Bermudes (dérive) pour yeux fermés

Date

17 février 18h

Durée : 60 minutes

Description

Nous sommes invité.es à entrer dans le décor endormi de Dérive de nuit et à se blottir dans la noirceur. Écoutons. Frédéric Auger a conçu soigneusement la version sonore du spectacle Bermudes (dérive) qui n’a finalement jamais pu voir le jour sur une scène. Maintenant, nous n’avons qu’à fermer les yeux alors que ce spectacle nous est présenté sous forme sonore.

Les ambiances et compositions originales de Frédéric nous ferons glisser d’un état à un autre, jusqu’aux rives de la Basse-Côte-Nord. Nous entendrons des voix. Celle de la femme qui sait des choses. Celles d’une vague de jeunes. Celles de Bob et de Mika. Nous serons témoin.tes de la rencontre de ces deux hommes que tout oppose en apparence, et qui se racontent à partir des séquences d’un film et des fragments d’un roman; tous deux intitulés Bermudes et signés par une femme fascinée par les naufrages.

We are invited to enter the dormant setting of Dérive de nuit and snuggle into the darkness. Let’s listen in. Frédéric Auger carefully crafted the sound version of Bermudes (dérive), a show that never saw the light of day on a stage. Now, all we have to do is close our eyes as this show is presented to us in its audio form.

Frédéric’s moods and original compositions will take us from one state to another, to the shores of the Lower North Shore. We’ll hear voices. The voice of a woman who knows things. Those of a wave of young people. The voices of Bob and Mika. We’ll witness the meeting of these two men, who seem to oppose each other in every way, and who tell their stories from the sequences of a film and fragments of a novel, both entitled Bermudes and written by a woman fascinated by shipwrecks.

Biographie

Fondé à Montréal en 2006, Système Kangourou est une compagnie de création et de production de spectacles et d’événements interdisciplinaires.

Avec sa démarche singulière, Système Kangourou marque depuis plus de 15 ans le paysage théâtral québécois. Sous la codirection artistique et générale d’Anne-Marie Guilmaine et de Claudine Robillard, la compagnie a créé et produit 13 projets originaux présentés dans des contextes in situ ou sur les scènes les plus variées et innovantes : le Festival TransAmériques (FTA), le Carrefour international de théâtre, La Chapelle – Scènes contemporaines, Espace Libre, le Musée d’art de Rouyn-Noranda (MA) et même le Festival Grado Cerro de Bogota.

En juin 2021, Système Kangourou entre comme compagnie résidente au Théâtre Aux Écuries pour un mandat de sept ans. En plus d’y créer leurs prochains spectacles, Guilmaine et Robillard y assument un mandat de codirectrices artistiques et s’impliquent dans la programmation, le mentorat d’artistes de la relève et l’organisation des activités du Centre de création.

Founded in Montreal in 2006, Système Kangourou is a company that creates and produces interdisciplinary shows and events.

Thanks to its singular approach, Système Kangourou has been making its mark on Quebec’s theatrical landscape for over 15 years. Under the artistic and general co-direction of Anne-Marie Guilmaine and Claudine Robillard, the company has created and produced 13 original projects presented in site-specific contexts or on the most diverse and innovative stages: the Festival TransAmériques (FTA), the Carrefour international de théâtre de Québec, La Chapelle – Scènes contemporaines, Espace Libre, the MA Musée d’art de Rouyn and even Bogota’s Festival Grado Cero.

In June 2021, Système Kangourou became a resident company at Théâtre Aux Écuries for a seven-year term. In addition to developing their next productions there, Anne-Marie and Claudine act as co-artistic directors and are now involved in programming, mentoring emerging artists and organizing activities at the Creation Center.

Crédits

Expérience d’écoute immersive de Bermudes (dérive), adaptation audio du spectacle éponyme coproduit par Système Kangourou et le Théâtre du Tandem, à partir du film Bermudes (nord) et du roman Bermudes de Claire Legendre

Musiques, prise de son, mixage, réalisation et spatialisation sonore: Frédéric Auger
Texte: Anne-Marie Guilmaine, Mika Pluviose, Bob Smith et Claire Legendre
Direction artistique: Claudine Robillard et Anne-Marie Guilmaine

Avec les voix de Mika Pluviose, Bob Smith, Jacinthe Tremblay, et celles de la vague de jeunes: Joëlle Beaugrand-Champagne, Raphaël Benchequroun, Rosalie Caron, Emrys Farley, Romane Perron, Romane St-Pierre, Malek Thériault et Adèle Tremblay

L’adaptation audio de Bermudes (dérive) est une production de Système Kangourou soutenue par le Conseil des arts du Canada.

TBA

Photo : à venir

Warm Up

warm Up

Origine: Montréal

Performance

Artistes

Mykalle BIELINSKI

Lieu

studio d’Essai
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Billetterie

Dates

15 février 20h30

16 février 20h30

17 février 14h

Durée : 60 minutes

Toutes les représentation sont suivie d’une discussion avec l’artiste

Description

En réponse aux crises climatique et énergétique, le spectacle Warm up pousse la société de consommation dans ses derniers retranchements. Il aborde de front l’angle mort du développement durable : l’utilisation de ressources naturelles et d’électricité. Comment donc créer un spectacle écoresponsable ? En produisant soi-même son électricité avec un vélo peut-être?

