Tôle crée des spectacles d’art vivant en cultivant une méthode de travail horizontale et une dramaturgie interdisciplinaire. Marie-Ève Groulx (metteuse en scène), Carl Matthieu Neher (pianiste-compositeur), Renaud Jobin-Delaquis (artiste visuel) et Maxime Brillon (dramaturge) ont présidé à sa fondation. L’ensemble se veut à la fois politique et mystique, donc « polystique ». Il se déploie en largeur, comme une algue, pour se régaler du suc surnaturel de ses recherches et offrir au public tout le sérieux qui accompagne la joie de concevoir des univers trafiqués.

La compagnie a produit Big Mack (OFFTA 2018), Bébés Fontaine (Phénomena 2019, Mois Multi 2020) et Nous irons cirer nos canons numériques dans un sweatshop portugais (Théâtre aux Écuries 2019). Son spectacle Awards : une tragédie pour orgue, batterie et beaucoup de personnes a vu le jour à l’Usine C en 2021. Ce texte a remporté en 2020 une mention spéciale au prix Gratien-Gélinas, qui honore la relève en écriture dramatique. Têtard tout au plus a été diffusé sous forme d’album sur Bandcamp en 2021, de jeu vidéo au Mois Multi en 2022, et d’œuvre scénique au OFFTA 2022.

Avec le compositeur et bidouilleur Félix-Antoine Coutu, Tôle développe présentement La grange, un concert de réalité augmentée pour instruments augmentés. Le projet est mené en partenariat avec le promoteur de musiques nouvelles Le Vivier et l’ensemble Paramirabo. Le collectif travaille également sur Tony vend des billets, un texte de Maxime Brillon mis en scène par Marie-Ève Groulx, à voir aux 5 à 7 du théâtre Duceppe en mars 2023. Entretemps, Tôle tient aussi des jams (improvisations) dans des scieries abandonnées et des maisons d’architecte.

Founded by Marie-Ève Groulx (director), Carl Matthieu Neher (pianist-composer), Renaud Jobin-Delaquis (visual artist) and Maxime Brillon (playwright), Tôle creates live art shows by cultivating a horizontal working method and an interdisciplinary dramaturgy. At once political and mystical – and therefore polysemous -, the collective spreads out wide, like seaweed, to feast on the supernatural juice of its research and offer the public all the seriousness and the joy that come with creating doctored universes together. After “Big Mack” (OFFTA 2018), “Bébés Fontaine” (Phénoména 2019, Mois Multi 2020), “Nous irons cirer nos canons numériques dans un sweatshop portugais” (Théâtre aux Écuries 2019), Tôle presents “Awards: une tragédie pour orgue, batterie et beaucoup de personnes” at Usine C in 2021. The text received an honorable mention for the Prix Gratien-Gélinas 2020. The collective’s latest project, “Têtard tout au plus” was released as an album on Bandcamp in 2021; as a video game at the Mois Multi in 2022; and as a staged show at the OFFTA 2022. With composer and handyman Félix-Antoine Coutu, Tôle is currently developing “La grange”, an augmented reality concert for augmented instruments in partnership with Le Vivier and Ensemble Paramirabo. Tôle is also working on “Tony vend des billets”, a play by Maxime Brillon directed by Marie-Ève Groulx, that will be presented at Théâtre Duceppe in March 2023. In the meantime, Tôle is also jamming in abandoned sawmills and architects’ houses.

Laurence Petitpas est une artiste interdisciplinaire dont la pratique s’articule autour de la marionnette comme pivot central. Elle s’attarde aux possibilités de dialogues entre les corps, humains et non humains, jouant avec la porosité de leurs frontières. Elle obtient en 2017 son diplôme en théâtre de marionnettes contemporain à l’Université du Québec à Montréal, en passant par l’Université nationale de San Martín en Argentine. Depuis, elle collabore entre autres avec Kid Kouna, la Inner Fish Company, les Sages Fous et le Théâtre des Petites Âmes. Elle anime en outre différents projets culturels dans les écoles ou les centres d’hébergement. Mutatis Mutandis!, sa première création scénique, a été présentée à Kelowna (Colombie-Britannique) en janvier dernier et sera en tournée au Québec en 2023. Laurence Petitpas développe actuellement un nouveau spectacle avec la compagnie Les Incomplètes : Soudain les Îles… Originaire de la Côte-Nord, elle vit aujourd’hui à Québec.

