le fleuve I | le fleuve II

le fleuve I, 50° 11′ 53,8″ N., 66° 4′ 10″ O. , 2021

le fleuve II, 50° 11′ 53,8″ N., 66° 4′ 10″ O. , 2022

Programmation 2023
Installations
Artiste

Béchard Hudon

(Montréal, Québec)

Lieu

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Entrée gratuite

Sans réservation

Dates

Du 1er au 19 février 2023

Ouverture le 1er février à 19h – vernissage

Heures d’ouverture

Lundi, mardi : FERMÉ

Mercredi, jeudi, vendredi :
13h à 21h

Samedi et dimanche :
10h à 17h

Description

Les images des vidéos Le fleuve I et Le fleuve II furent tournées à la Pointe de Moisie, à proximité de Sept-Îles, là où le fleuve Saint-Laurent rencontre la mer. Ces œuvres évoquent l’idée du voyage qui traverse des lieux et des événements dans une quête sensible du monde. Béchard Hudon explore la limite incertaine entre le réel, l’illusion et l’imaginaire, où il est entre autre question du temps et de son écoulement ainsi que de l’interprétation que nous en faisons. Cette composition visuelle hypnotique engage le corps dans une succession régulière ou irrégulière des vibrations internes et externes du Saint-Laurent. Le flux et le reflux continus des vagues constitués d’un nombre infini d’ondulations qui se rassemblent ou se dispersent, invitent à une expérience sensorielle qui nous absorbe dans un brouillage temporel. Ce paysage marin est en relation étroite avec la composition sonore de L’en deçà où l’on entend les voix singulières de ce cette matière fluviale. Les artistes souhaitent mettre en œuvre plusieurs modes d’attention sur la combinaison diversifiée des formes de vie qui peuplent les mouvements internes de ces systèmes naturels et engager une réflexion sur les liens que nous entretenons avec les autres espèces du vivant.

The images of the videos The river I and The river II were shot at Pointe de Moisie, near Sept-Îles, where the St. Lawrence River meets the sea. These works evoke the idea of a journey through places and events in a sensitive exploration of the world. Béchard Hudon explores the uncertain boundary between reality, illusion and the imaginary – which questions, among other things,  time and its passage as well as the interpretation we make of it. This hypnotic visual composition engages the body in a regular or irregular succession of the river’s internal and external vibrations. The continuous ebb and flow of the waves, made up of an infinite number of ripples that gather or disperse, makes up a sensory experience that absorbs us in a temporal blur. This seascape is in close relation with the sound composition of The underneath, where we hear the singular voices of this river matter. The artists wish to focus several of our modes of attention on the diverse combination of life forms that populate the internal movements of these natural systems. They want us to reflect on the relationships that we maintain with other living species.

Biographie

Catherine Béchard et Sabin Hudon vivent et travaillent à Montréal (Canada) et forment un duo d’artistes depuis 1999. Béchard détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal et Hudon possède une formation en musique. Leur travail artistique interdisciplinaire sonde les entre-espaces liés aux territoires habités, ainsi que les temporalités alternatives des activités humaines et non humaines intrinsèques à ceux-ci. L’écoute attentive et ce qui échappe à notre perception immédiate du monde sont au coeur de leur pratique. Ils s’intéressent aussi à la géométrie inhérente aux espaces construits par les humains et à celle présente dans la nature. Au cœur de ces environnements se trouve un phénomène acoustique, celui de la résonance par vibrations de la matière en mouvement générée par nos activités quotidiennes, par les éléments de la nature en action, ou encore par le monde animal. C’est dans cette perspective que le duo ausculte la matérialité sonore d’architectures et de sols variés ainsi que celle de milieux marins, afin d’ouvrir un intervalle d’attention sur ce qui bourdonne en permanence dans les épaisseurs du réel. Ces enjeux sont au centre de leurs productions qui prennent la forme d’installations, de sculptures, d’œuvres sonores et de vidéos.

Leur travail a été présenté dans plusieurs villes au Canada, en Croatie, en Allemagne, en République Tchèque, au Brésil, aux États-Unis et en Chine lors de nombreuses expositions individuelles et collectives. Leurs œuvres font partie de multiples collections publiques et privées. Béchard et Hudon ont également réalisé deux œuvres publiques permanentes au Québec.

TBA

Crédits

Une oeuvre de Béchard Hudon

l’en deçà

l’en deçà, 2021

Programmation 2023
Installations
Artiste

Béchard Hudon

(Montréal, Québec)

Lieu

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Entrée gratuite

Sans réservation

Dates

Du 1er au 19 février 2023

Ouverture le 1er février à 19h – vernissage

Heures d’ouverture

Lundi, mardi : FERMÉ

Mercredi, jeudi, vendredi :
13h à 21h

Samedi et dimanche :
10h à 17h

Description

Par l’écoute attentive de la biophonie et de la géophonie, ainsi que par l’observation d’écosystèmes variés, le travail de Catherine Béchard et de Sabin Hudon ouvre des espaces d’attentions sur ce qui échappe à notre perception immédiate du monde. Leur recherche s’attarde au Phonocène qui se définit comme étant « L’ère du son, l’ère où l’on entend les bruits de la terre, l’ère qui nous relie aux puissances du monde ». Cette notion mise de l’avant par la théoricienne américaine Donna Haraway pour qualifier notre époque, propose au moyen de l’écoute une observation politique et poétique qui multiplie les récits en attirant notre attention sur les dimensions variées de nos territoires habités par les humains et les non-humains.

L’en deçà est une sculpture sonore aux qualités architecturales qui invite à une expérience d’écoute au sein de son espace résonnant. C’est en auscultant l’étendue comprise entre Sept-Îles et Kegaska, sur la Côte-Nord que furent enregistrés les sons telluriques et marins au cœur de cette œuvre. À l’aide d’hydrophones, soit des microphones pouvant enregistrer sous l’eau, ainsi que de géophones, des capteurs sismiques spécialement conçus par les artistes pour capter les vibrations du sol, ils ont révélé les paysages sonores singuliers de cette région. Diffusée par l’intermédiaire des transducteurs fixés sur les parois de la sculpture, la composition qui résulte de ces enregistrements sonores permet d’entendre une polyphonie complexe, à partir de laquelle les lieux se révèlent de manière inattendue et sous différents angles.

By listening attentively to biophony and geophony, as well as by observing various ecosystems, the work of Catherine Béchard and Sabin Hudon opens up our attention to what escapes our immediate perception of the world. Their research focuses on the Phonocene, which is defined as “the era of sound; the era in which we hear the sounds of the earth; the era that connects us to the powers of the world”. This notion, put forward by the American theorist Donna Haraway to qualify our era, proposes a political and poetic observation by means of listening, that multiplies the potential narratives by drawing our attention to the varied dimensions of our territories inhabited by humans and non-humans.

The underneath is a sound sculpture with architectural qualities that invites us into a listening experience within its resonant space. The telluric and marine sounds at the heart of this work were recorded while surveying the area between Sept-Îles and Kegaska, on the North Shore. Using hydrophones (microphones that can record underwater) and geophones (seismic sensors specially designed by the artists to capture ground vibrations), they revealed the unique soundscapes of this region. Broadcast through transducers attached to the walls of the sculpture, the resulting composition of these sound recordings allows us to hear a complex polyphony, from which the sites are revealed in unexpected ways and from different angles.

Biographie

Catherine Béchard et Sabin Hudon vivent et travaillent à Montréal (Canada) et forment un duo d’artistes. Béchard détient une maîtrise en arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec à Montréal et Hudon possède une formation en musique. Leur travail artistique interdisciplinaire sonde les entre-espaces liés aux territoires habités, ainsi que les temporalités alternatives des activités humaines et non humaines inhérentes à ceux-ci. L’écoute attentive et ce qui échappe à notre perception immédiate du monde sont au coeur de leur pratique. Ils s’intéressent aussi à la géométrie inhérente aux espaces construits par les humains et à celle présente dans la nature. Au cœur de ces environnements se trouve un phénomène acoustique, celui de la résonance par vibrations de la matière en mouvement générée par nos activités quotidiennes, par les éléments de la nature en action, ou encore par le monde animal. C’est dans cette perspective que le duo ausculte la matérialité sonore d’architectures et de sols variés ainsi que celle de milieux marins, afin d’ouvrir un intervalle d’attention sur ce qui bourdonne en permanence dans les épaisseurs du réel. Ces enjeux sont au centre de leurs productions qui prennent la forme d’installations, de sculptures, d’œuvres sonores et de vidéos.

