Cette sculpture formée des échos d’un autre temps utilise huit projecteurs de diapositives Kodak Carousel S qui produisent une animation générative analogique. 

Avec The Carousel, l’artiste met l’accent sur l’artificiel, c’est-à-dire la façon dont la technologie crée des illusions. Les cadres des diapositives ne contiennent pas de films, mais plutôt des découpages en papier cartonné, un hommage aux racines du cinéma ainsi qu’à la pratique millénaire du théâtre d’ombres. Les minuteries Kodak modifiées avec des photorésistances génèrent une boucle de rétroaction poétique à la manière d’un ouroboros, un cercle sans fin. La lumière ambiante de la machine elle-même alimente la sélection des futures images.

Malgré sa simplicité apparente, l’œuvre peut produire 65536 combinaisons uniques sur ses 8 écrans rappelant des pixels. Ce faisant, elle compose une animation en boucle infinie. The Carousel fonctionne à une fréquence d’images réduite de 12 images par minute.

Telle une musique d’ambiance, les bourdonnements de ventilateurs à l’intérieur des projecteurs sont accentués par les clics rythmiques et mécaniques des contrôleurs logiques internes. Le tout forme une composition sonore abstraite.

This sculpture made of echoes from another time uses eight Kodak Carousel S slide projectors that produce analog generative animation. 

With The Carousel, the artist focuses on the artificial, the way technology creates illusion. The slide frames do not contain film but rather cardboard cutouts: an homage to the roots of cinema as well as the age-old practice of shadow theater.  Kodak timers modified with photoresistors create a poetic feedback loop in the manner of an Ouroboros. The ambient light of the machine itself feeds the selection of future images. 

Thus the work, despite its apparent simplicity of eight pixel-like screens, can produce 65536 unique combinations. In doing so, it composes an infinite loop animation. The Carousel operates at a reduced frame rate of 12 frames per minute.

Like background music, the humming of fans inside the projectors is accentuated by the rhythmic, mechanical clicks of the projectors’ internal logic controllers, therefore forming an abstract sound composition. 

Avec Robot sapiens Kimbalambala, l’artiste Precy Numbi se transforme en  éco-héro. À l’aide de rebuts, il crée des sculptures – sortes de monstres contemporains – qui deviennent les protagonistes d’une fiction. Ces monstres s’attaquent au flux de déchets que l’Amérique du Nord et l’Europe dirigent vers l’Afrique, comme à leur accaparement de ses ressources et terres rares. Ils existent en résonance de l’histoire coloniale et de l’écofuturisme.

Pour l’artiste, les robots sapiens sont un genre d’espèce humaine qui tenterait de reprendre le contrôle sur la machine qui croit la maîtriser. Derrière l’illusion de toute-puissance qu’offre la carcasse se trouve une chair vulnérable, malmenée par les mécanismes de la tôle rigide qui l’enserre.

Robot sapiens Kimbalambala incarne la folie de l’humanité et pose les questions douloureuses. Quelle place les humains accorderont-ils aux robots? La pollution dominera-t-elle le monde?

Robot sapiens Kimbalambala, ce sont des sculptures qui se transforment, par moments, en manœuvre. Ces étonnantes carcasses s’activent et avancent sans phares, sans rétroviseurs, sans pare-chocs, sans permis de conduire, sans immatriculation, sans confort ni alarme. À l’image de la société et de sa mauvaise conduite.

Surveillez les apparitions!

Thanks to Robot sapiens Kimbalambala artist Precy Numbi transforms himself into an eco-hero! Using recycled scraps, Numbi creates sculptures – sort of contemporary monsters – that become the protagonists of a fiction of his own making. These monsters attack the flow of waste that is sent from North America and Europe to Africa, and they spit on the monopolization of resources and rare earths. These figures resonate with colonial history and the eco-futurist figure.

The way the artist sees it, the robot-sapiens are a kind of human species that would try to regain control over the machine that believes it has become master. Behind the illusion of omnipotence offered by the cuirass, there is vulnerable flesh, abused by the mechanisms of the rigid sheet metal that encloses it. 