Dans une ultime expérience d’autosuffisance énergétique, Mykalle Bielinski pédale pour recharger une batterie qui alimente les éléments de son spectacle. Mais la surchauffe et l’épuisement la guettent et l’artiste doit faire face à sa surconsommation pour survivre. À la fois performance sportive, manifeste, concert et méditation, Warm up explore les décroissances nécessaires pour guérir de notre avidité et reconstruire le lien brisé à la nature. Dans le sacré des chants et des gestes rituels, le spectacle révèle le rôle crucial que peuvent jouer les artistes dans la sensibilisation à la crise climatique.

How do you stage an eco-responsible show ? By producing your own electricity using a bike. WARM UP explores our relationship with nature through the lens of overconsumption by rethinking the act of making art. Drawn into a system that exploits her, the artist explores the principles of degrowth and resilience through a ritual laden with mythological and political overtones. In this athletic and musical piece, science and fiction collide to inspire a paradigm shift on both the personal and societal level, and to offer paths of reconciliation for our world.

Biographie

Native de Québec, Mykalle Bielinski est chanteuse, artiste multidisciplinaire, compositrice, conceptrice sonore, autrice et productrice. Elle œuvre au carrefour de la musique et des arts vivants depuis plus d’une décennie et fusionne performances vocales, musiques, poésies et gestes rituels. Son aventure musicale s’inspire des traditions liturgiques et combine la voix à des tonalités électroacoustiques contemporaines. En cette époque où chacun·e cherche à donner un sens à sa vie, elle crée des spectacles méditatifs qui invitent à le découvrir. Initiatiques et intemporels, ils ouvrent sur des dimensions spirituelles insoupçonnées. Bienveillants et chaleureux, ils convient au sublime en soi.

As a singer, multidisciplinary artist, composer, sound designer, author and producer, Mykalle has now been intertwining music and performing arts for over a decade. Specialized in vocal performance, her work blends song, music, poetry and ritual gestures. Her trilogy on the sacred (2015–2021) consists of three musical performances that place the artist’s voice at the heart of a spiritual journey: Gloria (2015), a 360-degree solo multimedia opera; Mythe (2018), a mystical ceremony for five voices; and Warm Up (2021), an ecological ritual in which the artist generates her own power. Since her graduation as a performer from l’UQAM’s École supérieure de théâtre in 2011, she has composed and performed for over fifty theater, dance, film and podcast projects. She also worked as a radio commentator, lent her voice to various productions (7 doigts, Cirque du Soleil) and wrote Mythe, précédé de Gloria, a book of poems published at Les Éditions du passage in 2021. So far, she has performed all across Quebec, Canada, and in Europe. Her first album will be released in January 2024.

Crédits

Interprétation, texte, conceptions : Mykalle Bielinski
Dramaturgie : Myriam Stéphanie Perraton-Lambert
Collaboration à la mise en scène : Édith Patenaude
Centrale électrique : Gabriel Duquette

TBA

Photos : Maxime Côté

Le Carougeois

Origine: Gaspésie

Performance

Artiste

Gilles Arteau

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Billetterie

Dates

22 février 19h30 – représentation suivie d’une discussion avec l’artiste

23 février 19h30

Durée : 55 minutes

Description

Le Carougeois est une performance poétique éclatée dans l’espace qui fait usage de constructions audio-visuelles en direct pour une salle intime dans une étonnant chemin sinueux qui nous relie au passé.

Dans cette fresque étonnante, nous sommes transporté.es au début des années 80 au 31 rue Dauphine, Vieux-Québec. Le passé nous colle aux basques. Il y a une vie citoyenne de tous les jours dans ce quartier farci de traces historiques. Elle est près de s’éteindre.

Le Carougeois met à contribution le théâtre d’objets et la marionnette, l’art audio et la vidéo, la littérature, la performance et la voix. Le récit, conçu et dirigé par Gilles Arteau, est exécuté avec la complicité créatrice de Marcelle Hudon, Carole Nadeau, Meriol Lehman, Sylvain Miousse et Steve Verreault. Une création originale avec la participation d’artistes pionnier.ères dans l’histoire de l’art multidisciplinaire au Québec.

Le Carougeois is a poetic performance bursting into space, using live audio-visual constructions for an intimate room in an astonishing winding path that links us to the past.

In this surprising tale, we’re transported to the early 80s at 31 rue Dauphine, Old Quebec. The past clings to us. There’s an everyday life in this neighborhood full of historical traces. It’s about to die out.

Le Carougeois uses object and puppet theater, audio and video art, literature, performance and voice. The story, conceived and directed by Gilles Arteau, is performed with the creative complicity of Marcelle Hudon, Carole Nadeau, Meriol Lehman, Sylvain Miousse and Steve Verreault. An original creation with the participation of artists who are pioneers in the history of multidisciplinary art in Quebec.

Biographie

Enseignant en philosophie (Cégep de Limoilou et de Matane) et en cinéma expérimental (Université Laval), il fonde en 1982 le centre d’artistes multidisciplinaire Obscure, coopérative de travailleur·euses. Avec Autopsy (groupe de défense des psychiatrisé·es), il met sur pied Folie/Culture. Il est l’un des membres fondateurs du RCAAQ (Regroupement des centres d’artistes autogérés du Québec). Supporté par les organismes communautaires et artistiques qui la composent, il coordonne la réalisation de la coopérative immobilière Méduse. Poète sonore, écrivain, performeur et musicien bruitiste, il a contribué à des créations de Bruit TTV, d’Arbo Cyber, théâtre (?), et de Recto-Verso. Il a assumé la direction de CKRL-MF et celle du Carrefour de la littérature, des arts et de la culture (Mont-Joli).