Leur travail a été présenté dans plusieurs villes au Canada, en Croatie, en Allemagne, en République Tchèque, au Brésil, aux États-Unis et en Chine lors de nombreuses expositions individuelles et collectives. Leurs œuvres font partie de multiples collections publiques et privées. Béchard et Hudon ont également réalisé deux œuvres publiques permanentes au Québec.

Catherine Béchard and Sabin Hudon live and work in Montreal (Canada) and have been working as a duo since 1999. Béchard holds a master’s degree in Visual and Media Arts from the Université du Québec à Montréal and Hudon has a background in music. Their interdisciplinary artistic work probes the in-between spaces linked to inhabited territories, as well as the alternative temporalities of human and non-human activities intrinsic to them. Attentive listening as well as what escapes our immediate perception of the world are at the heart of their practice. They are also interested in the inherent geometry of human-built spaces and the geometry naturally present in nature. At the heart of these environments is an acoustic phenomenon – they take interest in the resonance created by vibrations generated by our daily activities; by the elements of nature in action; or by the animal world. It is with this idea in mind that the duet auscultates the sound materiality of architectures and varied grounds as well as that of marine environments. This way, they wish to open up our attention to what hums permanently in the layers of reality. These issues are central to their productions, which take the form of installations, sculptures, sound works and videos.

Their work has been presented in several cities in Canada, Croatia, Germany, the Czech Republic, Brazil, the United States and China, in numerous solo and group exhibitions. Their works are part of multiple public and private collections. Béchard and Hudon have also created two permanent public pieces in Quebec.

Crédits

Une oeuvre de Béchard Hudon
Ce projet a été réalisé grâce au soutien financier du Conseil des arts du Canada.
Merci à Francine Paul pour la révision des textes.

en oscillation

en oscillation

Programmation 2023
Installations
Artiste

Amélie Brindamour

(Kamouraska, Québec)

Lieu

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Entrée gratuite

Sans réservation

Dates

Du 1er au 19 février 2023

Ouverture le 1er février à 19h – vernissage

Heures d’ouverture

Lundi, mardi : FERMÉ

Mercredi, jeudi, vendredi :
13h à 21h

Samedi et dimanche :
10h à 17h

Description

En Oscillation est une installation interactive et immersive qui combine des éléments sculpturaux à des circuits électroniques. Elle établit un parallèle entre les réseaux de communications contemporains et ceux des mycorhizes sous le sol de la forêt. Ces champignons sont formés par une structure en filaments, le mycélium, qui prend de l’expansion sous terre afin d’entrer en contact avec certains types de plantes. Le titre de l’œuvre fait autant référence à ce mouvement organique qu’à la succession du courant qui circule dans un circuit électrique.

L’œuvre invite le public à faire partie du réseau en appuyant sur des capteurs. Ces derniers déclenchent le circuit lumineux et démarrent ensuite les modules sonores sensibles à la lumière.

Le projet a requis la cueillette de différentes espèces de champignons mycorhiziens. Leur moulage et leur coulage en résine transparente colorée ont donné des sculptures dans lesquelles une lumière DEL a été insérée. Des circuits électroniques sans carte programmable animent l’installation. Inspirés des manuels vulgarisés de la série Engineer’s Mini-Notebook, publiée dans les années 1980 par Forrest Mims, ils évoquent les signaux biochimiques transmis à l’intérieur du réseau mycorhizien. Tout comme les mycorhizes, et le concept de rhizome développé par les philosophes Gilles Deleuze et Félix Guattari, l’œuvre forme un système d’agencement distribué. Elle n’a ni commencement ni fin.

En oscillation a vu le jour durant une période de deux ans dans le cadre de résidences au Caetani Cultural Centre (Colombie-Britannique), chez Avatar (Québec), au Vermont Studio Centre (États-Unis) et chez OBORO (Montréal). Le projet a bénéficié du support financier du Conseil des arts du Canada. Il a été achevé en octobre 2019 et exposé en novembre au McCarthy Art Centre, dans le Vermont.

En Oscillation is an interactive and immersive installation combining sculptural elements to electronic circuits, which establishes parallels between the mycorrhizal fungi network under the forest floor and our contemporary communication systems. The title ‘En Oscillation’ references both the movement of the mycelium (forming the mycorrhizae) expanding in the soil to connect with plant roots, and the succession of currents going through an electrical circuit.

 Visitors are invited to come in contact with and become part of the network by pressing the sensors to turn on the fungi lighting circuits, which then activate sound circuits containing light sensitive sensors. 

The project involved picking, molding and then casting different kinds of mushrooms in transparent colored resin, and inserting LED lights inside. Based on Forrest Mims’ “Engineer’s Mini-Notebook” from the 80s, non-programmable electronic circuits are used in the installation, in order to mimic the biochemical signals transmitted by the mycorrhiza network. Like this network, as well as Gilles Deleuze and Félix Guattari’s rhizome theory, the sculptural bodies of work form a distributed system, and the layout of the exhibition has neither a beginning nor an end.

Biographie

Amélie Brindamour explore dans sa pratique différents enjeux reliés à l’environnement. Elle fait appel à l’art électronique, aux biomatériaux et à l’installation pour produire des œuvres interactives intégrant des composantes sonores et lumineuses qui révèlent les systèmes intelligents présents dans la nature. Ses projets brouillent les frontières entre l’art et la science, invitant à la collaboration. Ils se développent dans le cadre de résidences, notamment à ces endroits : Est-Nord-Est (2023), Cégep de Rivière-du-Loup (2022), Maison des métiers d’art de Québec (2021), Speculative Life BioLab de l’Université Concordia (2019). Amélie Brindamour a présenté ses œuvres au Canada, aux États-Unis et en Finlande. En 2024, elle exposera à Langage Plus, à Alma, et au Musée du Bas-Saint-Laurent, à Rivière-du-Loup. Amélie détient un baccalauréat en arts visuels et une maîtrise en enseignement des arts de l’Université Concordia. Originaire de la ville de Québec, elle vit et travaille dans le Bas-Saint-Laurent.

Amélie Brindamour explores different issues related to the natural environment. Her research includes electronic arts, biomaterials and installation, in order to create interactive pieces with sound and lighting components that seek to recognize intelligent systems in nature. Her work blurs the boundaries between art and science, encourages collaboration and is developed mainly by participating in diverse artist residencies, such as Est-Nord-Est (2023), the Cégep de Rivière-du-Loup (Sociochimie, 2022), the Maison des métiers d’art de Québec (2021), the Speculative Life BioLab at Concordia University (residency CQAM/Milieux, 2019) and the Vermont Studio Centre (Johnson, United States, 2018). Her work has been presented in Canada, in the United States and in Finland, and will be exhibited next at Langage Plus (Alma, 2024) and at the Musée du Bas-Saint-Laurent (Rivière-du-Loup, 2024). Amélie holds a Bachelor’s Degree in Visual Arts and a Master in Art Education from Concordia University. Originally from Quebec City, she lives and works in the region of Bas-Saint-Laurent.

Crédits

Une oeuvre d’Amélie Brindamour.

L’artiste aimerait remercier le Conseil des arts du Canada de son soutien, de même que Les Offices jeunesses internationaux du Québec. Elle remercie également le Caetani Cultural Centre ; le Allan Brooks Nature Centre ; le Bamfield Marine Sciences Centre ; Avatar, Nathalie Leblanc et Caroline Gagné ; le Vermont Studio Center et Brian Collier ; OBORO et Josée Brouillard ; Ada-X, Stéphanie Castonguay et Nataliya Petkova ; le Conseil Québécois des Arts Médiatiques ; Atelier La Coulée et Nina Dubois ; ainsi que Camille Bédard et Philip Robbins.

cascade

cascade

Programmation 2023
Installations

Présentée en collaboration avec Avatar

Artiste

Marc Vilanova

(Espagne)

Lieu

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Entrée gratuite

Sans réservation

Dates

Du 1er au 19 février 2023

Ouverture le 1er février à 19h – vernissage

Heures d’ouverture

Lundi, mardi : FERMÉ

Mercredi, jeudi, vendredi :
13h à 21h

Samedi et dimanche :
10h à 17h

Description

Les chutes d’eau sont la seule source naturelle continue d’infrasons sur notre planète. Les grandes chutes créent de puissantes fréquences infrasonores qui peuvent voyager jusqu’à 400 km de la source.

