce moment. Le monde des interfaces web jouables est l’objet de recherches et de développements autant chez les artistes que dans les petites boîtes de création, qu’avec les géants du web. Ces nouvelles interfaces interactives sont le reflet du progrès de notre utilisation de l’Internet. 

a. Auto Draw 


b. This person does not exist 


c. AI Duet


d. Infinite Drum Machine 


e. Talk to books 


f. Generative engine 


g. NovelAI 



terrain de jeu numérique

terrain de jeu numérique

Lieu

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Entrée gratuite

Sans réservation

Dates

Du 1er au 19 février 2023

Heures d’ouverture

Lundi, mardi : FERMÉ


Mercredi, jeudi, vendredi :
13h à 21h


Samedi et dimanche :
10h à 17h


Description

Cette année encore, le Mois Multi propose son terrain de jeu numérique pour petits et grands. Le public aura la chance d’y faire plusieurs expériences allant du jeu vidéo à la
réalité virtuelle. Les œuvres sélectionnées rendent le numérique tactile et ludique. De
manière unique, elles font découvrir les diverses facettes des arts multidisciplinaires à la
croisée de la technologie. Un espace pour toute la famille, qui ouvre des fenêtres vers
d’autres mondes!

TBA


Exposition sur les cultures numériques

L’Institut français vous présente ESCAPE, voyage au cœur des cultures numériques. L’exposition offre une plongée dans l’histoire d’Internet ainsi que dans l’univers du big data, du contrôle des données, des médias et de la cybersurveillance. Elle interroge la place de l’humanité dans ce nouvel écosystème matériel et virtuel. La grande question : comment préserver notre connexion au vivant et au monde qui nous entoure dans un environnement de plus en plus numérisé?

TBA

Jeux vidéo d’art

Depuis quelques années, l’univers des jeux vidéo artistiques connaît une véritable explosion. Des grands musées de la planète jusqu’aux adeptes de la manette, tous et toutes recherchent les mondes virtuels les plus surprenants. Les œuvres alternatives que nous vous proposons s’éloignent des jeux vidéo traditionnels. Ils se développent avec agilité et se déploient dans des esthétiques variées, allant du rétro au contemporain. Souvent de format court, ces ludiciels sont présentés comme des essais. Ils ne mettent pas nécessairement de l’avant une quête, des niveaux à franchir ou des interactions. Même quand ils invitent à la participation, ils constituent d’abord des explorations sonores et visuelles autonomes. Ces environnements graphiques étudiés offrent une réflexion sur la jouabilité même du médium. Le Mois Multi fait figure de proue au Québec avec son terrain de jeu numérique. En 2023, il propose de nouveau des œuvres virtuelles conçues par des artistes au statut indépendant provenant de disciplines variées et de maints pays à travers le monde. Venez découvrir cette impressionnante sélection!

TBA


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