Directeur administratif d’Espace F, il y développe avec Julie Bérubé Zoom sur ma région, et avec François Wells Québec décapé suivi de D’ici D’ailleurs. En 2013, il lance l’événement PHOS, manifestation consacrée à l’utilisation de l’objet photographique dans les arts visuels, numériques/médiatiques et multidisciplinaires; il en est aujourd’hui président et commissaire. Membre du conseil d’administration du REPAIRE, il a contribué aux comités de pilotage, d’intégration et de transition du projet de fusion entre le CQAM, le RAIQ et le RCAAQ.

As a teacher of philosophy (Cégep de Limoilou and Cégep de Matane) and of experimental film (Université Laval), Gilles founded Obscure in 1982 – a multidisciplinary artist-run center and worker cooperative. With Autopsy (an advocacy group for psychiatric patients), he set up Folie/Culture. He is a founding member of RCAAQ (the association of artist-run centers in Quebec). Supported by the community and arts organizations that make up this association, he coordinated the creation of the Méduse real estate cooperative. Sound designer and poet, writer, performer and noisemaker, he has contributed to projects by collaborators Bruit TTV, ArboCyber and Recto-Verso, as well as some theatrical(?) productions. He has been director of CKRL-MF and of the Carrefour de la littérature, des arts et de la culture (Mont-Joli).

As the administrative director of Espace F, he developed Zoom sur ma région, with Julie Bérubé, as well as Québec décapé and D’ici D’ailleurs, with François Wells. In 2013, he launched PHOS, an event devoted to the use of the photographic object in the visual, digital/media and multidisciplinary arts; he is now president and curator. Arteau is a member of the REPAIRE Board of Directors. He contributed to the steering, integrating and transitioning committees of the merger project between CQAM, RAIQ and RCAAQ.

Crédits

Auteur : Gilles Arteau
Enveloppe visuelle et marionnettes : Marcelle Hudon
Enveloppe audio : Mériol Lehmann
Image et traitement vidéo : Steve Verreault
Voix et actes performatifs : Carole Nadeau et Sylvain Miousse

TBA

Photos : Steve Verreault

Mystic-Informatic

Origine: Montréal

Performance

Artistes

Audrée Juteau, Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus, Ellen Furey

Lieu

studio d’Essai
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Billetterie

Dates

23 février 21h

24 février 19h30

Durée : à venir

Description

Le spectacle Mystic-Informatic croise de manière inattendue la danse, la mycologie et les technologies numériques. À la source de ses préoccupations se retrouvent un questionnement sur le sens de la danse dans le contexte du virage numérique, une fascination pour l’univers énigmatique des champignons ainsi qu’une préoccupation pour l’environnement et les déchets produits par le renouvellement constant de la technologie. Dans un récent ouvrage de l’anthropologue Anna Lowenhaupt Tsing, Le champignon de la fin du monde, on apprend que le champignon matsutake ne pousse que dans les ruines du capitalisme. Dans ces forêts rasées, ces paysages dévastés par l’exploitation où l’on ne croyait plus aucune vie possible, ce champignon amène une lueur d’optimisme. Mystic-Informatic s’empare du matsutake comme métaphore et propose la danse comme force résistante capable d’insuffler une nouvelle vie aux déchets technologiques.

Par la danse et les corps, la technologie se détourne de ses fonctions premières réelles et nous nous y connectons de façon sensorielle, corporelle et imaginative. Dans un esprit punk, apocalyptique et féministe, Mystic-Informatic nous invite à redonner le pouvoir à la danse pour exorciser notre désespoir écologique.

Mystic-Informatic unexpectedly combines dance, mycology and digital technologies. At the root of the show’s concerns are a questioning of the meaning of dance in the context of the digital shift, a fascination with the enigmatic world of mushrooms, and a preoccupation with the environment and the waste produced by the constant renewal of technology. In a recent book by anthropologist Anna Lowenhaupt Tsing, The Mushroom at the End of the World, we learn that the matsutake mushroom only grows in the ruins of capitalism. In these razed forests, these landscapes devastated by exploitation where no life was thought possible, this mushroom brings a glimmer of optimism. Mystic-Informatic uses the matsutake as a metaphor, proposing dance as a resilient force capable of breathing new life into technological waste.

Through dance and bodies, technology is diverted from its real primary functions, and we connect with it in a sensory, corporeal and imaginative way. In a punkish, apocalyptic and feminist spirit, Mystic-Informatic invites us to give power back to dance to exorcise our ecological despair.