Des études récentes démontrent comment ces fréquences sont utilisées pour la navigation aviaire. Certains oiseaux ont une sensibilité exceptionnelle pour détecter les infrasons, qui deviennent leur base sensorielle pour les migrations sur de longues distances. Au cours des dernières années, toutefois, des vols ont échoué en raison du bruit anthropogénique provenant de zones industrielles et urbaines.

Dans Cascade, les enregistrements d’infrasons émanant de grandes chutes d’eau activeront 150 haut-parleurs. Chacun transmettra la fréquence imperceptible dans une fibre optique luminescente. Les ondes sonores résonneront dans les cordes de la fibre, produisant ainsi un retour visuel de lumière.

Présentée pour une première fois au Mois Multi, l’installation immersive utilisera l’architecture de l’espace, créant un rideau d’ondes sonores adapté à la pièce. Le public est invité à traverser la chute de lumière, à toucher et à sentir la vibration du matériau, à incarner l’œuvre. Un rendez-vous offert en collaboration avec Avatar, centre en art audio et électronique.

Waterfalls are the only continuous natural source of infrasound on our planet. Large waterfalls create powerful infrasound frequencies that can travel up to 400 km from the source. 

Recent studies show how these frequencies are used for avian navigation. Some birds have an exceptional ability to detect infrasound, which become their sensory basis for long-distance migrations. In recent years, navigation failures have been detected due to anthropogenic noise from industrial and urban sources of infrasound frequencies – nature could not get through.

In Cascade, infrasound recordings from large waterfalls will activate 150 speakers; each will transmit the imperceptible frequency into a luminescent optical fiber. The sound waves will resonate in the fiber strings, producing a luminous visual feedback.

Presented for the first time at this year’s Mois Multi, the immersive installation will utilize the architecture of the chosen venue, creating a curtain of sound waves adaptable to the needs of the room. The audience is invited to walk through the lightfall, touch and feel the vibration of the material, and become part of the artwork.

Biographie

Marc Vilanova (Barcelone, 1991) est un artiste du son et des arts visuels qui œuvre à l’intersection de l’art, de la science et de la technologie. Depuis toujours, sa production artistique est animée par un esprit d’innovation et un intérêt pour les nouveaux médias et elle combine les installations son et lumière, la performance et la sculpture. De nombreuses bourses, récompenses et résidences lui ont été attribuées et ses œuvres ont été présentées au Japon, aux États-Unis, au Canada, au Brésil, en Colombie, à Cuba, en Iran, à Taiwan, en Corée du Sud, en Russie et dans de nombreux pays d’Europe.

Marc Vilanova (Barcelona, 1991) is a sound and visual artist working at the intersection of art, science, and technology. Vilanova’s artistic production has always been led by a spirit of innovation fueled by an interest in new media. His practice combines sound/light installations, performance, and sculpture. He has received numerous grants, awards, and residencies and his pieces have been presented in Japan, the U.S., Canada, Brazil, Colombia, Cuba, Iran, Taiwan, South Korea, Russia, and many countries in Europe.

Crédits

Une oeuvre de Marc Vilanova.

Work by Marc Vilanova.

Cette œuvre a été réalisée en partie dans le cadre du programme de résidence de l’European Media Art Platform à Gnration, avec le soutien du programme culturel Europe créative de l’Union européenne et de la Fundació Ramon Llull.

This work was realised in part within the framework from the European Media Art Platform residency program at Gnration with support of the Creative Europe Culture Programme of the European Union and the Fundació Ramon Llull.

how to fail as a popstar

how to fail as a popstar

Programmation 2023
Spectacles et performances

Origine: Toronto, Canada

SPECTACLE ANNULÉ

Artiste

Vivek Shraya

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

Billetterie
Dates (spectacle offert en anglais avec sur-titres français)

11 février 20h – représentation suivie d’une discussion avec l’artiste

12 février 16h

Présenté en collaboration avec La Chapelle Scènes Contemporaines

Description

How to Fail as a Popstar est le premier spectacle théâtral de Vivek Shraya. Ode à la résilience et à la découverte de soi, cette pièce présente la quête touchante d’une personne qui nous raconte son parcours unique avec un humour désarmant et une fulgurante intelligence. Un solo mis en scène par le très prolifique dramaturge canadien Brendan Healy.

Vivek Shraya est une artiste multidisciplinaire qui place la vulnérabilité et la sollicitude (care) au centre de sa démarche rayonnante. Elle connaît depuis quelques années un succès national et international pour son travail en théâtre et en littérature ainsi que pour ses prises de parole militantes.

Avec grande justesse, Vivek propose une œuvre qui nous transporte dans son périple « pas tout à fait réussi » alors qu’elle tente de devenir une star de la musique pop, au début des années 2010. C’est une histoire nécessaire, une classe de maître en humilité, en résilience et en transformation personnelle. Ses mots sont lumineux, crus, honnêtes. Remplis d’espoir, ils nous plongent d’une manière colorée et bouleversante dans une thématique que nous connaissons toutes et tous : l’échec.

How to Fail as a Popstar is Vivek Shraya’s first theatrical show. This show is an ode to resilience and self-discovery – a touching portrayal a singular person’s unique journey, told with disarming humor and dazzling intelligence. 

How to Fail as a Popstar is a one-woman show directed by prolific Canadian playwright Brendan Healy.  Vivek Shraya is a multidisciplinary artist who has enjoyed national and international success in recent years for her work in theater, literature and activism. This artist places vulnerability and care at the center of her luminous approach.

With great accuracy, Vivek invites us to travel back with her to her “not quite successful” journey as she tries to become a pop star in the early 2010s.  It’s a necessary story, a master class in humility, resilience and personal transformation. Her words are bright, raw, honest and filled with hope as they colorfully and movingly walk us through a theme we all know too well: failure.

Biographie

Vivek Shraya est une artiste dont l’œuvre franchit les frontières de la musique, de la littérature, des arts visuels, du théâtre et du cinéma. Son album Part Time Woman a été sélectionné pour le prix Polaris et son livre à succès I’m Afraid of Men a été qualifié de « carburant à fusée pour la culture » par Vanity Fair. Elle est également la fondatrice de la maison d’édition primée VS. Books, qui soutient les écrivains PANDC émergents. Finaliste à sept reprises du Lambda Literary Award, Vivek a été Grand Marshal de la semaine de la fierté de Toronto et ambassadrice de marque pour MAC Cosmetics et Pantene. Aussi membre du conseil d’administration de la Tegan and Sara Foundation et professeure adjointe de création littéraire à l’université de Calgary, elle travaille actuellement à l’adaptation de sa première pièce pour la télévision, How to Fail as a Popstar, avec le soutien de la CBC.

Vivek Shraya is an artist whose body of work crosses the boundaries of music, literature, visual art, theatre, and film. Her album Part Time Woman was nominated for the Polaris Music Prize, and her best-selling book I’m Afraid of Men was heralded by Vanity Fair as “cultural rocket fuel.” She is also the founder of the award-winning publishing imprint VS. Books, which supports emerging BIPOC writers. A seven-time Lambda Literary Award finalist, Vivek was a Pride Toronto Grand Marshal and has been a brand ambassador for MAC Cosmetics and Pantene. She is a director on the board of the Tegan and Sara Foundation, an Assistant Professor of Creative Writing at the University of Calgary, and is currently adapting her debut play, How to Fail as a Popstar, for television with the support of CBC.