Un jour, on a raconté à Joanie Fortin que la marionnette à gaine avait été inventée par quelqu’un s’étant fait prendre la main dans le sac…et elle y a cru. De là pourrait débuter son parcours qui croise amusement naïf et recherche sensible. Elle s’est construit une formation avec des blocs ramassés par-ci par-là. Entre autres, elle détient un certificat en théâtre (orienté vers la dramaturgie sonore) de l’Université du Québec à Chicoutimi et un baccalauréat en études théâtrales de l’Université du Québec à Montréal. Elle a aussi réalisé des stages auprès de La Tortue Noire, Casteliers, La Pire Espèce et Marcelle Hudon (assistance à la mise en scène pour L’Effet Hyde, 2016). Elle évolue dans un triangle dont les trois angles sont l’objet, le son et la dramaturgie, se disant que le centre est plus confortable que les coins! Membre des Laboratoires Miam, groupe de recherche sur les possibilités narratives de l’objet comestible, elle aime également travailler avec les chaises – son obsession. Ce qui l’anime par-dessus tout, c’est de se laisser surprendre par le plus humble, le plus domestique, le plus inerte des matériaux. Depuis l’obtention de son diplôme en théâtre de marionnettes contemporain, en 2019, Joanie Fortin œuvre au sein du collectif Les Tables Tournantes. La plus récente production du groupe, Graceland, a joué dans plusieurs festivals.

Vincent Thériault est attentif aux processus de traduction, de captation et de transformation permis par des assemblages techniques. Qu’ils soient sculpturaux, installatifs ou strictement sonores, ses agencements « vivants » sont les véhicules d’un état performatif, voire relationnel, à entretenir au gré des fluctuations qu’ils génèrent. L’artiste travaille l’improvisation sonore avec le collectif MMV2005, l’installation cinétique in situ ainsi que la programmation informatique (L’orgue à tuyau et l’entretien de mon bras, Première Ovation). Le caractère performatif, même indécidable, de certains modes de construction nourrit fortement sa pratique; il détermine la forme de ses propositions, souvent précaires, fragiles et transitoires. Né à Québec, le créateur détient depuis 2021 un baccalauréat en arts visuels de l’Université Laval, où il poursuit des études de maîtrise. Son travail en collectif a été présenté à Rimouski et en Beauce. Vincent Thériault a en outre conçu un drapeau qui a flotté au-dessus des jardins de l’hôtel de ville de Québec.

Laurence Petitpas is an interdisciplinary artist whose practice revolves around the puppet as a central pivot. She focuses on the possibilities of dialogue between bodies -both human and non-human -, playing with the porosity of their boundaries. In 2017, she completed the DESS in Contemporary Puppet Theater at UQAM, a portion of which took place at the National University of San Martin in Argentina. Since then, she has collaborated with Kid Kouna, the Inner fish Company, the Sages fous, the Théâtre des petites âmes, in addition to animating various cultural projects in schools or shelters. Presented in Kelowna (BC) last January, and with a Quebec tour planned in 2023, Mutatis Mutandis! is her first stage creation. She is currently developing a new show with the company Les Incomplètes: “Soudain les Îles…”. Originally from the North Shore, she now lives in Quebec City.

One day, Joanie Fortin was told that the glove puppet had been invented by someone who had been caught red-handed…and she believed it. This is where her journey begins, a journey that combines naive amusement and sensitive research. She has constructed her own training with bits and pieces picked up here and there: a certificate in theater (oriented towards sound dramaturgy) from UQAC; a bachelor’s degree in Theatre Studies from UQAM; but also internships with La Tortue Noire, Casteliers, La Pire Espèce and Marcelle Hudon (she assisted her for the show L’Effet Hyde, in 2016). She evolves within a triangle whose three angles are the object, the sound and the dramaturgy, believing that it is more comfortable to stand in the center than in the corners. As a member of the Laboratoires Miam, a research group on the narrative possibilities of the edible object, she also enjoys working with chairs: they’re her obsession. What motivates her above all is to let herself be surprised by the most humble, the most domestic, the most inanimate of materials. A graduate of the DESS in Contemporary Puppet Theater (2017-2019), she has since worked with the collective Les Tables Tournantes, whose most recent production – Graceland – has visited several festivals.