Biographies

Audrée Juteau

Native de l’Abitibi-Témiscamingue, Audrée Juteau est revenue s’installer dans la région il y a cinq ans avec le projet de contribuer à décentraliser la pratique artistique des grands centres urbains. Nouvellement directrice de l’Écart, son parcours professionnel entrecroise la direction de L’Annexe-A, qui a pour objectif le soutien aux artistes en offrant notamment des résidences de création dans le quartier de Bellecombe à Rouyn-Noranda, ainsi qu’une pratique artistique de chorégraphe et de performeuse/danseuse dans le milieu de la danse contemporaine et des arts interdisciplinaires depuis une vingtaine d’années. Elle est également diplômée de LADMMI, détient une maîtrise en danse de l’UQAM et est récipiendaire de la bourse danceWEB 2010 – ImPulsTanz (Autriche) octroyée par Jardin d’Europe et du prix David-Kilburn (2015). Les œuvres expérimentales de danse contemporaine d’Audrée Juteau contiennent une part d’imprévisibilité et cherchent à mettre sur un pied d’égalité les êtres humains, les animaux et les objets. Avec Mystic-Informatic, elle retourne à la création collective avec N. Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus et Ellen Furey. Pour cette création, elles imaginent ensemble des méthodologies empruntées au monde fongique.

Catherine Lavoie-Marcus

Catherine Lavoie-Marcus est une artiste interdisciplinaire et chercheuse en arts vivants basée à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal. Depuis 2009, elle présente des créations chorégraphiques dans des contextes variés : sur scène, in situ, dans des galeries d’art et des salles de musées. Elle publie des zines et des réflexions théoriques sous la forme d’articles et d’essais et, de 2014 à 2019, elle tient une chronique d’écriture libre à Esse arts + opinions en compagnie de Michel F Côté. Lors de l’édition 2022 du Festival TransAmériques, le binôme lance l’ovni littéraire Danses à venir, un recueil qui rassemble 161 propositions de danses qui spéculent sur l’art chorégraphique et sa futurité. Lavoie-Marcus détient un doctorat en études et pratiques des arts de l’UQAM.

Ellen Furey

Ellen Furey est une artiste-chorégraphe basée à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal, au Canada. Depuis 2012, elle travaille sur et au sein de processus discursifs collaboratifs et interdisciplinaires qui insistent sur le désordre des subjectivités. Son travail utilise le potentiel des virtuosités de la danse et de l’art du spectacle comme matériau de vie, de rébellion oblique et de débat, enchevêtré dans une lourde ambiguïté. Elle collabore avec des artistes tels que Malik Nashad Sharpe, Dana Michel, Christopher Willes, Audrée Juteau, N. Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus, Paul Chambers, Hanako Hoshimi-Caines, Alanna Stuart, Romy Lightman, et a dansé dans des œuvres de Dancemakers, Daniel Léveillé, Frédérick Gravel, Mårten Spångberg (Suède) et Tina Tarpgaard (Danemark) entre autres.

Le travail d’Ellen a été présenté en Europe, au Canada, aux États-Unis et au Royaume-Uni. Elle a co-créé deux œuvres de danse avec le chorégraphe britannique Malik Nashad Sharpe (SOFTLAMP.autonomies (2018) et High Bed Lower Castle (2022, FTA)), et sa plus récente œuvre Lay Hold to the Softest Throat a été créée au Festival TransAmériques (Montréal) en juin 2023. Elle est récipiendaire en 2014 d’une bourse danceWeb – ImPulsTanz (Autriche) et diplômée de la School of Toronto Dance Theatre. Furey suit actuellement une formation en médiumnité/développement psychique et en gestion des conflits (Université de Waterloo). Elle est certifiée comme doula de fin de vie. Depuis 2019, elle est conseillère artistique à Danse-Cité, un diffuseur de danse contemporaine à Montréal.

Zoey Gauld

Zoey Gauld est une artiste de la danse qui travaille sur des terres autochtones non cédées à Tiohtià:ke/Mooniyang/Montréal, au Québec. Elle aime considérer le corps comme un vecteur de possibilités qui déstabilise les idées et les identités par le mouvement. Cette année, Gauld collabore avec Audrée Juteau, Catherine Lavoie-Marcus et Ellen Furey/L’Annexe-A, Sasha Kleinplatz et Créations Estelle Clareton. Elle est titulaire d’une maîtrise en danse de l’UQAM et est membre d’Addendum Actions Criticality with Care (AACC).

Audrée Juteau

Born in Abitibi-Témiscamingue, Audrée Juteau returned to the region five years ago with the goal of contributing to the decentralization of artistic development from large urban centers. Newly appointed director of L’Écart, her professional career intertwines the direction of L’Annexe-A, whose objective is to support artists by offering creative residencies in the Bellecombe district of Rouyn-Noranda, with her 20-year artistic practice as a choreographer and performer/dancer in the field of contemporary dance and interdisciplinary arts. She is also a graduate of LADMMI, holds a master’s degree in dance from UQAM and is a recipient of the DanceWeb 2010 – ImPulsTanz (Austria) grant, awarded by Jardin d’Europe, as well as the David-Kilburn Prize (2015). Audrée Juteau’s experimental contemporary dance pieces often contain an element of unpredictability and seek to put human beings, animals and objects on equal footing. With Mystic-Informatic, she returns to collective creation with N. Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus and Ellen Furey. For this project, they imagine and borrow methodologies from the world of fungi.

Catherine Lavoie-Marcus

Catherine Lavoie-Marcus is an interdisciplinary artist and performing arts researcher based in Tiohtiá:ke/Mooniyang/Montreal. Since 2009, she has presented choreographic artworks in various contexts: on stage, in situ, in art galleries and museums. She publishes zines, articles and essays to share her theoretical research and wrote a column for esse arts + opinions with Michel F Côté from 2014 to 2019. For the 2022 edition of Festival TransAmériques, the pair launched Danses à venir, a literary oddity compiling a collection of 161 dance proposals that speculate on choreographic art and its future. Catherine holds a PhD in Art Practice and Studies from UQAM.