Crédits

How to Fail as a Popstar de Vivek Shraya
Produit par Canadian Stage

Auteur et interprète : Vivek Shraya
Mise en scène : Brendan Healy
Assistant metteur en scène (Rodéo) : Clare Preuss
Chorégraphie : William Yong
Décor et costumes : Joanna Yu
Conception des éclairages originaux : CJ Astronomo
Concepteur/opérateur des éclairages de tournée : Imogen Wilson
Composition musicale et conception sonore : James Bunton
Directeur de la tournée : Chris Reynolds
Régisseur/ Directeur technique/ Opérateur du son : Adrien Whan

How to Fail as a Popstar
by Vivek Shraya
commissioned and produced by Canadian Stage

Author and performer : Vivek Shraya
Direction : Brendan Healy
Assistant Director (Rodeo) : Clare Preuss
Choreography : William Yong
Set and Costume Design : Joanna Yu
Original Lighting Design : CJ Astronomo
Tour Lighting Designer/Operator : Imogen Wilson
Music Composition and Sound Design : James Bunton
Manager of Touring : Chris Reynolds
Stage Manager/ Technical Director/ Sound Operator : Adrien Whan

gabuzomeu

gabuzomeu

par gregaldur

Programmation 2023
Spectacles et performances

Présenté en collaboration avec La Bibliothèque de Québec et le Consulat général de France à Québec

Origine: France

ciné-concert, jeune public, à partir de 6 ans

Compagnie

Bob Théâtre

Lieu

Bibliothèque Paul-Aimé-Paiement
7950 1re Av.
Québec, QC G1H 2Y4

Billetterie

Gratuit – réservation obligatoire

Réserver
Book
Dates

25 février 10h – représentation suivie d’une discussion avec l’artiste

25 février 14h

26 février 14h

Description

Gabuzomeu par Gregaldur, c’est un ciné-concert complètement fou!

Sur scène, une large cage métallique contenant divers objets en suspension et en mouvement. Une sorte de vaisseau rempli de machines à sons, d’instruments et de synthétiseurs. L’interprète et artiste Gregaldur entre comme un fauve dans ce petit espace de tous les possibles et offre un ciné-concert déjanté et surprenant. Il se glisse dans la peau d’un Shadok, ce personnage de série d’animation française ayant pour tout vocabulaire quatre syllabes : ga, bu, zo, meu. Ne faisant qu’un avec son bolide, il s’embarque ensuite dans une création complètement imprévisible et délicieusement insoupçonnée!

Véritable homme-orchestre, Gregaldur rend hommage dans Gabuzomeu au Groupe de recherches musicales (GRM), fleuron de la culture visuelle et musicale française de 1960 à 1975. Il célèbre également les courts-métrages d’animation de Piotr Kamler, artiste lié à cette organisation de réputation internationale.

Un spectacle associant scénographie loufoque, ambiance poétique et musique bricolée. À vivre en famille!

Films de Piotr Kamler projetés sur scène
(distribution par aaa production)

Une mission éphémère – 1993
L’araignéléphant – 1968
L’hiver – 1964
Le trou – 1968

Gabuzomeu by Gregaldur is a crazy and wild concert-film!

On stage, a large metal cage containing various suspended and moving objects: a kind of vessel containing sound machines, instruments and synthesizers. In Gabuzomeu, the performer and artist Gregaldur enters like a wildcat in this small space filled with possibilities, and he offers a bold and surprising concert-film. By immersing himself in the skin of a Shadock (this character from a French animated television series whose vocabulary is made up of four syllables: “Ga, Bu, Zo, Meu”), the artist Gregaldur becomes one with his environment to create a completely unpredictable and deliciously unsuspected performance!

Truly a one-man band, Gregaldur creates this show that pays tribute to the GRM, the Groupe de Recherche Musicale (a jewel of French and international visual and musical culture active from 1960 to 1975) and to Piotr Kamler’s animated short films.

A show the whole family can enjoy, combining zany, poetic scenography and DIY music!

The films (directed by Piotr Kamler) :

An Ephemeral Mission – 1993

The Spidelephant – 1968

Winter – 1964

The Hole – 1968

Film distribution: aaa production

Biographie

Musicien protéiforme, Gregaldur s’inspire du punk, de la toy music faite avec des jouets ainsi que des musiques minimalistes, électroniques et expérimentales. Il a près de 500 concerts à son actif en France et à l’étranger. Sur des scènes de musiques actuelles (réseau français de diffusion), dans des festivals ou en d’autres lieux plus alternatifs, il partage l’affiche de bon nombre d’artistes. Il se produit notamment avec CocoRosie, Colin Stetson, Jason Forrest et Jad Fair, ou encore avec ses compatriotes Philippe Katerine, GaBlé, Papier Tigre, La Terre Tremble!!!, etc.

Sa rencontre avec le Bob Théâtre se fait en 2015. Il devient alors guitariste (en alternance avec François Athimon) pour le spectacle Bartleby, une histoire de Wall Street, signé par Denis Athimon et Julien Mellano. C’est le début d’une très belle collaboration qui continue à ce jour. En 2016, Denis Athimon accompagne Gregaldur dans la création d’un ciné-concert sur des courts-métrages de Garri Bardine, Shtsrzyhzyhzyhzyhzyhzyhzyhzyhzyhzyhtj. Il met de nouveau en scène Gregaldur dans sa comédie musicale De l’avenir incertain du monde merveilleux dans lequel nous vivons, lancée en octobre 2017 avec le concours de Bertrand Bouessay. En 2019 naît son ciné-concert Gabuzomeu, qui rend hommage au Groupe de recherches musicales, fleuron de la culture visuelle et musicale française.

As a multifaceted musician, Gregaldur is inspired by the punk; minimalist; electronic; experimental and toy genres of music. He has nearly 500 concerts to his credit in France and abroad. Whether it is in SMAC, in festivals, or in other more alternative spaces, he shares the spotlight with various international artists (Coco Rosie, Colin Stetson, Jason Forrest, Jad Fair, etc.) and many of his French peers (Philippe Katerine, Gablé, Papier Tigre, La Terre Tremble !!!, etc.). He joins the Bob Theater in 2015, becoming an on-stage guitarist (alternating with François Athimon) for the show “Bartleby, a story of Wall Street”, written, performed and directed by Denis Athimon and Julien Mellano. This was the beginning of a beautiful collaboration that continues to this day. In 2016, Denis Athimon accompanies Gregaldur in the creation of a cinema-concert, based on short films by Garri Bardine. He directs Gregaldur again in his musical called “De l’avenir incertain du monde merveilleux dans lequel nous vivons” (written and directed in collaboration with Bertrand Bouessay), created in October 2017. In 2019, “Gabuzomeu” is born: a new cinema-concert with a name straight out of the Shadocks cartoon. This piece pays tribute to the Groupe de Recherche Musicale, a jewel of French visual and musical culture.

Crédits

Composition : Gregaldur et Frank Lawrence
Choix des courts-métrages : Gregaldur
Régie : Frank Lawrence
Construction : Gregaldur et bob
Supervision… : bob
Production : bob théâtre
Soutien : Lillico, Rennes. Avec le soutien de la communauté Emmaus Rennes Hédé Saint-Malo

Composition: Gregaldur and Frank Lawrence
Short film selection : Gregaldur
Stage Manager : Frank Lawrence
Construction : Gregaldur and Bob
Supervision… : bob
Production : bob théâtre
Support : Lillico, Rennes. With the support of the Emmaus community Rennes Hédé Saint-Malo

deux squelettes

deux squelettes

Programmation 2023
Spectacles et performances

Présenté en collaboration avec La Rotonde

Origine: Marsoui, Québec

Danse

Artiste

Mandoline Hybride

Priscilla Guy et Sébastien Provencher

Lieu

studio d’Essai
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Dates

17 février 19h30 – représentation suivie d’une discussion avec les artistes

18 février 13h

18 février 19h30

Description

Dans une suite de tableaux tragi-comiques, deux artistes dépouillés de leur enveloppe charnelle veulent aller au fond des choses. Une véritable quête existentielle, contemporaine et drôle à l’os!

L’œuvre Deux squelettes raconte l’expérience improbable d’un duo d’artistes qui se sont délestés de leur chair et de leurs organes pour ne garder que leurs os. En entrevue, au gym ou à la plage, ils poursuivent leur périple dans un mutisme inquiétant. Ils semblent avoir réussi l’impossible : être suspendus entre la vie et la mort. Mais ces deux squelettes sont-ils avant-gardistes et téméraires, ou ont-ils simplement abdiqué devant la surabondance de discours et d’images?