Kimbalambala embodies the madness of men and dares to ask painful questions: what place will humans give to robots? Will pollution take over the world?

Robot sapiens Kimbalambala is an assemblage of sculptures that are transformed, at times, into maneuvers. These astonishing carcasses activate and move forward without headlights; without mirrors; without bumpers; without a driver’s license; without registration; without comfort nor alarm. Basically, they conduct themselves the same way human society does: badly.

Watch out, they’ll appear!

LIMINAL est une installation interactive qui met en image l’inexorable passage du temps. Elle cherche à réifier (matérialiser) la frontière entre le présent et le passé.

Dans un espace sombre, une arche lumineuse. Il s’agit d’un portail temporel. Lorsque nous traversons cette démarcation, notre reflet est projeté sur le mur adjacent et déployé dans le temps grâce à la technique du slit-scan. Telle une métaphore visuelle du passé qui s’empare sans cesse du présent, l’image se perd inexorablement dans la blancheur éthérée de l’oubli.

En un sens, l’œuvre souligne que toute lumière est passée. Le scintillement dans le ciel nocturne n’est qu’un instantané révolu du firmament : la lumière est la manifestation d’événements qui ont déjà eu lieu.

Selon la position qu’on adopte dans le portail, une tonalité différente résonne. Cette musicalité incite chaque personne à incarner son présent afin de mettre en place son éventuel passé. Le son est sculpté par les gestuelles des performeuses et des performeurs, qui improvisent d’étranges chorégraphies. La lumière les retranscrit en images où les corps apparaissent métamorphosés par l’expérience singulière de la durée.

Plusieurs festivals à travers le monde ont déjà présenté LIMINAL. C’est avec plaisir que nous invitons à son tour le public du Mois Multi à jouer avec cette installation éclairante!

LIMINAL is an interactive installation that embodies the relentless passage of time. It seeks to reify the limit between present and past.

 An arch of light appears in the darkness: it is a temporal portal. When we cross this threshold, our reflection projected on the adjacent wall seems deployed in time thanks to the slit-scan technique. In this visual metaphor – the past constantly taking over the present – we see our image fading inexorably into the oblivion of white light. 

In a sense, the work emphasizes that all light is the manifestation of events that have already occurred – the twinkle we see in the night sky is but a bygone snapshot of the stars.

 The sound emanating from the artwork is spatialized – the tone is altered according to the position of the interactor in the portal – which translates into a musicality that incites the public to perform in the present, paving the way for the past. When they cross, the sound is allegorically sculpted by the gestures of the performers. They improvise strange choreographies that light transcribes into images – images in which bodies seem transformed by singular experiences of time.

Presented in many festivals around the world, we are very happy to invite the Mois Multi audience to play – and even perform – with LIMINAL!

Les images des vidéos Le fleuve I et Le fleuve II furent tournées à la Pointe de Moisie, à proximité de Sept-Îles, là où le fleuve Saint-Laurent rencontre la mer. Ces œuvres évoquent l’idée du voyage qui traverse des lieux et des événements dans une quête sensible du monde. Béchard Hudon explore la limite incertaine entre le réel, l’illusion et l’imaginaire, où il est entre autre question du temps et de son écoulement ainsi que de l’interprétation que nous en faisons. Cette composition visuelle hypnotique engage le corps dans une succession régulière ou irrégulière des vibrations internes et externes du Saint-Laurent. Le flux et le reflux continus des vagues constitués d’un nombre infini d’ondulations qui se rassemblent ou se dispersent, invitent à une expérience sensorielle qui nous absorbe dans un brouillage temporel. Ce paysage marin est en relation étroite avec la composition sonore de L’en deçà où l’on entend les voix singulières de ce cette matière fluviale. Les artistes souhaitent mettre en œuvre plusieurs modes d’attention sur la combinaison diversifiée des formes de vie qui peuplent les mouvements internes de ces systèmes naturels et engager une réflexion sur les liens que nous entretenons avec les autres espèces du vivant.