Ellen Furey

Ellen Furey is a dance artist and choreographer based in Tiohtiá:ke–Mooniyang–Montréal, Canada. Since 2012, she has worked on and within collaborative and interdisciplinary discursive processes that insist on a mess of subjectivities. Her work uses dance virtuosity and performative showmanship as materials for vibrant living, oblique rebellion and debate – all of it entangled in heavy ambiguity. She collaborates with artists such as Malik Nashad Sharpe, Dana Michel, Christopher Willes, Audrée Juteau, N. Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus, Paul Chambers, Hanako Hoshimi-Caines, Alanna Stuart and Romy Lightman; and has danced in works by Dancemakers, Daniel Léveillé, Frédérick Gravel, Marten Spangberg (Sweden), Tina Tarpgaard (Denmark), among others.

Ellen’s work has been presented in Europe, Canada, in the USA and the UK. She has co-created two dance works with UK-based choreographer Malik Nashad Sharpe (SOFTLAMP.autonomies (2018) and High Bed Lower Castle (2022, FTA)) and her most recent work Lay Hold To The Softest Throat premiered at Festival TransAmériques (Montreal) in June 2023. She is a 2014 recipient of a DanceWeb – ImpulsTanz scholarship (Vienna) and a graduate of the School of Toronto Dance Theatre. Ellen is currently training in both mediumship/psychic development and Conflict Management (University of Waterloo) and is a certified Death Doula. Since 2019, she has been an artistic advisor at Danse-Cité, a contemporary dance presenter in Montreal.

Zoey Gauld

Zoey Gauld is a dance artist working on Indigenous land in Tiohtià:ke / Mooniyang / Montreal, Quebec. She is interested in bodies as containers and agents of possibility, that unsettle ideas through movement. This season, Zoey is collaborating with Audrée Juteau, Catherine Lavoie-Marcus, Ellen Furey, Marilyne St-Sauveur/ L’Annexe-A, Erin Hill, Sasha Kleinplatz and Créations Estelle Clareton. She holds a master’s degree in dance studies from UQÀM and is a member of Addendum Actions Criticality with Care (AACC).

Crédits

Création collective : Audrée Juteau, N. Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus, Ellen Furey, en collaboration avec Marilyne St-Sauveur
Performance : Audrée Juteau, N. Zoey Gauld, Catherine Lavoie-Marcus, Ellen Furey
Initiée et portée par Audrée Juteau
Premières conversations et administration : Audrée Juteau et N. Zoey Gauld
Artiste visuel : Martin Beauregard
Conception sonore : Geneviève Crépeau
Chargé de diffusion : Art Circulation
Conception éclairage : Karine Gauthier
Une production de L’Annexe-A

Résidences de création :
Studio 303, l’Écart, L’Annexe-A, L’Agora des Arts, Centre de Création O vertigo, Centre d’art Diane-Dufresne grâce au Théâtre Hector-Charland

Avec le soutien du Conseil des arts du Canada, du Conseil des arts et des lettres du Québec et de l’Entente de partenariat territorial CALQ et Abitibi-Témiscamingue.

TBA

Photos : Nicolas-Biaux

La fin

Origine: Québec

Performance, musique

Artiste

Allo Exil et StMichel

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Billetterie

Dates

24 février 21h

Durée : à venir

Description

Nous sommes invité.es à la fête finale de la 25e édition du Mois Multi qui sera animée par des performances d’allo exil et de Michel Plamondon (StMichel)!

TBA

Biographies

ALLO EXIL

ALLO EXIL est un collectif de performance de la ville de Québec qui apprivoise les contingences issues de la rencontre entre musicalité et art sonore. L’ensemble, composé de Léonard Azzaria, Najoua Bennani et Lé Aore, invite à multiplier l’écoute au fil d’un entrelacement où l’ironie embrasse avec détresse les dispositifs intimes qui offrent aux regards des espaces éthérés dans une composition dégenrée alliant le numérique à l’analogique.

StMichel

Depuis son premier album dans les années 80 avec la formation dark-wave Handful of Snowdrops, Michel Plamondon a produit des performances live ainsi que des réalisations studio sous différents pseudonymes.
Depuis les années 90, il se distingue par ses performances live d’acid-house ainsi que par l’hypnotisme de ses DJ sets techno. Il se concentre sur la vague micro-house-minimale pendant plus d’une décennie, produit de la dub-techno déjantée et créé la plateforme CCCLTD.CA qui regroupe une multitude d’artistes explorant les sonorités technologiques.

TBA

Crédits

À venir

TBA

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Photos : À venir

Vernissage des expositions

Vernissage

Artistes

Vernissage des expositions

Point de départ

Hall de Méduse

réservation

Date

2 février 2024, à partir de 15h

*La réservation est nécessaire seulement pour les personnes désirant avoir une place dans l’autobus de 15h à 17h. Le reste du parcours ne nécessite aucune réservation.

Description

Soyez de la partie avec l’équipe du Mois Multi pour la soirée de vernissage des expositions! Déplacez-vous tout d’abord bien au chaud dans l’autobus du festival pour visiter les oeuvres plus éloignées du centre-ville (réservation de votre place requise) et complétez ce Panorama des oeuvres en vous déplaçant ensuite à pied entre les différents lieux d’exposition du centre-ville.