En observant les dérives du Web par le prisme de la culture populaire, Priscilla Guy et Sébastien Provencher proposent avec humour une incursion sur la fine ligne qui sépare le renoncement radical de l’obstination renouvelée. Une satire aussi délirante que clairvoyante, portée par la maîtrise poétique des 206 os qui nous composent. Le spectacle est présenté en collaboration avec le diffuseur en danse La Rotonde.

In a series of comically-tragic tableaux, two artists stripped of their carnal envelope want to get to the bottom of things. A true contemporary existential quest, funny to the bone!

Deux squelettes recounts the unlikely experience of a duo of artists who have shed their flesh and organs to keep only their bones. In interviews, at the gym or at the beach, their journey unfolds in a disturbing silence. Yet they seem to have achieved the impossible: to be suspended between life and death. But are these two skeletons avant-garde and fearless, or have they simply given in to the overabundance of discourse and images?

By observing the excesses of media through the lens of popular culture, Priscilla Guy and Sébastien Provencher humorously propose an incursion on the fine line that distinguishes radical renunciation from renewed stubbornness. A satire as delirious as it is clear-sighted, carried by the poetic mastery of the 206 bones that make our bodies whole.

Biographie

Sébastien Provencher

Formé dans sa discipline à l’UQAM, Sébastien Provencher évolue dans le milieu de la danse contemporaine à titre d’interprète, de chorégraphe, de commissaire et d’enseignant. Il est membre de Lorganisme, structure pour chorégraphes à statut indépendant depuis 2020. Il est également codirecteur artistique du festival de danse FURIES, à Marsoui, en Gaspésie. Dans ses œuvres, Sébastien Provencher préconise les approches interdisciplinaires et collaboratives, où le corps et le mouvement sont au cœur de la proposition artistique. Ses créations ont été présentées entre autres à Montréal (Agora de la danse, Tangente Danse), à Toronto (Citadel + Compagnie, Dance Matters) et en Allemagne (Fabrik Potsdam). À titre d’interprète, il travaille entre Montréal, Toronto et Québec. Il a notamment dansé pour Louise Bédard, George Stamos, Manon Oligny, Helen Simard, Emmanuel Jouthe, Sasha Kleinplatz, Martin Messier, Maïgwenn Desbois, D.A. Hoskins/The Dietrich Group, Riley Sims/Social Growl Dance et Marie Lambin Gagnon.

Priscilla Guy

Priscilla Guy est performeuse, chorégraphe, cinéaste, commissaire et chercheuse en arts basée à Marsoui, en Gaspésie. Elle fonde Mandoline Hybride en 2007, bannière sous laquelle elle diffuse ses créations scéniques, performances in situ et courts-métrages chorégraphiques. Son répertoire compte notamment la pièce Les Installations Mouvantes. Présentée plus de 150 fois au Canada et en Europe, cette œuvre a reçu en 2012 le prix LOJIQ – catégorie Culture lors d’une cérémonie à l’Assemblée nationale du Québec. Son spectacle Singeries a aussi été joué aux Pays-Bas, en Écosse, en Belgique et au Canada. Détentrice d’un doctorat en arts de l’Université de Lille (France), Priscilla Guy s’intéresse à la force du groupe pour propulser des idées politiques, esthétiques et sociales. Elle dirige plusieurs événements de diffusion chapeautés par Mandoline Hybride (Regards Hybrides, Salon58, FURIES – festival de danse contemporaine) et s’implique dans des projets collectifs internationaux (8 DAYS, Expanded Hybrids). Elle siège présentement au conseil d’administration du Studio 303, organisme de soutien aux artistes en danse et en performance de Montréal.

 Mandoline Hybride

Mandoline Hybride a pour mission d’appuyer le développement de l’art contemporain sous diverses formes, avec la danse pour point d’ancrage. Depuis sa fondation en 2007, ses projets de recherche, création, diffusion et accompagnement visent à (re)penser la place et la portée de l’art dans la société, à partir de perspectives critiques. Basée en Gaspésie depuis 2018, Mandoline Hybride soutient des initiatives artistiques touchant différentes communautés (Regards Hybrides, Salon58, FURIES – festival de danse contemporaine). Elle produit de plus les œuvres de sa directrice et fondatrice Priscilla Guy.

Sébastien Provencher

Trained at UQAM’s dance department, Sébastien evolves in the contemporary dance milieu as a performer, choreographer, curator and teacher. Sébastien is a member of Lorganisme, a structure for independent choreographers since 2020. He is also co-artistic director of the contemporary dance festival FURIES, in Marsoui, Gaspé. Through his work, Sébastien prioritizes interdisciplinary and collaborative approaches, where the body and movement are at the heart of the artistic proposal. His creations have been presented in Montreal (Agora de la Danse, Tangente Danse), Toronto (Citadel+Compagnie and Dance Matters) and in Germany (Fabrik Potsdam). As a performer, he shares his time between Montreal, Toronto and Quebec City. He has danced for Louise Bédard, George Stamos, Manon Oligny, Helen Simard, Emmanuel Jouthe, Sasha Kleinplatz, Martin Messier, Maïgwenn Desbois, DA Hoskins/Dietrich Group, Riley Sims/Social Growl Dance and Marie Lambin.

 Priscilla Guy

Priscilla Guy is a performer, choreographer, filmmaker, curator and arts researcher based in Marsoui, Gaspé. She founded Mandoline Hybride in 2007, name under which she presents her stage creations, site-specific performances and short choreographic films on a local and international scale. Her repertoire includes the site-specific piece Les Installations Mouvantes, which has been presented more than 150 times in Canada and Europe – and which received the Prix Culture de LOJIQ at the National Assembly of Quebec in 2012 -, as well as the piece Singeries, which was presented in the Netherlands, Scotland, Belgium and Canada. She is also the director of several dissemination projects headed by Mandoline Hybride (Regards Hybrides, Salon58, FURIES – festival of contemporary dance) and is involved in international collective projects (8DAYS, Expanded Hybrids). She is interested in the power of the group to propel political, aesthetic and social ideas. She currently sits on the board of Studio 303 and holds a PhD in art from the University of Lille (France).

Mandoline Hybride

Mandoline Hybride’s mission is the development of contemporary art in various forms, with dance as an anchor. Since its foundation in 2007, its research, creation, dissemination and mentoring projects aim to (re)think the place and scope of art in society, from critical perspectives. Based in Gaspésie since 2018, Mandoline Hybride supports the production and dissemination of artistic initiatives targeting different communities (Regards Hybrides, Salon58, FURIES – contemporary dance festival), in addition to producing the artworks of its director and founder Priscilla Guy.

 

Crédits

Crédits

Direction artistique, Chorégraphie et performance : Sébastien Provencher et Priscilla Guy
Texte : Dany Boudreault
Comédien : Ludovic Jean
Conception lumière : Hugo Dalphond
Création sonore : Michel F Côté
Composition instrumentale : Maurice-G. Du Berger
Trombone : Benoit Paradis, Hugo Bégin (+ 1 autre à venir)
Percussions : Philip Hornsey
Répétitrice : Emilie Morin
Regard extérieur : Anne Thériault

Artistic Direction, Choreography and Performance : Sébastien Provencher and Priscilla Guy
Text : Dany Boudreault
Actor: Ludovic Jean
Lighting design: Hugo Dalphond
Sound design: Michel F Côté
Instrumental composition: Maurice-G. Du Berger
Trombone: Benoit Paradis, Hugo Bégin
Percussion : Philip Hornsey
Repeater: Emilie Morin
Outer view : Anne Thériault

all the sex i’ve ever had

all the sex i’ve ever had

Programmation 2023
Spectacles et performances

Origine: Toronto, Canada

Panel festif, 14 ans et +

Collectif

Mammalian Diving Reflex

Lieu

salle Multi
591 Rue Saint-Vallier E
Québec, QC G1K 3P9

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Dates

24 février 18h30

25 février 19h30

26 février 16h

Description

Let’s talk about sex!

Après son projet à succès Haircuts by Children, présenté au Mois Multi 2022, la compagnie artistique torontoise Mammalian Diving Reflex revient au festival pour vous offrir une expérience bien différente, mais tout aussi fantastique.