Vincent Thériault is attentive to the processes of translation, capture and transformation allowed by technical assemblies. Whether sculptural, installation- or strictly sound-centered, his “living” assemblages are the vehicles of a state that is performative and relational – a state that should be maintained according to the particular fluctuations that each piece allows or generates. His varying efforts include collective sound improvisation (MMV2005); computer programming (L’orgue à tuyau et l’entretien de mon bras, Première Ovation); and kinetic installations in situ. The performative, even undecidable character of certain construction modes strongly nourishes his practice and determines the form of his often precarious, fragile and transitory proposals. Born in Quebec City, he received his BFA from Laval University in 2021, and is currently pursuing his MFA studies there. His collective work has been presented in Rimouski and Beauce, and he created a flag that flew over the gardens of the City Hall in Quebec City.

Samuel Corbeil vit à Québec. Il est depuis 2022 co-coordonnateur artistique au Théâtre Périscope. Diplômé en interprétation du Conservatoire d’art dramatique de Québec, il a joué dans plusieurs productions depuis 2014 et pris part à divers événements culturels de la capitale nationale. Il a de plus codirigé la compagnie de création Le Collectif du Vestiaire.

L’interprète s’intéresse de près aux arts multi et à la poésie. Il écrit aussi pour le théâtre, notamment le projet MAJORITÉ 2070, une série de cinq courtes pièces d’anticipation présentées en première partie de chacune des productions de la saison 2021-2022 de La Bordée. La question de l’impact du format des œuvres sur la diffusion artistique alimente particulièrement sa pratique actuelle.

Récemment, il a signé Molette Poignard, une pièce pour jeune public produite par le Théâtre en Quartiers. Il s’est aussi engagé dans un nouveau processus artistique où il questionne des personnes aînées vivant en résidence sur les lieux ayant joué un rôle important dans la définition de leur identité. Il examine à présent le potentiel de technologies telles que les casques de réalité virtuelle pour explorer ces lieux de mémoire.

Également appelé par l’entrepreneuriat, Samuel Corbeil a obtenu en 2018 un MBA en gestion d’entreprise à l’Université Laval. Il poursuit à temps partiel un baccalauréat en sociologie.

Samuel Corbeil lives in Quebec City. Since 2022, he is co-coordinator of the Théâtre Périscope. After earning his degree in Acting from the Conservatoire d’art dramatique in 2014, he’s had the chance to act in several theater productions in addition to taking part in various artistic events in Quebec’s capital. He has also been co-director of the Collectif du Vestiaire, a theater production company.

He is very interested in multidisciplinary artistry. He notably writes for the theater, and his project MAJORITÉ 70 was featured throughout the 2021-2022 theater season, as a series of five short anticipatory plays presented as opening acts for each of the productions at the Théâtre La Bordée. Questioning how the artistic format influences artistic production is of particular interest to him in his current practice.

Recently, he wrote MOLETTE POIGNARD, a play for young audiences produced by Théâtres en Quartiers, and he has embarked on a new artistic process that has led him to spend a great deal of time in seniors’ residences, in order to question the residents on the places that have shaped their identity. He is now exploring the potential of technology, such as virtual reality headsets, to explore these memory-filled spaces.

Also drawn to entrepreneurship and social issues, he completed an MBA in Business Management at Laval University in 2018 and is now part-time pursuing a bachelor’s degree in Sociology.

Carissa Lee

Armée d’un BFA de la Tisch School of the Arts de l’université de New York, Carissa Lee a commencé à jouer professionnellement en 2010. Elle a participé à plusieurs courts-métrages et fait des apparitions dans Key and Peele (Comedy Central) et The Crazy Ones (Fox). Elle créé et produit la série web Living With Strangers (LWS) par le biais de ma société de production, Apartment 12 Productions, avec sa cocréatrice et amie, Tracy Ofosuhene. LWS a été présenté dans le circuit des festivals de films régionaux et internationaux. Pendant cette période, alors que l’artiste travaillait comme actrice, elle eu la chance de faire partie de l’équipe qui a travaillé sur « What to Send Up When It Goes Down » d’Aleshea Harris, en jouant la pièce au Boston Court Performing Arts Center et à A.C.T. à San Francisco.