TBA

Déroulement

Partie 1 – Possibilité de réserver votre place gratuitement dans notre autobus

15h – Hall de Méduse (navette)
15h15 – Au-dessus de nos têtes Josiane Roberge – Biblio. Aliette Marchand (+ navette vers MCQ)
16h15- Surfaces fuyantes François Quévillon – Musée de la civilisation de Québec

Partie 2 – sans réservation,
déplacement à pieds

17h00 – Hall de Méduse – (déplacement à pied)
17h30 – Carte blanche à Club Efemeer – Studio d’Essai
17H50 – Carte blanche à Claudie Gagnon – Avatar
18h30 – S’envisager Les Hiérarchies horizontales – L’Espace Suspendu – Biblio. Gabrielle Roy
18h45 – Organism Navid Navab – La Nef
19h30 – Octocosm[e] Vincent Fillion – La Charpente des fauves
20h – Arrière-salles Baron Lanteigne – Le Lieu

Fin de soirée festive au Lieu

Les expositions ouvrent à partir du 1er février – vous pouvez consulter les heures d’ouverture de chaque lieu.

Carte blanche au Club Efemeer

Origine: Belgique

Exposition

Artistes

Club Efemeer

Une oeuvre présentée en collaboration avec Werktank

Lieu

studio d’Essai
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er février au 11 février

Vernissage le 2 février

Mardi au vendredi : 13h à 20h

Samedi et dimanche : 10h à 17h

*l’exposition fermera exceptionnellement à 18h le 1er et 2 février, ainsi qu’à 13h le 3 février.

Description

Dans le cadre du 25^e anniversaire du festival, nous donnons carte blanche au Club Efemeer, ce duo d’artistes belges qui se spécialise dans les installations lumineuses d’envergure. Ensemble, ils produiront tout au long du mois de décembre et janvier une œuvre unique qui vous sera dévoilée dès le 1^er février au studio d’Essai!

Pendant sa résidence au Mois Multi, le Club Efemeer mènera des recherches et des expériences sur la composition spatiale et les aspects performatifs de son installation. Celle-ci jouera avec le concept de rideau éphémère, un objet non tangible qui ressemble et se comporte comme un rideau. D’apparence très minimale, l’oeuvre choisit d’ignorer la technologie complexe qui génère la sculpture et se concentre plutôt sur le jeu délicat entre ce tissu éphémère, le spectateur et l’espace.

As part of the festival’s 25th anniversary, we’re giving carte blanche to Club Efemeer, a duo of Belgian artists who specialize in large-scale light installations. Together, they will produce a unique work throughout December and January, to be unveiled at the Studio d’Essai on February 1!

During their residency at Mois Multi, Club Efemeer will be researching and experimenting with the spatial composition and performative aspects of their installation. The installation will play with the concept of the ephemeral curtain, a non-tangible object that looks and behaves like a curtain. Very minimal in appearance, the work chooses to ignore the complex technology that generates the sculpture, concentrating instead on the delicate interplay between this ephemeral fabric, the viewer and the space.

Biographie

Club Efemeer est né en 2017 d’une collaboration entre les artistes visuels Maarten Vanermen et Arnaud De Wolf lors de leur résidence à Cas-co à Louvain (Belgique). Depuis, ils créent des scénographies pour et inspirées par la nuit et, par la suite, des installations. Le travail de Club Efemeer se situe à la croisée des chemins entre la haute et la basse technologie, l’analogique et le numérique ; il relie l’art visuel à la scénographie, nos sens à la science.

Actuellement, le Club Efemeer mène des recherches sur les sculptures lumineuses éphémères. Il étudie les moyens de manipuler la lumière artificielle et la fumée afin de créer des formes et des volumes sculpturaux sans corps tangible. Ces sculptures touchent aux qualités physiques de la lumière et de la fumée, à la perception humaine, à la composition spatiale, à la spectabilité et à la performativité de la/des sculpture(s).

Club Efemeer originated in 2017 as a collaboration between visual artists Maarten Vanermen and Arnaud De Wolf during their residency at Cas-co in Leuven (Belgium). Since then, they have been creating scenographies for and inspired by the night and have subsequently developed installation pieces. Club Efemeer’s work is at the crossroads of high tech and low tech, of analog and digital; it connects visual art with scenography, intertwines our senses with science.

Currently, Club Efemeer is conducting research on ephemeral light sculptures. They are investigating ways to manipulate artificial light and smoke in order to create sculptural shapes and volumes without a tangible body. These sculptures touch upon the physical qualities of light and smoke, but also reflect upon human perception, spatial composition, spectatorship and the work’s own performativity.

In addition to their individual and collective practice, Maarten is curator of visual arts at Pilar House for Art & Science, of the Free University of Brussels and Arnaud conducts research into the scenographic and dramaturgical aspects of club culture.