All the Sex I’ve Ever Had (traduction libre : « Toutes les relations sexuelles que j’ai eues ») est une performance mettant en vedette des aînées et aînés de la ville où elle se déroule. Ces personnes acceptent de partager avec le public les meilleures anecdotes et les plus touchants moments de leur vie amoureuse et sexuelle! Sous la forme d’un panel festif, elles révèlent des parcelles de sagesse et de folie, tout en prodiguant des conseils puisés dans leur vaste expérience humaine.

Teinté d’humour, d’émotion et de détails croustillants, All the Sex I’ve Ever Had tourne les projecteurs vers les personnes âgées, une population trop souvent invisible sur les scènes. Il offre ainsi à l’auditoire une véritable rencontre qui contribue à déconstruire les tabous.

Succès monstre, ce spectacle fait le tour du monde depuis 10 ans. L’équipe de Mammalian Diving Reflex s’arrête maintenant chez nous pour laisser la parole aux aînées et aux aînés de Québec. Un rendez-vous à ne pas manquer!

Let’s talk about sex! 

After “Haircuts by Children”, their successful project presented during Mois Multi 2022, the Toronto-based artistic company Mammalian Diving Reflex is back at the festival to offer you a very different, but just as fantastic experience! “All the Sex I’ve Ever Had” is a performance featuring Quebec City seniors who are ready to share the best stories and most touching moments of their love and sex lives with you, their audience! 

In a festive panel format, participants reveal bits of wisdom and folly while offering advice drawn from their vast life experiences.

Tinged with humor, touching moments and juicy details, All the Sex I’ve Ever Had turns the spotlight onto seniors, a population that is too often invisible on stage. The show offers a true, genuine encounter that will definitely deconstruct taboos. 

After the huge success of this show, which has been touring the world for 10 years, the Mammalian Diving Reflex team is now stopping in our city to give a voice to seniors – our own.

Biographie

Le collectif Mammalian Diving Reflex, établi en Allemagne et au Canada, considère les interventions artistiques novatrices comme un moyen de promouvoir la générosité et l’équité dans l’univers. Fondé par son directeur artistique, Darren O’Donnell, en 1993, Mammalian est un atelier de recherche et d’art dédié à l’investigation de la sphère sociale, et toujours à l’affût de contradictions à transformer en expériences esthétiquement stimulantes.

« Nous sommes un atelier de production culturelle qui crée des performances propres à un site et à une société, des productions théâtrales, des installations participatives dans des galeries, des vidéos, des objets d’art et des textes théoriques. L’ensemble des travaux de Mammalian est interconnecté, varié et dynamique, et reflète notre corpus unique et croissant de connaissances et d’expertise sur l’utilisation et la fonction de la culture. 

Nous créons des œuvres qui reconnaissent la responsabilité sociale de l’art, en favorisant un dialogue entre les membres du public, entre le public et le matériel, et entre les interprètes et le public ».

Sous toutes ses formes, le travail du collectif démantèle les barrières entre les individus de tous âges et de tous milieux culturels, économiques et sociaux; il collabore avec des non-artistes et offre au public des possibilités de participation ainsi que l’option traditionnelle d’assister simplement au déroulement des événements. Que ce soit à Toronto, son port d’attache, ou dans le monde entier, sa mission est de rassembler les gens de manière nouvelle et inhabituelle, afin de créer des œuvres engageantes, stimulantes, qui amènent les gens à parler, à réfléchir et à ressentir.

Based in Germany and Canada, Mammalian Diving Reflex views innovative artistic interventions as a way to trigger generosity and equity across the universe. Founded by Artistic Director, Darren O’Donnell in 1993, Mammalian is a research-art atelier dedicated to investigating the social sphere, always on the lookout for contradictions to whip into aesthetically scintillating experiences.

“We are a culture production workshop that creates site and social-specific performances, theatre-based productions, gallery participatory gallery installations, videos, art objects and theoretical texts. Mammalian’s body of work is interconnected, varied and vibrant, reflecting our unique and growing body of knowledge and expertise on the use and function of culture. We create work that recognizes the social responsibility of art, fostering a dialogue between audience members, between the audience and the material, and between the performers and the audience.”

In all it’s forms, the company’s work dismantles barriers between individuals of all ages, cultural, economic and social backgrounds; we collaborate with non-artists, and offer both participatory opportunities for the audience as well as the traditional option of simply watching the proceedings as they unfold. It is our mission to bring people together in new and unusual ways, in Toronto, Canada, our home-base, and around the world, to create work that is engaging, challenging, and gets people talking, thinking and feeling.

Crédits

Conception : Darren O’Donnell (Toronto, Canada)
Pré-production : Ryan Lewis (Toronto, Canada)
Direction : Kanoko Tamura (Tokyo, Japan)
Production : Marie Lola MacDonald (Toronto, Canada)
Co-production : Pascal Ulrich (Bochum, Germany)
Co-Production : Isabel Ahat (Toronto, Canada)
Mise en scène et direction technique : Katelan Braymer (Los Angeles, USA)

Conception : Darren O’Donnell (Toronto, Canada)
Pre-Production : Ryan Lewis (Toronto, Canada)
Direction : Kanoko Tamura (Tokyo, Japan)
Production : by Marie Lola MacDonald (Toronto, Canada)
Co-Production : by Pascal Ulrich (Bochum, Germany)
Co-Production : by Isabel Ahat (Toronto, Canada)
Environment Design & Technical Direction : Katelan Braymer (Los Angeles, USA)

aquaphoneia

aquaphoneia

Programmation 2023
Installations
Artistes

Navid Navab et Michael Montanaro 

(Iran et Canada)

Lieu

Espace 400e
100 Quai Saint-André
Québec, QC G1K 3Y2

Entrée gratuite

Sans réservation

Dates

Du 1er au 19 février 2023 

Ouverture le 1er février à 19h – vernissage

Heures d’ouverture

Lundi, mardi : FERMÉ

Mercredi, jeudi, vendredi :
13h à 21h

Samedi et dimanche :
10h à 17h

Description

Aquaphoneia est une installation alchimique centrée sur le processus de production du temps et sur la transmutation de la voix en matière.

Une grande corne qui flotte dans l’espace fait écho, comme une sorte de fantôme, au phonographe d’Edison. Cet étrange assemblage transforme la voix en eau et l’eau en air. Les sons tombent dans les profondeurs de la corne, où ils sont calcinés, puis liquéfiés. La voix aqueuse s’écoule ensuite dans trois chambres alchimiques où le temps intérieur s’abandonne au rythme de la matière : sans contrainte, mais lucide et sonore.

Dans un coin, les voix qui bouillonnent dans une sphère de feu sont amenées à l’entropie et transmutées en une concentration intemporelle de brume spectrale et de vapeur phonétique. Dans l’autre, un module sépare la parole en éléments vitaux, une goutte à la fois : phonèmes, particules phoniques et quantas invisibles du silence.

Ne manquez pas cette expérience unique!

Aquaphoneia is an alchemical installation centered on the poiesis (action of making or producing) of time and the transmutation of voice into matter.

A large horn floating mid space echoes the ghost of Edison’s machine. But unlike early recordings, this odd assemblage transmutes voice into water and water into air. Vocal sounds falling into the depths of the horn are calcinated and then liquified: the aqueous voice then flows into three alchemical chambers where inner time is surrendered to the whims of matter: unbound, yet lucid and sound.

In one corner, voices bubbling inside a sphere of fire are brought to entropy and transmuted into a timeless concentration of spectral mist and phonetic vapor. Another module separates speech into vital elements a drop at a time: words into phonemes, into phono particles, and the invisible elements of silence…

Don’t miss out on this unique experience!

Navid Navab

NAVID NAVAB (il/iel/elle), née et a grandi à Téhéran (Iran) et basé à Montréal, est un alchimiste des médias, un cosmologiste de table, un compositeur indiscipliné et un sculpteur audiovisuel qui étudie le potentiel d’auto-organisation des processus matériels chaotiques. Intéressé par la poétique de la schizophrénie, du geste et de la matérialité, Navab compose depuis plus de dix ans des expériences multisensorielles, mêlant humains, machines et matériaux in situ et de concert, de manière à permettre un engagement critique et une construction de sens ludique avec des matières de processus excitables.