The images of the videos The river I and The river II were shot at Pointe de Moisie, near Sept-Îles, where the St. Lawrence River meets the sea. These works evoke the idea of a journey through places and events in a sensitive exploration of the world. Béchard Hudon explores the uncertain boundary between reality, illusion and the imaginary – which questions, among other things,  time and its passage as well as the interpretation we make of it. This hypnotic visual composition engages the body in a regular or irregular succession of the river’s internal and external vibrations. The continuous ebb and flow of the waves, made up of an infinite number of ripples that gather or disperse, makes up a sensory experience that absorbs us in a temporal blur. This seascape is in close relation with the sound composition of The underneath, where we hear the singular voices of this river matter. The artists wish to focus several of our modes of attention on the diverse combination of life forms that populate the internal movements of these natural systems. They want us to reflect on the relationships that we maintain with other living species.

Par l’écoute attentive de la biophonie et de la géophonie, ainsi que par l’observation d’écosystèmes variés, le travail de Catherine Béchard et de Sabin Hudon ouvre des espaces d’attentions sur ce qui échappe à notre perception immédiate du monde. Leur recherche s’attarde au Phonocène qui se définit comme étant « L’ère du son, l’ère où l’on entend les bruits de la terre, l’ère qui nous relie aux puissances du monde ». Cette notion mise de l’avant par la théoricienne américaine Donna Haraway pour qualifier notre époque, propose au moyen de l’écoute une observation politique et poétique qui multiplie les récits en attirant notre attention sur les dimensions variées de nos territoires habités par les humains et les non-humains.

L’en deçà est une sculpture sonore aux qualités architecturales qui invite à une expérience d’écoute au sein de son espace résonnant. C’est en auscultant l’étendue comprise entre Sept-Îles et Kegaska, sur la Côte-Nord que furent enregistrés les sons telluriques et marins au cœur de cette œuvre. À l’aide d’hydrophones, soit des microphones pouvant enregistrer sous l’eau, ainsi que de géophones, des capteurs sismiques spécialement conçus par les artistes pour capter les vibrations du sol, ils ont révélé les paysages sonores singuliers de cette région. Diffusée par l’intermédiaire des transducteurs fixés sur les parois de la sculpture, la composition qui résulte de ces enregistrements sonores permet d’entendre une polyphonie complexe, à partir de laquelle les lieux se révèlent de manière inattendue et sous différents angles.

By listening attentively to biophony and geophony, as well as by observing various ecosystems, the work of Catherine Béchard and Sabin Hudon opens up our attention to what escapes our immediate perception of the world. Their research focuses on the Phonocene, which is defined as « the era of sound; the era in which we hear the sounds of the earth; the era that connects us to the powers of the world”. This notion, put forward by the American theorist Donna Haraway to qualify our era, proposes a political and poetic observation by means of listening, that multiplies the potential narratives by drawing our attention to the varied dimensions of our territories inhabited by humans and non-humans.

The underneath is a sound sculpture with architectural qualities that invites us into a listening experience within its resonant space. The telluric and marine sounds at the heart of this work were recorded while surveying the area between Sept-Îles and Kegaska, on the North Shore. Using hydrophones (microphones that can record underwater) and geophones (seismic sensors specially designed by the artists to capture ground vibrations), they revealed the unique soundscapes of this region. Broadcast through transducers attached to the walls of the sculpture, the resulting composition of these sound recordings allows us to hear a complex polyphony, from which the sites are revealed in unexpected ways and from different angles.

En Oscillation est une installation interactive et immersive qui combine des éléments sculpturaux à des circuits électroniques. Elle établit un parallèle entre les réseaux de communications contemporains et ceux des mycorhizes sous le sol de la forêt. Ces champignons sont formés par une structure en filaments, le mycélium, qui prend de l’expansion sous terre afin d’entrer en contact avec certains types de plantes. Le titre de l’œuvre fait autant référence à ce mouvement organique qu’à la succession du courant qui circule dans un circuit électrique.

L’œuvre invite le public à faire partie du réseau en appuyant sur des capteurs. Ces derniers déclenchent le circuit lumineux et démarrent ensuite les modules sonores sensibles à la lumière.