Crédits

Conception : Club Efemeer

TBA

Photo : Club Efemeer

Révolution minute, ainsi passe la gloire du monde

carte blanche à claudie gagnon

Origine: Québec

Exposition

Artistes

Claudie Gagnon

Cette oeuvre est Présentée en collaboration avec avatar

Lieu

Studio Avatar
541 Rue Saint-Vallier E
5e étage
Québec, QC G1K 3P9

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er février au 11 février

Vernissage le 2 février

Mardi au vendredi : 13h à 20h

Samedi et dimanche : 10h à 17h

Description

Ainsi passe la gloire du monde

Installation mnémonique convoquant les langages inhérents aux courants de la nature morte flamandes du XVIIe siècle, au memento mori et à la vanité, « Ainsi passe la gloire du monde » propose une allégorie de la destinée éphémère de l’humain et de la vacuité de ses engagements, telles des sépultures du quotidien et des inventaires de patrimoines mythologiques.

Adressant des clins d’œil à l’histoire de l’art, l’œuvre met en scène des rencontres insolites entre le familier et le sauvage, l’organique et le quotidien, tissant des liens entre éléments personnels et principes universels. Autant de récits sur la permanence des humains et des objets à travers les artefacts, cette œuvre interroge le contenu des choses qui nous survivent, mettant en exergue la fragilité de l’existence, la nature fugace et le vieillissement des Êtres.

L’œuvre prend vie de manière subtile, générant tour à tour des rotations d’objets ou des pulsations sonores en référence à la notion du temps, aux mécanismes routiniers et aux cycles inscrits dans les recommencements perpétuels.

À l’image de l’œuvre, lors du vernissage le 2 février, un actant prendra place au à travers cette dépression lente, renforçant ainsi l’idée d’éphémérité du quotidien et élargissant notre vision sur la beauté de l’ordinaire.

Une coproduction et une codiffusion d’Avatar et des Productions Recto-Verso.

Claudie Gagnon is a renowned artist whose work has been recognized for over 30 years. During a 4-week residency in January offered by the Avatar center and Mois Multi, she will develop a brand-new animated sound installation, to be unveiled in February. The artist’s multiple creations are imbued with playfulness and poetry, at once enchanting and disquieting, provoking enchantment and discomfort, hesitating between the ordinary and the extraordinary.

Biographies

Originaire de Montréal, Claudie Gagnon, artiste multidisciplinaire autodidacte active depuis plus d’une trentaine d’années, vit et travaille à Québec.

Sa pratique se déploie sous plusieurs formes : installation, tableau vivant, sculpture, vidéo, photo, food art, création jeune public, collage et art intégré à l’architecture. Son travail est présenté autant dans les lieux voués à l’art – centres d’artistes, galeries, musées, théâtres – que dans des endroits choisis pour leur potentiel à stimuler la création d’œuvres in situ (grange, jardin, usine, église désaffectée, appartement voué à la démolition, etc.). Elle recycle tant des objets d’usage courant que des concepts, des œuvres plus ou moins notoires de l’histoire de l’art, en plus de s’intéresser aux empreintes visuelles et sonores qui forment notre culture savante et populaire. Ses créations sont empreintes de ludisme et de poésie : à la fois ravissantes et inquiétantes, elles provoquent l’enchantement et le malaise, hésitent entre l’ordinaire et l’extraordinaire. On y retrouve des éléments périssables, comme des aliments ou des végétaux, expression des cycles de la vie et du travail du temps sur toutes choses.

Ses œuvres ont été présentées dans des centres d’artistes, des galeries, des musées et des festivals en Amérique du Nord, en Asie et en Europe. Elles font partie des collections du MNBAQ, du MACM, du MBAM, du Musée d’art de Joliette et de plusieurs collections privées. Elle a occupé les studios de Paris et de Mexico du Conseil des arts et des lettres du Québec pour des résidences de création.

Originally from Montreal, Claudie Gagnon is a self-taught multidisciplinary artist who has been active for over thirty years, and who now lives and works in Quebec City.

Her practice takes many forms: installation, living painting, sculpture, video, photography, food art, creations for young audiences, collage and art integrated into architecture. Her work is not only presented in art venues – artist-run centers, galleries, museums, theaters – but also in places chosen for their potential to stimulate the creation of in situ works (barns, gardens, factories, disused churches, apartments earmarked for demolition, etc.).

She recycles everyday objects as well as concepts and more or less notorious works from the history of art, in addition to taking an interest in the visual and sonic markers that make up our high and popular cultures. Her creations are imbued with playfulness and poetry, at once enchanting and disquieting, provoking delight and unease, vacillating between the ordinary and the extraordinary. Perishable elements, such as food and plants, express the life cycles and the effects of time on all things.

Her work has been shown in artist-run centers, galleries, museums and festivals in North America, Asia and Europe. Her pieces are part of the collections of the MNBAQ, MACM, MBAM, Musée d’art de Joliette and several private collections. She has held creative residencies in the Paris and Mexico City studios of the Conseil des arts et des lettres du Québec.

Crédits

Conception : Claudie Gagnon

L’artiste remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec de son appui financier.

TBA

OCTOCOSM[E]

Origine: Montréal

Exposition

Vincent Fillion

Lieu

Galerie fauve – La Charpente des fauves
206 Rue Christophe Colomb E
Québec, QC, G1K 3S7

Entrée gratuite – sans réservation

Dates et heures d’ouverture

Du 1er février au 11 février

Vernissage le 2 février

Mardi au vendredi : 13h à 20h

Samedi et dimanche : 10h à 17h

Description

La présentation de cette oeuvre dans le cadre du Mois Multi est rendue possible grâce au soutien de Première Ovation.