Michael Montanaro 

Professeur au Département de danse contemporaine et directeur du Topological Media Lab de l’Université Concordia, Montanaro se consacre à la conceptualisation, la conception et la création de projets axés sur des façons novatrices et en évolution dont les nouvelles technologies sont utilisées pour améliorer l’expérience interactive.

Artiste transdisciplinaire, il est reconnu pour son travail dans le domaine de la danse contemporaine, des médias interactifs et du cinéma. Michael a été directeur artistique de Montanaro Dance et a travaillé comme chorégraphe, metteur en scène sur de nombreux projets dont “Varekai” du Cirque du Soleil, “Carmina Burana” de l’Opéra de Montréal, “Frankenstein’s Ghosts” et une série de courts métrages “Dances for Small Space”.

Plus récemment, il est directeur créatif de “InTime” – un projet de création de recherche financé par le FQRSC. Montanaro est également membre du Living Architecture Group, Phillip Beesley (Toronto) et a participé au concours Solar Decathlon en Chine, en juillet 2018.

NAVID NAVAB (he/she/they), born and raised in Tehran (Iran), is a Montreal-based media alchemist, improvised cosmologist, antidisciplinary composer and audiovisual sculptor. He investigates the self-organizing potential of chaotic material processes, in search of a collaborative ethos for playful sense-making. Interested for over a decade in the poetics of schizophrenia, gesture, and materiality, Navab has been composing multi-sensory experiences, entangling humans, machines and materialities both in-situ and in concert, in ways that enable critical engagement with excitable matters-of-process.

Michael Montanaro is a trans-disciplinary artist who is best known for his work in the field of contemporary dance, mixed media, and film. He was the artistic director of Montanaro Dance and has worked as a choreographer, director on numerous projects including the Cirque du Soleil’s “Varekai, Opéra de Montréal`s “Carmina Burana”, “Frankenstein’s Ghosts, and a series of short films “Dances for Small Spaces”.

Montanaro is dedicated to the envisioning, design and creation of projects focused on evolving innovative ways in which new technologies are used to enhance the interactive experience. He is the creative director of “InTime”- an FQRSC funded research creation project; Montanaro is also the co-director of the Topologcial Meia Lab, a member of the Living Architecture Group, Phillip Beesley (Toronto) and was a participant in the Solar Decathlon Competition in China, July 2018.

Crédits

NAVID NAVAB art direction, installation concept and design, audiovisual composition, sound design, behaviour design, technical design, programming, electronics
MICHAEL MONTANARO art direction, visual concept and design, fabrication
PETER VAN HAAFTEN electronics, programming, sound design
NIMA NAVAB embedded lighting design

Topological Media Lab research collaboration
Support: Fonds de Recherche du Québec Société et Culture (FRQSC), Canada Council for the Arts

Crédit photo
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la soirée indomptée

soirée indomptée

Programmation 2023
Spectacles et performances

Présentée en collaboration avec

Origine: Québec et Canada

Performances courtes, musique électronique

Artistes

Christian Messier, Carol-Ann Belzil-Normand, Simon Brown, Ulysse Ruel, Myriam Bleau,Theresa Transistor et Annie Q.

Lieux

L’Oeil de Poisson (2e étage)
541, rue Saint-Vallier Est, Québec, QC G1K 3P9

VU
580 Côte d’Abraham, Québec, QC G1K 3P9

salle Multi
591 rue De Saint-Vallier Est, Québec, QC G1K 3P9

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3 février 2023

19h à L’Oeil de poisson (gratuit)

19h30 à VU (gratuit)

20h30 à la salle Multi (billet obligatoire)

Description

Pour fêter la 24e édition du Mois Multi, venez vivre sa célèbre Soirée indomptée! Désinvolte et poétique, cet événement en deux parties se veut aussi percutant qu’indiscipliné. Une célébration rassembleuse de l’art multidisciplinaire et de l’art performance.

En première partie (gratuite) : aventurez-vous dans les galeries de la coopérative Méduse pour apprécier les performances de Christian Messier à L’Œil de Poisson et de Carol-Ann Belzil-Normand à VU.

En deuxième partie ($) : assistez aux performances multidisciplinaires hors du commun de Simon Brown, Ulysse Ruel, Myriam Bleau et Theresa Transistor à la salle Multi.

La Soirée indomptée vous promet des expériences inédites!

Performances dans les galeries de Méduse (accès gratuit)

Symphonie en brun Van Dyck par Christian Messier – Présentée à L’Œil de Poisson

Présentée en collaboration avec le centre d’art L’Œil de Poisson, l’exposition Symphonie en brun Van Dyck propose huit associations peinture/musique composées par l’artiste. Chaque paire est réunie par une caractéristique commune aux deux langages; par exemple, la superposition de touches en peinture et de notes en musique. Au Mois Multi, le créateur interprétera devant public deux œuvres sonores en présence des tableaux qui leur sont associés.

Une forme en dialogue est floue par Carol-Ann Belzil-Normand – Présentée à VU

Cette performance consiste en une récitation durant laquelle la voix est modulée et transformée. Le poème déclamé a été écrit en partie lors d’une résidence qui a eu lieu en juin et juillet 2022 à Roca Umbert – Espai d’Arts (Granollers, Catalogne). La création découle de l’échange Courants ~ Corrents qui unit l’établissement catalan au centre de photographie VU, à Québec.

Performances à la salle Multi ($)

SALUT SUR BUTTE MAMMIFÈRE par Simon Brown 

SALUT SUR BUTTE MAMMIFÈRE est plusieurs choses. Une performance pluridisciplinaire tripartite? Une histoire de mammifères, de monticules, d’échecs et de possibilités? Un brassage de poèmes asymétriques, de chansonnettes enfantines et de gestes impossibles? Un chant solennel en robe de chambre? Un lit de fortune où on rêve les yeux ouverts? Une face cachée à trois bouches? Un hymne à la butte qui nous rassemble? Une chorale en cavale sur la plaine de l’inconscient? Cette œuvre indéfinissable est présentée en collaboration avec l’organisme en poésie actuelle CONTOURS.

Harmonica post-blues/expérimental par Ulysse Ruel

En orientant le souffle de ses harmonicas dans un réseau de fils et de machines soigneusement sélectionnées, Ulysse Ruel sculpte en direct des progressions post-blues planantes et risquées. Il interprète des mélodies improvisées en repoussant les limites de l’instrument à l’aide d’appareils et de pédales d’effet. Sa musique affiche donc une dimension électronique, mais sans ordinateur. Tout est 100 % analogique, produit uniquement par l’harmonica et modifié sous l’inspiration du moment. Suivant la même logique que le post-rock, son post-blues s’inscrit dans une démarche de musique instrumentale qui joue avec les codes du genre pour proposer une expérience nouvelle.

Unsculpt par Myriam Bleau 

Unsculpt est inspiré des écrits de Donna Haraway, spécialiste en histoire de la conscience, de Manuel DeLanda, professeur en philosophie et en science contemporaines, et de la notion du mysticisme écologique. L’œuvre explore des architectures spéculatives visuelles et sonores ainsi que des écosystèmes nés de l’assemblage de créativités humaines et de machines. Générés par intelligence artificielle, des paysages hybrides, constructions mi-végétales, mi-humaines, émergent en fragments de rêves. Des cartes postales délavées d’un futur imaginé.

Theresa Transistor 

Theresa Transistor, (Christian Bouchard, Christian Calon, Mario Gauthier et Monique Jean), se retrouvent, de façon tout à fait exceptionnel, pour découvrir ensemble où leurs sons indomptés les mèneront. Composition instantanée entourant le public : électronique, voix parlées, surfaces d’objets, frottements, reprises, vitesse, éclats, silence…insoupçonnés.
 
Annie Q.
 

 « Du Derrida qui se danse », comme dirait l’autre. Au programme : un mélange de mutations pop d’ici, d’ailleurs et d’à côté, de disco toute, d’électro d’avant et de post-punk de demain. Des 45 tours de pépites perdues des années 70, des mp3 de bloghouse scratchés, peu importe le format, ce qui compte c’est la béatification du beat. Ç’a l’air compliqué de même, mais vous allez voir, c’est ben simple.