Après ces représentations, Carissa Lee a commencé à comprendre qu’elle devait se libérer des conventions du théâtre et du cinéma. Sa passion pour la narration l’a alors poussé à la création en tant que comédienne, réalisatrice, écrivaine et productrice.Aujourd’hui, son désir de changement et de connexion la pousse à transcender les règles d’un seul genre et à créer un art qui brouille les frontières entre le théâtre, le cinéma, l’intervention, l’artisanat et l’événement.  

Aujourd’hui, dans le cadre de sa maîtrise en performance à la School of the Art Institute de Chicago, Carissa Lee explore les thèmes du traumatisme générationnel et de la guérison, de la construction de la communauté et de l’empathie. En plus de réaliser des créations personnelles, l’artiste aider les autres à créer. Elle a commencé sa carrière d’artiste enseignante en 2016 et elle a travaillé avec plusieurs organisations de Los Angeles dédiées à l’avancement des jeunes esprits, notamment The Geffen Playhouse, The Unusual Suspects, Center Theater Group, About Productions, Arts For Healing Justice et A Noise Within.

Jordan Brown

Jordan Brown est à la fois artiste et chercheur dans le domaine du langage. Il travaille avec des objets trouvés pour re/construire des souvenirs passés-futurs, qui sont les mythes de l’être au présent. Ces souvenirs nécessitent souvent la création de nouveaux langages pour être racontés, ou répétés, par un travail qui tend vers le maximalisme. Titulaire d’un diplôme en littérature anglaise et en création littéraire de l’Université Concordia, Jordan est la moitié du duo de performeurs FATHERMOTHER l’un des quatre membres du collectif d’artistes noirs Suspended Culture.

Kezia Waters

L’artiste Kezia Waters est originaire de ce qu’iel aime appeler le Sud profond. Iel poursuit des études de MFA Studio Art Performance au SAIC et détient également un MFA en art dramatique de l’Université de l’Ohio.

Le voyage dans le temps n’est pas seulement un sujet dans la plupart de ses œuvres qui repoussent, chevauchent et rejettent souvent la syncope, mais aussi une méthode de création, une praxis, une pédagogie.

Ayant grandi dans la tradition de l’église pentecôtiste noire, Kezia considère son travail comme une recherche de ce qui est saint, entier ou holistique ou ce qui appartient à la communauté noire et queer. Iel y parvient par le biais de surréalisme spirituel et de techniques folkloriques traditionnelles et par la création et la promotion de techniques fondées sur les archétypes de la mythologie, les rituels ADOS, la culture de la performance et l’esthétique visuelle underground queer combinées aux polyrythmes de la transe.

Lynn Hunter

Lynn Hunter est une artiste multimédia d’endurance originaire de Baltimore. Sa mission est d’inspirer l’empathie et d’inciter le public à déconstruire ses idées préconçues sur l’identité américaine et la culture noire, tout en explorant de nouvelles frontières de l’imagination et de la présence noire.

Titulaire d’une maîtrise en beaux-arts avec spécialisation en photographie du Maryland Institute College of Art, elle a effectué des stages à la Aperture Foundation de New York et au Baltimore Museum of Art. Ses performances plongent dans les méandres de la théorie critique noire, de la féminité noire, du bien-être mental et des séparations de l’ego et du soi.

Par le biais de la performance, Lynn entend maintenir un espace pour sa communauté tout en favorisant des environnements qui permettent aux autres de faire l’expérience non seulement de sa vulnérabilité, mais aussi de la leur, créant ainsi une conscience collective plus forte et alimentée par l’empathie.

Cet objectif global est atteint grâce à des pièces d’endurance axées sur le temps, mentalement et physiquement chargées, où le corps de l’artiste est mis à rude épreuve.

La répétition, le mouvement et l’allégorie historique sont autant d’éléments qui contribuent au nouveau monde de Lynn Hunter, un monde voué à occuper l’espace, à honorer l’identité et à entraîner le public avec lui.

Depuis sa formation artistique précoce à la Baltimore School for the Arts, Lynn a réalisé des œuvres pour des institutions locales, des universités et des centres culturels.