Le projet a requis la cueillette de différentes espèces de champignons mycorhiziens. Leur moulage et leur coulage en résine transparente colorée ont donné des sculptures dans lesquelles une lumière DEL a été insérée. Des circuits électroniques sans carte programmable animent l’installation. Inspirés des manuels vulgarisés de la série Engineer’s Mini-Notebook, publiée dans les années 1980 par Forrest Mims, ils évoquent les signaux biochimiques transmis à l’intérieur du réseau mycorhizien. Tout comme les mycorhizes, et le concept de rhizome développé par les philosophes Gilles Deleuze et Félix Guattari, l’œuvre forme un système d’agencement distribué. Elle n’a ni commencement ni fin.

En oscillation a vu le jour durant une période de deux ans dans le cadre de résidences au Caetani Cultural Centre (Colombie-Britannique), chez Avatar (Québec), au Vermont Studio Centre (États-Unis) et chez OBORO (Montréal). Le projet a bénéficié du support financier du Conseil des arts du Canada. Il a été achevé en octobre 2019 et exposé en novembre au McCarthy Art Centre, dans le Vermont.

En Oscillation is an interactive and immersive installation combining sculptural elements to electronic circuits, which establishes parallels between the mycorrhizal fungi network under the forest floor and our contemporary communication systems. The title ‘En Oscillation’ references both the movement of the mycelium (forming the mycorrhizae) expanding in the soil to connect with plant roots, and the succession of currents going through an electrical circuit.

 Visitors are invited to come in contact with and become part of the network by pressing the sensors to turn on the fungi lighting circuits, which then activate sound circuits containing light sensitive sensors. 

The project involved picking, molding and then casting different kinds of mushrooms in transparent colored resin, and inserting LED lights inside. Based on Forrest Mims’ “Engineer’s Mini-Notebook” from the 80s, non-programmable electronic circuits are used in the installation, in order to mimic the biochemical signals transmitted by the mycorrhiza network. Like this network, as well as Gilles Deleuze and Félix Guattari’s rhizome theory, the sculptural bodies of work form a distributed system, and the layout of the exhibition has neither a beginning nor an end.

Les chutes d’eau sont la seule source naturelle continue d’infrasons sur notre planète. Les grandes chutes créent de puissantes fréquences infrasonores qui peuvent voyager jusqu’à 400 km de la source.

Des études récentes démontrent comment ces fréquences sont utilisées pour la navigation aviaire. Certains oiseaux ont une sensibilité exceptionnelle pour détecter les infrasons, qui deviennent leur base sensorielle pour les migrations sur de longues distances. Au cours des dernières années, toutefois, des vols ont échoué en raison du bruit anthropogénique provenant de zones industrielles et urbaines.

Dans Cascade, les enregistrements d’infrasons émanant de grandes chutes d’eau activeront 150 haut-parleurs. Chacun transmettra la fréquence imperceptible dans une fibre optique luminescente. Les ondes sonores résonneront dans les cordes de la fibre, produisant ainsi un retour visuel de lumière.

Présentée pour une première fois au Mois Multi, l’installation immersive utilisera l’architecture de l’espace, créant un rideau d’ondes sonores adapté à la pièce. Le public est invité à traverser la chute de lumière, à toucher et à sentir la vibration du matériau, à incarner l’œuvre. Un rendez-vous offert en collaboration avec Avatar, centre en art audio et électronique.

Waterfalls are the only continuous natural source of infrasound on our planet. Large waterfalls create powerful infrasound frequencies that can travel up to 400 km from the source. 

Recent studies show how these frequencies are used for avian navigation. Some birds have an exceptional ability to detect infrasound, which become their sensory basis for long-distance migrations. In recent years, navigation failures have been detected due to anthropogenic noise from industrial and urban sources of infrasound frequencies – nature could not get through.

In Cascade, infrasound recordings from large waterfalls will activate 150 speakers; each will transmit the imperceptible frequency into a luminescent optical fiber. The sound waves will resonate in the fiber strings, producing a luminous visual feedback.

Presented for the first time at this year’s Mois Multi, the immersive installation will utilize the architecture of the chosen venue, creating a curtain of sound waves adaptable to the needs of the room. The audience is invited to walk through the lightfall, touch and feel the vibration of the material, and become part of the artwork.