Les bourdons sont des sons continus évoluant partout autour de nous. Vent, rivières, chantiers de construction, autoroutes, néons, réfrigérateurs, sécheuses… ils font partie de notre vie de tous les jours, pour le meilleur et pour le pire !

OCTOCOSM[E] est une installation immersive qui nous invite à manipuler deux instruments interactifs afin d’explorer les possibilités sonores et visuelles des bourdons du quotidien.

Le mode de fonctionnement des instruments associe la synthèse sonore d’inspiration analogique à la vidéo expérimentale en 3D. Ils sont composés de générateurs de matière qui produisent des sons, des formes et des textures simples, colorées et complémentaires. Au toucher, chaque paramètre de leur panneau de contrôle modifie à la fois le son et la vidéo projetés. Le public peut interagir avec les instruments librement et sans connaissance préalable, permettant la découverte de la synthèse audiovisuelle par l’expérimentation et la création en temps réel.

L’installation offre aux participant·e·s la chance de se plonger dans l’état exploratoire dans lequel se met l’artiste lors du processus de création. Par sa multiplicité, elle rend aussi possible une expérience collaborative et partagée au sein du public.

OCTOCOSM[E] a bénéficié du soutien financier de Première Ovation, d’XN Québec et du Conseil des arts du Canada et est présentée pour la première fois au Mois Multi. Cette œuvre nous permet de nous retrouver au cœur et aux commandes de ses paramètres en la faisant réagir selon notre inspiration du moment !

Drones are continuous sounds that evolve all around us. Wind, rivers, construction sites, highways, neon lights, refrigerators, dryers… they’re part of our everyday lives, for better or for worse!

OCTOCOSM[E] is an immersive installation that invites us to manipulate two interactive instruments to explore the audio and visual possibilities of everyday drones.

The instruments combine analog-inspired sound synthesis with experimental 3D video. They are composed of material generators that produce simple, colorful and complementary sounds, shapes and textures. When touched, each parameter on their control panel modifies both the sound and video projected. Audiences can interact with the instruments freely and without prior knowledge, enabling them to discover audiovisual synthesis through experimentation and real-time creation.

The installation offers participants the chance to immerse themselves in the exploratory state into which the artist enters during the creative process. Through its multiplicity, it also makes possible a collaborative, shared experience within the audience.

Biographie

La démarche multidisciplinaire de Vincent Fillion prend racine dans la musique pop et rock. Grâce à un baccalauréat en musiques numériques à l’Université de Montréal achevé en 2018, il se plonge dans l’art sonore, l’expérimental et l’audiovisuel. Il y développe une avidité pour la démocratisation des pratiques liées aux arts technologiques.

La notion de simplexité audiovisuelle est intimement liée à son corpus d’œuvres, qui comprend pièces acousmatiques, vidéomusique, performances audiovisuelles et installations. En découle un besoin d’inventer de nouveaux moyens d’expression expérimentaux dénués de la pression de performance qu’implique la pratique d’un instrument de musique traditionnel. À travers ce parcours, il développe une expertise en logiciels libres, en électronique et en programmation créative.

Son travail a été présenté dans plusieurs festivals internationaux (Allemagne, États-Unis, Royaume-Uni, Canada). Il travaille maintenant à poursuivre cette démarche en installation, performance et conception audiovisuelle.

Vincent Fillion’s multidisciplinary approach is rooted in pop and rock music. With a bachelor’s degree in digital music from the Université de Montréal completed in 2018, he immersed himself not only in sound art, but also experimental and audiovisual art. Through his experiences, he developed an avidity for the democratization of practices linked to technological arts.

The notion of audiovisual simplexity is intimately linked to his body of work, which includes acousmatic pieces, videomusic, audiovisual performance and installations. It stems from a need to invent new, experimental means of expression devoid of the performance pressure involved in playing a traditional musical instrument. Along the way, he developed expertise in open-source software, electronics and creative programming.

His work has been presented at several international festivals (Germany, USA, UK, Canada). He is now pursuing this approach through installation, performance and audiovisual design.

Crédits

Direction artistique, conception audiovisuelle, programmation sonore et gestion de projet : Vincent Fillion
Design graphique, conception physique et construction : Joël Nadeau-Gauthier
Conception, programmation et coordination électronique et logicielle : Alexandre Burton
Programmation : Francis Lecavalier Médiation culturelle, aide à la conception et gestion de projet : Lisa Tronca
Soudure et optimisation électronique : Loup Letac
Conception des circuits imprimés : Laurence Deschênes-Villeneuve

Cette oeuvre n’aurait pu être réalisée sans le soutien du Conseil des arts du Canada, de Première Ovation, d’XN Québec, d’artificiel et de La Charpente des Fauves.

Art direction, audiovisual design, sound programming and project management: Vincent Fillion
Graphic design, physical design and construction: Joël Nadeau-Gauthier
Electronic and software design, programming and coordination: Alexandre Burton
Video design and programming : Louis-Robert Bouchard
Programming: Francis Lecavalier
Cultural mediation, design assistance and project management: Lisa Tronca
Soldering and electronic optimization: Loup Letac
Printed circuit design : Laurence Deschênes-Villeneuve

This work would not have been possible without the support of the Canada Council for the Arts, Première Ovation, XN Québec, artificiel and La Charpente des Fauves.

Photos : Vincent Fillion

Les délices