Elle a exposé pour trois des revues annuelles d’art performatif de Labbodies, ainsi que pour Artscape, Free Fall Baltimore, Motor House, Eubie Blake et plusieurs collectifs locaux. Lynn a effectué une résidence à la Lemon Tree House de Cetona, en Italie, et étudie actuellement à la School of the Art institute of Chicago pour obtenir une maîtrise en beaux-arts avec une spécialisation en performance.

Carissa Lee

Armed with a BFA from NYU’s Tisch School of the Arts, Carissa Lee began acting professionally in 2010. She had appeared in several short films, and been featured on Key and Peele (Comedy Central) and The Crazy Ones (Fox). She created and produced the web series Living With Strangers (LWS) through my production company, Apartment 12 Productions, together with my co-creator and friend, Tracy Ofosuhene. LWS has screened around the regional and international film festival circuit. During this time while working as an actor, the artist was lucky enough to join the team that workshopped Aleshea Harris’ “What to Send Up When It Goes Down” performing the work at Boston Court Performing Arts Center and at A.C.T. in San Francisco. After those performances she began to understand that she needed to break free of the conventions of theater and film. Her passion for storytelling drove her to create through acting, directing, writing and producing. Now the artist’s desire for change and connection drives her to push past the rules of any one genre and make art that blurs the lines between theater, film, intervention, craft and event.

Now during Carissa Lee’s pursuit of a MFA in performance from the School of the Art institute Chicago she is exploring themes of generational trauma and healing, community building and empathy. In addition to creating art myself, Carissa loves to help others create! She began my teaching artist career in 2016 and have worked with several organizations in Los Angeles dedicated to the advancement of young minds, including The Geffen Playhouse, The Unusual Suspects, Center Theater Group, About Productions, Arts For Healing Justice, and A Noise Within.

Jordan Brown

Jordan Brown is an artist and researcher of language. He works with found objects to re/construct past-future memories, which are the myths of being in the present. They often require the creation of new languages in their re/telling, and his work tends toward the maximal. He has a degree in English Literature & Creative Writing from Concordia University. Jordan is one half of the performance duo FATHERMOTHER, and one fourth of the Black artist collective Suspended Culture.

Kezia Waters

Kezia Waters is an Artist from what they like to call the Deep South. They’re an MFA Studio Art Performance Student at SAIC and they also hold an MFA in Acting from Ohio University. Time Traveling is not only a subject matter in most of their work but a method of creation/ a praxis/ a pedagogy. They push against, overlap and reject syncopation often. Growing up in The Black Pentecostal Church tradition. They think of their work as trying to find that which is holy, whole, holistic and/ or holds within Black and Queer functionality. They do this through spiritual surrealism and traditional folkloric techniques and have created/ fostered techniques based on Mythology archetypes, ADOS rituals, Underground Queer performance culture and visual aesthetics combined with Trance polyrhythms.

Lynn Hunter

Lynn Hunter is a Multimedia Endurance artist and Baltimore native. Her mission is to inspire empathy and engage audiences in deconstructing their preconceptions of amerikan identity and Black culture while exploring new boundaries of imagination and Black presence.

Earning a Bachelor of Fine Arts degree concentrated in Photography from the Maryland Institute College of Art, she then also held internships at the Aperture Foundation in New York city and at the Baltimore Museum of Art. Her performance work dives deep into the intricacies of Black critical theory, Black womanhood, mental well being, and the separations of ego and self.

Through performance Lynn commits to holding space for her community while fostering environments that allow others to experience not only her vulnerability but their own, creating a stronger collective consciousness fueled by empathy. This overall objective is achieved through mentally and physically charged time-based endurance pieces where the artist’s own body is pushed and of focus. Repetition, movement, and historical allegory all contribute to Hunter’s new world dedicated to taking up space, and honoring identity, bringing audiences with her. Since an early arts education from the Baltimore School for the Arts, Lynn has made work for local institutions, universities, and cultural centers. She has exhibited for three of Labbodies’ Annual Performance Art Reviews, in addition to Artscape, Free Fall Baltimore, Motor House, Eubie Blake, and several local collectives. Lynn completed a residency at the Lemon Tree House in Cetona, Italy and is now attending School of the Art institute of Chicago for her Master’s degree in Fine Art focusing in Performance.