To launch the 24th edition of the Mois Multi, come celebrate and experience one of the famous Soirées Indomptées. Casual and poetic, the soirée is as punchy as it is unruly.
A two-part event, this launch is a unifying celebration of multidisciplinary art and performance. 

Part 1 (free): Venture into the Méduse galleries for a performance by artist Christian Messier at Oeil de Poisson and a performance by Carol-Ann Belzil-Normand at VU.

Part 2 ($) : Attend the extraordinary multidisciplinary performances of Myriam Bleau, Simon Brown, Anne-Françoise Jacques and Ulysse Ruel at the Salle Multi! The Soirée Indomptée promises to be a unique experience! 

Performances presented in Méduse’s galleries (free)

Symphonie en brun Van Dyck (Symphony in Van Dyck brown)by Christian Messier – Presented at l’Œil de Poisson

The exhibition Symphonie en brun Van Dyck, presented at the Œil de Poisson, offers 8 painting/music pairings composed by the artist. These counterparts are brought together by common characteristics applied in a way that suits both languages. For example, the superposition in painting VS in music. The artist’s proposal during Mois Multi is to present a public performance of two musical pieces in the presence of their associated painting.

Une forme en dialogue est floue (Blurry is the shape of dialogue) by Carol-Ann Belzil-Normand – Presented at VU

Performance of a modulated voice, transformed during a recited poem. The poem was written in part during a residency that took place from June 27 to July 11, 2022 at Roca Umbert – Espai d’Arts (Granollers) for the Courants ~ Corrents exchange project with VU (Quebec).

Performances presented at the salle Multi

SALUT SUR BUTTE MAMMIFÈRE by Simon Brown 

Presented in collaboration with CONTOURS

SALUT SUR BUTTE MAMMIFÈRE is many things: a tripartite multidisciplinary performance?; a story of mammals, mounds, failures and possibilities?; a mash-up of asymmetrical poems, childish ditties and impossible gestures?; a solemn song in a robe?; a makeshift bed where one dreams with open eyes?; a hidden face with three mouths?; a hymn to the mound that brings us together?; a choir on the run in the field of unconsciousness.

Harmonica post-blues / experimental  (Post-blues harmonica) by Ulysse Ruel

By directing the breath of his harmonicas into a network of carefully selected wires and machines, Ulysse Ruel sculpts live, soaring and risky post-blues progressions. He interprets improvised harmonica melodies by pushing the limits of the instrument with the help of machines and effects pedals. The music has an electronic dimension, but his approach is computer-free. Everything is 100% analog, produced only by the harmonica and modified live.

This musical project is the result of several years of artistic research: Ruel studied in visual arts with a strong interest in performance and sound art. Now working solo, Ulysse Ruel has a will to present an ephemeral, risky artistic experience. Following the same logic as post-rock, his post-blues is part of an instrumental approach that toys with the guidelines of blues music, questioning them and offering his own contemporary version.

Unsculpt by Myriam Bleau

Inspired by the writings of Donna Haraway, Manuel DeLanda and the notion of ecological mysticism, ‘Unsculpt’ explores speculative visual and sonic architectures and ecosystems, created from the assemblage of human and machine-led creations. Generated by artificial intelligence, hybrid landscapes between vegetal and human constructions emerge as fragments of dreams, faded postcards of an imagined future.

Theresa Transistor – info to come

Biographies

Christian Messier vit et travaille à Montréal, où il partage son temps entre la pratique artistique et l’enseignement des arts visuels au Cégep Édouard-Montpetit. Depuis le début des années 2000, il a présenté des performances lors de multiples festivals au Canada et dans plus d’une douzaine de pays. En parallèle, sa production en peinture, qui a connu un essor plus tardivement, a été diffusée dans plusieurs lieux. Parmi eux figurent L’Œil de Poisson à Québec, Regart à Lévis, Verticale – centre d’artistes à Laval, L’Écart à Rouyn-Noranda, le Centre CLARK à Montréal, la galerie L’Œuvre de l’Autre à Saguenay, la Maison de la culture de Longueuil, le Centre des arts et de la culture de Dieppe (Nouveau-Brunswick) et la Woodbury University (Californie). Christian Messier compte aussi à son actif cinq expositions à la galerie Laroche/Joncas, qui le représente, et de nombreuses participations à la foire Papier ainsi qu’à Art Toronto.

 

Carol-Ann Belzil-Normand vit et travaille à Québec. Elle poursuit des études au doctorat en littérature et arts de la scène et de l’écran, à l’Université Laval. Dans sa recherche, elle s’intéresse au concept de frivolité comme approche méthodologique sensible et humoristique à travers le cinéma d’animation. Elle a effectué des résidences de création et participé à des présentations collectives dans plusieurs centres d’artistes au Québec. Son travail a été mis à l’honneur lors d’expositions individuelles à Arprim, l’Atelier Presse Papier, La Bande Vidéo, Caravansérail, la Galerie R3 et L’Œil de Poisson. Elle a diffusé ses films d’animation dans de nombreux festivals locaux et internationaux. De plus, Carol-Ann Belzil-Normand est l’autrice de deux recueils de poésie, soit Sanités (Moult Éditions, 2020) et PUSSY GHOST (Écrits des Forges, 2021).

 

Simon Brown (il-iel) est poète, traducteur et artiste interdisciplinaire. Originaire du sud-ouest du Nouveau-Brunswick (territoire traditionnel peskotomuhkati), il vit dans la région de Québec (territoire traditionnel wendat et abénaquis). Il présente ses textes et gestes en revues, œuvres multimédias, pièces sonores et performances collaboratives. Ses recueils, zines et livres d’art ont paru chez des éditeurs au Québec, au Canada et en France, dont Le laps, Éditions Vanloo, squint press, Frog Hollow Press, above/ground press et Moult Éditions. Simon Brown a été artiste en résidence au festival VIVA! Art Action (Montréal), au Banff Centre (Banff), à Vaste et Vague (Carleton), au Mois de la poésie (Québec) et à Particules – correspondances inattendues, événement mené par le groupe Littérature québécoise mobile (Montréal).

 

Myriam Bleau est une compositrice, artiste numérique et performeuse basée à Montréal. Utilisant la musique et le son comme point de départ, elle crée des performances audiovisuelles, des œuvres vidéo, des installations et des interfaces interactives qui articulent le son, la lumière et le mouvement. Elle s’intéresse à la performance, à la fois en tant que manifestation culturelle codifiée et en tant que réactualisation incarnée de systèmes symboliques par le biais d’agences humaines et non humaines, y compris l’apprentissage automatique. Sa pratique hybride explore les espaces poreux entre le monde physique et le monde virtuel, entre le naturel et le synthétique. Son travail a été reconnu et présenté au niveau international, dans des festivals tels que le Prix Ars Electronica (AT), Sónar (ES, HK), Transmediale (DE), Sonic Arts Award (IT), Elektra (CA), Mutek (MX, CA, JP, AR), ISEA (CA, KR), ACT (KR), L.E.V et LABoral (ES), Scopitone (FR), Café Oto (UK).

 

Actif en multimédia, en histoire, en musique et en arts visuels, Ulysse Ruel est stimulé par la force créatrice du risque et la puissance émotive du direct. Son travail artistique comporte par conséquent une grande dimension performative. L’harmoniciste a été invité à collaborer à plusieurs albums et spectacles depuis 2007. Il a aussi été chanteur principal et parolier du groupe Lucil de 2012 à 2016. Depuis, il poursuit ses recherches en solo avec un projet d’harmonica expérimental. Ulysse Ruel compte à son actif des années de réalisations et d’études en arts visuels, qui démontrent son grand intérêt pour la performance et l’art sonore. Il en a gardé une volonté de présenter des œuvres éphémères et risquées.

Annie Q. est DJ dans les rues de Montréal depuis la genèse du indie sleaze, avant qu’on le baptise. Elle a fait danser des cœurs de rockeurs·euses dans des bars qui n’existent plus (le Korova, le Jupiter Room, le Tokyo Bar et le Salon Officiel) et d’autres qui existent encore (la Casa Del Popolo, La Rockette, l’Esco). Elle a un flair particulier pour les mélanges improbables et tout ce qui se tient autour de l’underground, tant que ça répond par l’affirmatif à la question suivante : « ça se danses-tu? ».

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